Arte contemporânea: o que é, características e principais movimentos

Hoje, vivemos em uma era caracterizada pela velocidade. As modas não só aparecem e desaparecem em um piscar de olhos, mas também se espalham velocidade da luz, graças ao surgimento de tecnologias como a Internet, aplicativos móveis e redes social. A arte contemporânea, claro, não pode ser compreendida fora dessa realidade.

Apesar de a partir da segunda metade do século XX não podermos mais falar de movimentos artísticos como tais, não há uma série de padrões que caracterizam a arte contemporânea, e que vamos analisar neste artigo.

o que é a arte contemporânea?

Considera-se arte contemporânea aquelas manifestações artísticas que se enquadram na segunda metade do século XX e início do século XXI. A própria palavra “contemporâneo” comporta uma contínua expiração e renovação, pois, obviamente, daqui a cem anos não poderemos continuar chamando a arte atual de “arte contemporânea”.

A arte contemporânea assenta na inexistência de movimentos sólidos e representativos, como eram os “ismos” do final do século XIX e início do século XX. Então,

a arte contemporânea é nitidamente filha de seu tempo, pois representa absoluta liberdade de criação. Quase podemos descrever uma tendência específica para cada artista existente. É o triunfo da individualidade contra a comunidade.

Ainda assim, e talvez paradoxalmente, podemos distinguir uma série de características comuns, que discutiremos na próxima seção.

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Características gerais da arte contemporânea

Em linhas gerais, podemos elencar 4 características essenciais da arte que chamamos de contemporânea. Vamos vê-los abaixo.

1. O uso de novas tecnologias

Embora em geral toda nova manifestação artística ande de mãos dadas com uma inovação técnica, é verdade que, em No caso da arte contemporânea, a inovação é uma característica básica para sustentar sua própria definição. Por exemplo, na gestação da arte flamenga no século XV, a pintura a óleo, então inventada, foi muito importante; mas não podemos dizer que esta nova técnica tenha constituído algo essencial no nascimento deste novo estilo.

No entanto, podemos afirmar que as novas tecnologias têm muito a ver com a formação da arte contemporânea. De um lado, a fotografia e o cinema, que estiveram na base de muitas das criações das primeiras vanguardas do século XX; por outro, técnicas e redes digitais, essenciais para entender a arte atual.

Assim, um dos elementos mais importantes que caracterizam a arte contemporânea é o uso e exploração de novas tecnologias emergentes que, aliás, tem dado origem do nome de uma das correntes artísticas mais atuais (e também mais heterogêneas) do final do século XX e início do século XXI: New media art ou arte do novo meios de comunicação.

2. Viralidade e consumo de massa

Outra das características que sustentam a arte contemporânea é a sua viralidade e a ascensão do consumo de massa ou consumo de massa. Não podemos entender a arte atual sem vinculá-la à velocidade da comunicação e ao acesso do grande público às criações artísticas. Este é um fato que começou a ser percebido no início do século XX, com a generalização dos jornais e revistas e com o crescimento da sociedade de consumo; entretanto, somente na segunda metade do século e, principalmente, no início do século XXI, quando esse fenômeno aumentou graças à Internet, dispositivos móveis e redes social.

Essa extraordinária viralidade, nunca vista antes, torna fácil para a criação de um artista viajar pelo mundo em apenas algumas horas (às vezes minutos). Além disso, os altos níveis de consumo que a humanidade vive hoje provocam uma maior “necessidade” de arte por parte do público em geral, bem como um maior acesso.

3. O desenvolvimento de “subculturas”

No final do século XIX, e pela primeira vez na história da arte, surgiram diferentes correntes artísticas simultâneas conhecidas como “ismos”. A partir de então, a proliferação de correntes estéticas avançou com velocidade crescente, a ponto de, no início do século XX, encontramos vanguardas que se sobrepõem ao longo do tempo.

Este multiculturalismo e simultaneidade das expressões artísticas atingiu o seu auge em meados do século XX com a proliferação de chamados de "subculturas", ou seja, grupos sociais com expressões culturais próprias que diferem consideravelmente daquelas aceitas pelo "oficialidade". É o caso, por exemplo, do graffiti e da arte urbana.

4. A progressiva relativização da arte

Por último, mas não menos importante, encontramos uma relativização (quando não banalização) da arte, que começou no início do século XX com as primeiras vanguardas e continua até os dias atuais. dias.

Ao longo da história, os movimentos artísticos foram guiados por uma ideia de beleza. Obviamente, essa ideia variou ao longo dos séculos e foi muito diferente dependendo da cultura que a emite. No entanto, o fenômeno da negação artística, ou seja, da a inexistência de um guia estético, é algo absolutamente recente.

Talvez os primeiros a estabelecer a negação da arte e, portanto, de uma estética, tenham sido os dadaístas, um grupo de intelectuais desencantados que se constituiu como movimento em 1916. O movimento dadaísta não foi, claro, a primeira vanguarda, mas foi a primeira a negar violenta e absolutamente a criação artística.

Alguns anos antes, os futuristas propuseram uma estética, um ideal de beleza, neste caso baseado na velocidade e no progresso. Foram transgressores da forma, mas em nenhum caso negaram a existência da arte. Na verdade, eles falaram da "beleza de um carro de corrida a toda velocidade". O dadaístasNo entanto, eles romperam com tudo ideal. Sem saber, eles estavam lançando as bases da futura arte contemporânea.

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A era da “pós-modernidade”

A arte contemporânea baseia seu discurso não na transgressão (isso já havia sido feito pela vanguarda), mas na a ruptura com o próprio conceito de criação e autor. São colocadas questões sobre a autoria, a validade do ponto de vista do artista, a originalidade e o próprio valor da obra de arte. É o que se convencionou chamar de “pós-modernidade”.

Essa ruptura com as formalidades artísticas o faz entrar em franca contradição, pois, ao mesmo tempo em que questionam a validade de galerias de arte, fundações, artistas, etc., usam tudo isso para legitimar Legitimar, por quê? Porque na era pós-moderna qualquer objeto pode ser considerado uma obra de arte, por isso precisa de uma instituição com autoridade e prestígio suficientes para endossá-lo como tal.

Alguns dos movimentos artísticos contemporâneos

A seguir, vamos rever alguns dos movimentos mais importantes da arte contemporânea, desde seu surgimento na década de 1960 até o presente.

1. A "arte pop"

Surgido na década de 1960 por artistas tão importantes quanto Andy Warhol, "pop art" ou arte popular reinventou objetos de consumo cotidianos e os transformou em objetos de arte. Assim, qualquer elemento do quotidiano era passível de ser uma obra de arte e, além disso, e graças às técnicas de reprodução melhoradas, qualquer casa podia ter acesso a eles. Era o alvorecer da arte como objeto de consumo.

2. A "op art"

A denominação é a abreviatura de arte óptica, ou seja, arte óptica. O termo foi cunhado pela revista Revista Time em 1964, e fez referência a os artistas que brincaram com ilusões de ótica para energizar suas criações. Embora a “op art” tenha tido seu apogeu na década de 1960, podemos encontrar sua gênese em movimentos de vanguarda anteriores, especialmente na surrealismo. Basta lembrar Dalí e suas “imagens-paranóicas”, como ele mesmo as chamava, que faziam o olho ver elementos que, a princípio, não estavam representados na pintura.

3. arte "psicodélica"

A riqueza criativa dos anos 60 do século XX se manifesta em todos esses movimentos que adquiriram um grande impulso nesses anos de manifestações, o movimento hippie e o nascimento da contraculturas.

Especificamente, a chamada arte "psicodélica" tem muito a ver com o boom do consumo de substâncias alucinógenas como o LSD (na verdade, essa tendência também é chamada de arte "lisérgica" em "homenagem" a essa droga de design) e sua estética reflete os estados alterados de consciência produzidos por seu consumo. Assim, a arte "psicodélica" apresenta fractais e cores vivas e brilhantes, assim como efeitos óticos e fosfénicos (sensação de ver pontos luminosos quando a retina é devidamente estimulada).

4. a arte corporal

Trata-se da criação artística que utiliza o corpo humano como suporte. Assim, os padrões estéticos são formados por meio de pintura, piercing ou tatuagem, e foi particularmente popular na década de 1970.

5. o grafite

A década por excelência do graffiti foi a década de 1980. É uma arte totalmente gratuita (e, na maioria das vezes, ilegal) que usa superfícies públicas para sua expressão. Geralmente são composições de palavras com uma mensagem, mas também encontramos pintura figurativa de alta qualidade. Normalmente, essas representações são feitas com a técnica do aerossol.

6. arte “pobre”

No final da década de 1960, surgiu um movimento de artistas italianos que reivindicavam a arte feita com materiais “pobres”, ou seja, de uso diário e de baixo ou nenhum custo. O artista "povera" criava suas obras com madeira, barro, folhas, tecidos, pedras e outros materiais que, em geral, podiam ser encontrados na natureza ou na paisagem urbana.

7. hiper-realismo

Ao contrário do que muitos acreditam, a arte contemporânea não se baseia apenas em linguagens completamente novas. Por exemplo, nos últimos anos o chamado hiper-realismo, expressão artística que imita a realidade com grande precisão, de forma absolutamente fotográfica.

8. arte da nova mídia

É a arte que se utiliza das mais avançadas tecnologias para se desenvolver e alcançar o público. O meio preferido desses artistas é, claro, a Internet. Ele arte das novas mídias ou arte das novas mídias ele interage com o espectador, apropria-se de obras existentes e cria suas criações em colaboração com outros artistas. Alguns exemplos são a arte interativa e o metaverso.