10 curiosidades sobre obras de arte famosas

Um verdadeiro amante que se faz passar pela Virgem, o roubo mais notório da história, um autorretrato numa lata de óleo... A história da arte está repleta de anedotas e, na realidade, nada é o que parece. A seguir, apresentamos uma lista com algumas das curiosidades mais suculentas sobre obras de arte famosas, explicou em detalhes.

10 curiosidades sobre obras de arte famosas

Aqui estão 10 curiosidades que escondem algumas das obras de arte mais famosas da história.

1. A pintura mais famosa do mundo

Definitivamente, a Gioconda de Leonardo da Vinci é uma das obras que mais recebe visitantes. Você já se perguntou por quê? E é que esta mesinha nem sempre foi tão popular. De fato, antes de 1911, as pessoas que visitavam o Louvre mal o notavam.

Mas aconteceu que, na manhã de terça-feira, 22 de agosto de 1911, eles perceberam que a Monna Lisa não estava em seu lugar. Havia desaparecido. E assim foi por nada menos que dois anos; Não foi localizado até dezembro de 1913, quando foi encontrado o autor do notório roubo: Vincenzo Peruggia.

Peruggia havia trabalhado no Louvre e sabia muito bem como as pinturas eram penduradas. Além do mais, ele tinha em sua posse uma toga de trabalhador, que vestiu para desaparecer. Lembremos que estamos falando de 1911 e que, portanto, não havia câmeras de segurança que pudessem registrar o furto. Assim, na segunda-feira, 21 de agosto, dia em que o museu foi fechado, Peruggia pegou calmamente La Gionconde, pendurou-o debaixo do braço e saiu do Louvre, escondendo-o previamente sob o casaco do trabalhador. Ninguém percebeu... até o dia seguinte.

A notícia do roubo se espalhou como fogo. Guillaume Apollinaire acabou preso acusado do roubo, e seu colega Pablo Picasso também fazia parte da lista de suspeitos. Jornais alimentados com fofocas e lendas. Quando a pintura foi encontrada em um pequeno hotel em Florença, onde Peruggia convocou o antiquário Alfredo Geni para lhe vender a obra, a Gioconda Já era um verdadeiro mito. Um mito cuja fama (justificada ou não) só cresceu até hoje.

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2. O grito que não é um grito

Todos nós temos em mente a tela espetacular O grito, do pintor norueguês Edvard Munch: diante de uma paisagem que parece derreter, uma estranha figura leva as mãos ao rosto e grita. Sim verdade? Pois não. tem uma figura sim Ele parece estranho, como uma máscara mortuária ou uma múmia, e ele coloca as mãos no rosto... mas ele não grita.

Na verdade, o nome da pintura refere-se à cena que inspirou a pintura. O próprio Munch descreve isso da seguinte maneira em seu diário: “Eu estava caminhando por um caminho com dois amigos; o sol se pôs. De repente o céu ficou vermelho-sangue, parei e encostei-me a uma cerca morto de cansaço: sangue e línguas de fogo espreitavam sobre o azul escuro do fiorde e da cidade. Meus amigos continuaram e eu fiquei parado, tremendo de ansiedade. Senti um grito infinito que cruzou a natureza…”

Ou seja, o grito que dá nome ao quadro é o poderoso grito da natureza, muitas vezes destrutivo, que abala o pintor e o faz cambalear. Claro, uma visão muito diferente do trabalho que se tornou popular.

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3. o cadáver blasfemo

Em 1601, Michelangelo Merisi, mais conhecido como Caravaggio, recebeu uma encomenda para a igreja de Santa Maria della Scala em Roma. Você deve pintar uma imagem que reflita o trânsito da Virgem, cercada pelos apóstolos. Dito e feito. Caravaggio pega seu pincel e alguns modelos, e faz uma tela monumental, onde Maria aparece reclinada e os apóstolos a guardando e lamentando sua morte.

Até agora, tudo parece no lugar. Mas já sabemos que Caravaggio foi um dos grandes naturalistas do barroco, que tirou suas maquetes dos bairros mais pobres de Trastevere. Caravaggio nos mostra personagens vulgares, esfarrapados e sujos na tela; Além do mais, a figura reclinada da Virgem parece um cadáver recém-saído do necrotério. De fato, alguns rumores sugeriram que, de fato, o pintor havia tomado uma prostituta afogada no Tibre como modelo para Maria (o que, vindo de Caravaggio, poderia ser perfeitamente verdade).

Vamos terminar! Isso foi uma zombaria decoro eclesiástico, que exigia regras na representação de personagens sagrados. Como esperado, o trabalho foi rejeitado. Felizmente, nem todos pensaram o mesmo. Um atônito Rubens teve a sorte de ver a obra e ficou absolutamente cativado por ela. O artista convenceu o Duque de Mântua a comprar a tela, e atualmente podemos apreciá-la no Museu do Louvre.

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4. Clara Peeters tira uma foto… em uma lata de óleo

É comum os pintores se autorretratarem em suas obras. É um costume bastante difundido desde o Renascimento; por exemplo, Botticelli incluiu seu retrato entre a multidão de seus Adoração dos Magos (1475-76), e Bosch fez o mesmo em seu jardim das delícias (1503-15), embora, para ser justo, devamos dizer que a identidade deste último não está confirmada.

Clara Peeters (1594? -?) foi uma pintora flamenga famosa por suas belas naturezas-mortas. Em muitos deles incluiu sua própria imagem, refletida na superfície de alguns objetos. É o caso de uma das naturezas-mortas que o Museu do Prado conserva, datada de 1611, e que mostra uma mesa com deliciosas iguarias (biscoitos, pães e frutas seco), uma jarra com flores, um copo de vinho e uma lata de azeite onde, se olharmos com atenção, podemos ver o rosto do artista, reflectido no metal.

O virtuosismo de Clara fica evidente nesses detalhes, pois não é fácil retratar-se na superfície curva de um objeto. A artista controla perfeitamente os efeitos da luz e a distorção que as sinuosidades do óleo podem causar no retrato. Se você for ao Prado, pode tentar descobri-lo.

5. A cara da polêmica

Quem é a mulher retratada por Goya em duplicata, uma vestida com vestidos orientais e a outra completamente nua? Estamos nos referindo, é claro, ao famoso Majas, atualmente conservada no Museu do Prado e que outrora pertenceu à coleção particular de Manuel Godoy, primeiro-ministro de Carlos IV.

No inventário do palácio Godoy, as telas aparecem consignadas como pinturas "ciganas", sem maiores especificações.. A polêmica começou quando a própria Inquisição convocou Goya para depor sobre as pinturas e sobre quem as havia encomendado. Rios de tinta começaram a fluir. Seria o rosto da famosa Duquesa de Alba que parecia desafiador (e também sensual) para o espectador?

Esta versão foi a mais aceita pela lenda popular; No entanto, a duquesa de Alba já estava muito doente na época em que as pinturas foram feitas. Seria, então, que o retratado era outro? Talvez Pepita Tudó, amante de Godoy na época? A comparação das características do Majas com os retratos confirmados de Pepita mostra uma semelhança extraordinária. Por outro lado, o Majas estavam na posse de Manuel Godoy; parece inteiramente lógico que o ministro quisesse ter um retrato erótico de sua amante.

Apesar das suposições, ainda não foi possível confirmar quem é a mulher que posa de forma coquete e elegante em um sofá. Talvez seja melhor assim, pois o mistério do Majas É uma de suas maiores atrações.

6. Velázquez retrata sua família

Velázquez pintou seu Adoração dos Magos durante a sua passagem por Sevilha, ainda na oficina de Francisco Pacheco. Foi precisamente com sua filha, Juana, que Velázquez se casou em 1618. A obra, pintada no ano seguinte, é, para além da representação da Epifania, um sinal de fidelidade e amor familiar.

E é que Velázquez capturou os traços de sua esposa Juana no rosto da Virgem Maria. Não só isso; sabe-se que o Menino Jesus era, na realidade, a sua filhinha Francisca, nascida poucos meses antes. O próprio Velázquez seria a figura jovem em primeiro plano, enquanto o rei mais velho seria um retrato de seu sogro e professor, Francisco Pacheco. Algo, por outro lado, muito comum no barroco: a fusão do sagrado com a vida cotidiana, que aproximava enormemente os personagens bíblicos do povo.

7. O “terceiro seio” de Angélica

Apesar de ser um pintor muito apreciado hoje, a verdade é que Jean-Auguste-Dominique Ingres teve muitos detratores durante sua vida. O artista tinha fama de desenhar anatomias impossíveis; a crítica do momento foi preparada com sua grande odalisca (1814), que eles disseram ter "várias vértebras extras".

É verdade que as figuras de Ingres não são anatomicamente perfeitas. Eles têm um langor quase gótico que os aproxima mais do mundo dos sonhos do que da realidade tangível.. No entanto, isso faz parte do charme de seu trabalho.

Alguns de seus contemporâneos não pensavam o mesmo, como já vimos. Outra de suas pinturas mais famosas, Roger liberta Angélica (1819), atraiu as mesmas críticas acaloradas de seu Odalisca. Vejamos a data: 1819, auge da fúria neoclássica na França. A figura de Angélica, acorrentada a uma rocha e salva por Roger da morte certa, ostenta em seu pescoço... um terceiro seio! Ou, pelo menos, é assim que os contemporâneos do pintor queriam ver. A confusão vem da protuberância saliente que a jovem mostra sob o queixo e na redondeza do pescoço. Será que Angélica apresentou um tumor? Quem sabe…

8. Uma amante real no papel da Virgem

No Díptico Melun (1450), cujas duas partes se encontram atualmente em diferentes museus, Jean Fouquet representa a Virgem oferecendo o seio ao Menino Jesus para ser alimentado, em uma iconografia conhecida como Galaktotrophousa (Virgem do leite). Este tipo de representação foi bastante comum desde os primeiros séculos da Idade Média, mas Jean Fouquet dá-lhe uma reviravolta e representa uma Virgem de sugestivo erotismo.

María está vestida à moda da época; sua testa é raspada, assim como suas sobrancelhas. Sua pele é alva e macia, e seus seios (na verdade, apenas um, já que o outro está descoberto) estão envoltos em um sutiã azul. Uma elegante capa de arminho cai sobre suas costas… A beleza terrena e o óbvio erotismo desta Madonna são um verdadeiro choque para o espectador. E se levarmos em conta a lenda que garante que a modelo não é outra senão Agnès Sorel, a favorita do rei Carlos VII da França, tudo fica ainda mais complicado. Uma verdadeira amante interpretando a Virgem Maria!

A identidade da senhora não pôde ser confirmada, mas verifica-se que um dos patronos do díptico, que aparece representado na outra mesa, estava o testamenteiro de Agnès, que morreu muito jovem, aos vinte e oito anos, supostamente envenenado. Quer mais coincidências? A data da execução do díptico corresponde à da morte da favorita. Tire suas próprias conclusões.

9. família deve estar junto

Napoleão encomendou ao famoso pintor neoclássico Jacques-Louis David a criação de uma tela colossal para imortalizar sua ascensão ao poder. David capturou o momento em que Napoleão, já coroado, por sua vez impõe a coroa à sua esposa, a rainha Josephine. É uma visão grandiosa de nada menos que 667 x 990 cm, e está atualmente no Museu do Louvre.

Entre a multidão que assiste à coroação, podemos ver, em um camarote de destaque, a mãe do grande corso, contemplando o filho com admiração. Mas a verdade é que, na verdade, María Letizia Ramolino não compareceu à cerimônia, por certos desentendimentos familiares (diz-se que a mãe não aprovava o casamento do filho com Josefina…). Napoleão não hesitou em pedir a David que incluísse sua mãe entre os participantesPorque que imagem ele daria ao povo se tornasse públicos os problemas de sua família? O Photoshop da época.

10. Avinhão é em Barcelona

A famosa pintura de Picasso foi considerada As Damas de Avignon como a primeira pintura inteiramente cubista. No entanto, a composição ainda é um tanto experimental. Picasso tenta soluções formais que, sim, são um claro precedente para o cubismo que virá depois.

A pintura retrata cinco prostitutas… de Avignon, França? Não; Rua Avinyó (Avignon), em Barcelona. Recordemos que naqueles anos (1907) o jovem Picasso se instalara em Barcelona. Assim, o nome da pintura pode ser enganoso, especialmente considerando que o artista viveu posteriormente na França. Se você passar por Barcelona, ​​​​não deixe de visitar a rua em questão; Situa-se no coração do chamado Bairro Gótico, uma zona com muito encanto e muitas joias artísticas por descobrir.