As 10 pinturas barrocas mais importantes

O Barroco é uma época e uma corrente artística que ocorreu, principalmente, no século XVII. Este estilo artístico possui inúmeras obras-primas, distribuídas entre os melhores museus do mundo.

Neste artigo focaremos na pintura barroca e resgataremos 10 de suas pinturas mais importantes.

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pintura barroca

O século XVII testemunhou o surgimento de verdadeiros mestres da pintura. Artistas como Velázquez, Vermeer, Rubens ou Ribera preencheram as páginas da história da arte de inúmeras maneiras. obras-primas, essenciais para conhecer tanto esse período histórico quanto a evolução da arte em em geral.

Como a maioria dos movimentos artísticos, o barroco não é um estilo único.. Em cada região e cada país tinha características próprias, impulsionadas por seu próprio contexto econômico, religioso e social. Assim, enquanto nos países católicos esse estilo serviu de veículo para a Contra-Reforma, nas regiões Os protestantes tornaram-se muito mais íntimos e pessoais, uma vez que era promovido pelos comerciantes e burgueses do cidades.

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As 10 principais pinturas do barroco

A seguir, faremos uma pequena viagem pelas 10 pinturas barrocas mais importantes.

1. As meninas, de Diego Velázquez (Museu do Prado, Madrid)

É provavelmente uma das obras pictóricas mais reproduzidas e uma das mais famosas do mundo. A tela é conhecida como As meninas, embora seu nome original fosse A família de Felipe IV. É, sem dúvida, uma das obras-primas da pintura barroca e da história da arte em geral.

Foi pintado em 1656 no Cuarto del Príncipe del Alcázar, em Madrid, e recria um incrível jogo de luz e perspectiva. Ao fundo, refletidos em um espelho, vemos os bustos dos monarcas, o rei Felipe IV e sua esposa Mariana da Áustria. À esquerda da tela, Velázquez faz um autorretrato no cavalete. As interpretações da obra foram e continuam a ser muito variadas. Você está pintando os reis e de repente é interrompido pela pequena infanta Margarita, que está acompanhada de suas meninas e sua comitiva? Seja como for, a pintura imerge totalmente o espectador na cena, como se fosse mais um personagem dela.

2. Judite e Holofernes, de Artemisia Gentileschi (Galeria Uffizi, Florença)

Há alguns anos, a extraordinária obra de Artemisia Gentileschi vem recuperando o lugar que merece na história da pintura. Judite e Holofernes é uma das obras-primas não só do seu corpus pictórico, mas da pintura barroca em geral.

O artista nos representa o momento, registrado na Bíblia, em que Judite, a heroína judia, decapita Holofernes, um general babilônico que a quer. Artemisia representa o momento com uma ferocidade que congela a respiração. Muitos críticos quiseram ver na crueza desta pintura toda a raiva e sofrimento que o violação de que foi vítima pouco antes da execução da primeira versão da pintura, conservada no Museu de Capodimonte, Nápoles. De qualquer forma, o maravilhoso claro-escuro, a composição e o dinamismo dos personagens fazem desta obra uma das melhores mostras da pintura barroca.

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3. Menina lendo uma carta na frente da janela aberta, de Johannes Vermeer (Alte Meister, Dresden)

O grande e, ao mesmo tempo, íntimo universo pictórico de Vermeer reduz-se, infelizmente, a cerca de trinta obras reconhecidas. Esta escassez de produção artística faz deste artista do barroco holandês um pintor envolto por um halo de mistério. Seus interiores foram tremendamente valorizados na época, embora mais tarde tenham caído no esquecimento e não tenham sido reivindicados até muito mais tarde pelos impressionistas do século XIX.

O trabalho que nos preocupa representa perfeitamente aquele universo de intimidade doméstica característico do pintor. Numa sala iluminada pela luz leitosa que entra por uma janela aberta, uma jovem se concentra na leitura de uma carta. Seu mundo privado torna-se mais inacessível porque não podemos alcançá-lo fisicamente, pois a mesa e a cortina em primeiro plano nos impedem de fazê-lo. Esta tela é um belo exemplo da pintura barroca dos Países Baixos e, sobretudo, desse mundo de personagens esquivas e quase fantasmagóricas que povoam a obra deste extraordinário artista.

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4. natureza morta, de Clara Peeters (Museu do Prado, Madrid)

O gênero das naturezas-mortas não teve grande destaque na história da arte, apesar de ser de um gênero que exige muito detalhamento e, claro, uma indiscutível capacidade de captar texturas e superfícies. Uma obra-prima do gênero é, sem dúvida, este natureza morta da pintora Clara Peeters.

Nela, o virtuosismo do artista não se evidencia apenas na cuidadosa representação do elementos, mas na série de auto-retratos que o pintor fez, como reflexo, no jarro e na a xícara. Capturar um reflexo em uma superfície era algo que exigia um virtuosismo primoroso, e Clara registra por meio desse recurso sua habilidade pictórica, além de ser uma forma de reivindicar seu papel como artista em uma profissão dominada por homens.

5. A incredulidade de São Tomás, de Caravaggio (Schloss Sanssouci, Potsdam)

O tema bíblico da dúvida do santo diante da ressurreição de Cristo é recolhido nesta obra com um naturalismo impressionante. São Tomé está enfiando um dedo na ferida que Jesus olha em um de seus lados. O próprio Cristo guia sua mão, encorajando-o a acreditar por meio de evidências físicas no que ele não acreditou por meio da fé. Essa cena nunca havia sido contada com tanta, digamos, crueza. O realismo característico de Caravaggio fica evidente na anatomia dos corpos, nas rugas que sulcam as testas dos apóstolos, nas unhas sujas que o próprio São Tomás apresenta e, sobretudo, na ponta do dedo entrando na carne de Cristo. A obra de Caravaggio é um dos melhores exemplos de que o barroco não é apenas teatralidade e pompa, mas também aborda a realidade com surpreendente naturalismo.

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6. cristo crucificado, de José de Ribera (Museu Diocesano de Arte Sacra, Vitória-Gasteiz)

Um dos crucificados mais impressionantes da pintura barroca. Conserva-se no Museu Diocesano de Arte Sacra de Vitória-Gasteiz, do desaparecido convento de Santo Domingo, e é considerada uma das melhores representações de Cristo crucificado na pintura. Espanhol. Sobre um fundo neutro e marcadamente escuro, que reforça a ideia do eclipse bíblico que acompanhou o morte de Cristo, a figura de Jesus ressuscita na cruz, com o corpo branco e contorcido em um forçado contraposto. A única fonte de luz é o seu corpo, pois até o tecido da pureza é de tonalidade semelhante à madeira da cruz na qual está pregado. A cena parece captar o momento em que Cristo olha para o céu e murmura: “Tudo acabou. Consumatum est”.

7. Crianças comendo uvas e melão, de Bartolomé Esteban Murillo (Alte Pinakothek, Munique)

Já comentamos que o realismo também é típico da arte barroca. Um bom exemplo disso é esta maravilhosa tela do pintor Bartolomé Esteban Murillo, guardada em Munique, que representa duas crianças mal vestidas comendo uva e melão. A Espanha do século XVII oferecia contrastes marcantes, e a pobreza era uma visão comum nas ruas de cidades como Madri. Nesta ocasião, Murillo representa os dois meninos concentrados na comida. Eles não estão olhando para o espectador; na realidade, eles mal notam nossa presença. Enquanto devoram o melão e as uvas (talvez um dos poucos alimentos a que terão acesso durante muitos dias), conversam calmamente, como testemunham os olhares trocados. Pés descalços sujos e roupas puídas adicionam uma nota dramática à cena cativante.

8. Cofre com o Apoteose da monarquia espanhola, de Luca Giordano (Museu do Prado, Madrid)

Este fantástico teto, realizado no final do século XVII com a técnica do falso afresco, pode ser visto atualmente na Biblioteca do Museu do Prado, em Madri. Originalmente, a abóbada pertencia ao antigo Salão dos Embaixadores do Palácio do Bom Retiro, local de descanso e lazer que o Conde-Duque de Olivares mandou construir para o Rei Felipe IV.

Como o próprio nome indica, o Salão dos Embaixadores era o local de recepção do monarca, pelo que a iconografia exposta no seu tecto é uma exaltação da monarquia hispânica. Giordano cria uma composição extraordinária, pontilhada de alegorias e símbolos retirados da mitologia. que procurou destacar a antiguidade da coroa espanhola e sua preeminência sobre as outras casas reais Europeu.

9. os três agradecimentos, de Rubens (Museu do Prado, Madrid)

Aparentemente, Rubens fez esta tela, uma das mais famosas de sua obra, para seu próprio deleite, como evidenciado pelo fato de que, ao morrer, ela fazia parte de sua coleção pessoal. De fato, as feições da mulher da esquerda são muito parecidas com as de sua segunda esposa, Helena Fourment, com quem Rubens se casou quando ela tinha apenas dezesseis anos e ele, cinquenta e três. Desde os tempos antigos, É comum encontrar o motivo das Graças relacionadas a noivados, portanto, não parece razoável supor que o artista pintou a pintura como uma homenagem ao seu próprio vínculo. As três figuras se levantam voluptuosamente e dão as mãos no que parece ser algum tipo de dança. É de fato uma das pinturas mais elegantes e sensuais do artista.

10. penitente madalena da lamparina, de Georges de La Tour (Museu do Louvre, Paris)

De La Tour é um pintor fantástico, famoso pelo requintado claro-escuro em suas composições, obtido pelo brilho de uma ou mais velas.

Neste caso, a pintura mostra-nos uma Maria Madalena absorta na sua meditação. Seu olhar está fixo no fogo da vela que arde diante dela, única fonte de luz da pintura, como é habitual na obra da artista. A santa segura a cabeça com uma das mãos, enquanto na outra, que repousa sobre o colo, segura uma caveira, símbolo da penitência e da transitoriedade da vida, tão típico do barroco. O motivo da penitente Madalena era muito comum no século XVII. O próprio De La Tour fez até cinco versões desta pintura. Em duas delas, a caveira está sobre a mesa, e com seu volume esconde o fogo da vela, o que acentua ainda mais o claro-escuro da cena.