Abstracionismo: descubra as 11 obras mais famosas

Ou Abstraccionismo, ou Arte Abstrata, é um movimento que reúne produções bastante diversas, que vão desde desenhos não figurativos a tecidos executados a partir de composições geométricas.

Pretende trabalhos abstratos e realça formas, cores e texturas, revelando elementos que não se reconciliam e estimulando uma leitura do mundo a partir de um tipo de arte que não é objetivo.

1. Amarelo-Vermelho-Azulpor Wassily Kandinsky

Uma tela, datada de 1925, item sem título os nomes das cores primárias. Foi pintado o cabelo russo Wassily Kandinsky (1866), e atualmente está localizado no Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, em Paris (França).

Kandinsky é considerado um precursor do estilo abstrato e foi um artista intimamente ligado à música, tanto que fez parte de suas composições abstratas, como Amarelo-Vermelho-Azul, foram criados a partir da relação entre a música, como núcleos e formas.

Uma tela de grandes dimensões (127 cm por 200 cm) tem várias formas geométricas (como círculos, retângulos e triângulos) executadas, encimadas, em núcleos primários. O objetivo da artista era chamar a atenção para os efeitos psicológicos que são núcleos e formas que exercem as pessoas.

Sobre o assunto, Kandinsky afirmou em altura:

“Um cor é um meio para exercer uma influência direta na alma. Um cor é uma chave; ou olho, ou martelo. À alma, ou instrumento, você dá mil cordas. Ou o artista é meu que, ao tocar nesta ou naquela tecla, pega a alma com apenas vibração. Uma alma humana, tocada, não é o ponto mais sensível, ele responde. "

2. Número 5por Jackson Pollock

Para o tecido Número 5 Fui criado em 1948 pelo pintor norte-americano Jackson Pollock, que não no ano anterior começou a explorar uma forma completamente nova de compor suas obras.

Seu método consistia em derramar tinta esmaltada em um pano manchado colocado em seu estúdio. Essa técnica permitiu criar um emaranhado de linhas, e posteriormente ganhou ou nome de "pinturas por gotejamento" (ou gotejamento, em inglês) Pollock foi dois nomes importantes para o abstracionismo.

Desde 1940 o pintor tinha reconhecimento faz críticas e faz críticas ao público. Para o tecido Número 5, feita não apex da sua carreira, e imensa, possui 2,4 m por 1,2 m.

A obra foi vendida a um colecionador particular em maio de 2006 por 140 mil dólares, batendo um recorde de preço para a época - àquela altura, era o pagamento mais recente da história.

3. Insula Dulcamarapor Paul Klee

Em 1938, ou seu alemão naturalizado Paul Klee pintou sete grandes pinturas em formato horizontal. Insula Dulcamara é um desses painéis.

Todas as obras são delineadas como carvao no dia, que Klee colou a reboque ou linho, obtendo-se assim uma superfície lisa e diferenciada. Em várias partes, duas painis e possíveis parcelas do salário utilizadas, uma surpresa agradável e inesperada para o próprio Klee.

Insula Dulcamara são duas obras mais alegres do pintor, com os seus acessórios livres, espalhados e de forma definida. O título da obra é em latim e significa "ínsula" (ilha), "dulcis" (doze, amavel) e "amarus" (amargo), podendo ser interpretado como "Ilha doce e amarga".

Um tecido foi levantado nos últimos anos de sua vida e, a respeito do, Klee deu o seguinte depoimento:

“Não devemos esperar nos ver envolvidos, não com elementos mais indigestos; Só temos que esperar que as coisas mais difíceis de assimilar não perturbem ou se equilibrem. Assim, a vida é, com certeza, mais opressora do que uma vida burguesa muito ordeira. E cada um é livre, segundo os seus gestos, para ou escolta entre ou doze e ou deixou dois pratos da balança. "

4. Composição com Amarelo, Azul e Vermelhopor Piet Mondrian

Composição com Amarelo, Azul e Vermelho Foi inicialmente pintado em Paris, entre 1937 e 1938, mas acabou sendo desenvolvido em Nova York entre 1940 e 1942, quando Mondrian reposicionou algumas das belas linhas e acentos de outras. Uma obra não encontrou, desde 1964, nenhuma coleção da Tate St Ives (Cornwall, Inglaterra).

Ou o interesse de Mondrian era na qualidade abstrata. Embora tenha iniciado a sua carreira com obras figurativas, como passagem do tempo ou como pintor apostando no abstraccionismo e, em 1914, radicalizou e praticamente eliminou as curvas da sua obra.

O pintor francês desenvolveu uma nova forma de abstração rigorosa chamada neoplasticismo, que foi limitado a linhas de linhas, horizontes e verticais e núcleos primários básicos. Em geral, suas composições não eram simétricas. Uma curiosidade: as linhas horizontais geralmente eram pintadas antes da época da verticais.

Mondrian sentiu que este tipo específico de arte reflete uma verdade maior e universal do que precede a pintura figurativa.

5. Composição suprematista, Kazimir Malevich

Assim como Mondrian, ou o pintor soviético Kazimir Malevich criou uma nova forma de arte. OU Suprematismo nascido na Rússia entre 1915 e 1916. Como seus colegas abstracionistas, seu maior desejo era negar a presença física de todo e qualquer objeto. A ideia era alcançar a pureza, ou, como afirma o próprio criador, "a supremacia dá sensação de pureza".

Assim, criou um trabalho abstrato Composição suprematista em 1916, que apresenta as características essenciais do novo estilo. Este trabalho com dimensões de 88,5 cm × 71 cm e parte de um acervo particular.

Uma técnica é caracterizada pelo uso de formas geométricas simples e a preferência por uma paleta de Também núcleos simples, primários e secundários, às vezes sobrepostos, outros posicionados lado a lado. lado. O fundado é quase sempre branco nas criações de Malevich, representando o vazio.

6. O ouro do firmamentopor Joan Miró

O espanhol Joan Miró foi um artista empenhado em extrair significados grandiosos de formas simples, que dependem em grande parte da imaginação e da interpretação do observador.

Este é o caso de O ouro do firmamento, quadro realizado em 1967 com a técnica do acrílico sobre tela e que a página pertence ao acervo da Fundação Joan Miró, de Barcelona.

Nessa composição, vemos o predomínio do amarelo, uma corrente ligada à alegria, que envolve todas as formas.

Há uma grande massa esmaecida em azul, que toma lugar de destaque, já que o resto das formas e linhas parecem fluir para o Senhor.

O trabalho é considerado uma síntese do processo criativo de Miró, que se dedicou a investigar espontaneamente e a criar formas precisas na pintura.

7. Garrafa de rum e jornalpor Juan Gris

Pintado entre 1913 e 1914 pelo cubista espanhol Juan Gris, ou trabalho a óleo sobre tela, atualmente pertence à coleção da Tate Modern (Londres). Cinza frequentemente usado sobreposições de cor e planas texturizadas, e Garrafa de rum e jornal É um exemplo precioso de sua técnica.

Ou o quadro, que você dá seus trabalhos mais representativos, carregue uma imagem de planos angulares em intersecção. Muitos deles são trechos de madeira do passado, talvez sugestivos de tampo de mesa, ilustram como se sobrepõem e se interligam, negando qualquer possibilidade de perspectiva ligada ao real.

Uma garrafa e ou diário do título são indicados com um mínimo de pistas: bastam algumas letras, um contorno e uma sugestão de localização para apostar na identidade de dois objetos. Ou o quadro tinha dimensões relativamente pequenas (46 cm por 37 cm).

8. Preto em vermelho profundopor Mark Rothko

Considerada uma pintura trágica por suas cores fortes e funebres, Preto em Vermelho ProfundoCriado em 1957, ele é duas pinturas da sucessão posterior do pintor norte-americano Mark Rothko. Desde que começou a pintar, nos anos 1950, Rothko almejava atingiu a universalidade, a cada ano encontrava uma forma cada vez mais simplificada.

Preto em Vermelho Profundo O formato característico segue duas obras da artista, não nas quais os retângulos monocromáticos parecem flutuar dentro de dois limites do quadro.

Manchar diretamente o tecido com muitas camadas finas de pigmento e dar atenção especial às bordas onde os campos interagências ou o pintor alcançaram efeito fornece luz irradiando da própria imagem.

A obra atualmente pertence a uma coleção particular que foi vendida em 2000 por estonteantes mais de três mil dólares.

9. Concetto spaziale 'Attesa'por Lúcio Fontana

Uma tela cresce na face de parte de uma série de obras que o pintor argentino Lúcio Fontana produziu em Milão entre 1958 e 1968. Essas obras, que consistem em tecidos cortados uma ou várias vezes, são denominados coletivamente como Tagli ("cortes").

Considerado como um todo, são ou mais extenso e variado conjunto de obras de Fontana, e passou a ser visto como emblemático de sua estética. Ou apontar dois furos é, literalmente, romper a superfície da obra para que o espectador perceba o espaço que está além.

Lúcio Fontana começou a desenvolver a técnica de perfumar tecidos a partir da década de 1940. Um artista plástico permanece, nos anos 1950 e 1960, em busca de diferentes formas de desembrulhar os buracos como seu gesto característico.

Fontana enfrenta como fendas com um lençol preso aos tecidos posteriormente apelidado de olhar preta forte, dando a aparência de um vazio por trás. Em 1968, Fontana compartilhou com um entrevistador:

"Eu criei uma dimensão infinita (...) minha descoberta foi o buraco e é isso. Fico feliz por ir ao cemitério depois de tal descoberta "

10. Contra-composição VIpor Theo van Doesburg

O artista holandês Theo van Doesburg (1883–1931) pintou uma obra até o ano de 1925, em formato quadrado, usando tinta a óleo sobre tela.

Como as formas geométricas e simétricas são cuidadosamente dispostas, antes de serem cobertas com tinta, as linhas são desenhadas juntas como uma caneta a priori.Contra-composição VI face faz parte de uma coleção que prefere principalmente um formato diagonal e tons monocromáticos.

Além de pintor, van Doesburg é também escritor, poeta e arquiteto e está relacionado com o grupo de artistas De Stijl. Ou trabalho Contra-composição VI, 50 cm por 50 cm, foi adquirido em 1982 pela Tate Modern (Londres).

11. Meta-esquemapor Hélio Oiticica

O artista plástico brasileiro Hélio Oiticica nomeia várias obras realizadas entre 1957 e 1958 de meta-esquemas. Trata-se de pinturas que carregam retângulos inclinados pintados com tinta guache em um papelão.

São formas geométricas com molduras de uma única cor (em todo caso ou vermelho), aplicadas diretamente sobre uma superfície lisa e aparentemente vazia. As formas são organizadas em composições densas que são montadas em graus inclinados.

Oiticica produziu essa série de pinturas quando morou e trabalhou no Rio de Janeiro. Segundo pintor ou próprio, foi tratado como uma “obsessiva disseminação do espaço”.

O foram ou pontapé inicial de pesquisa para obras tridimensionais mais complexas que a artista não desenvolveria no futuro. Em 2010, hum Meta-esquema Foi vendido na comunidade Christie's por US $ 122,5 mil.

Ou o que foi ou Abstracionismo?

Historicamente, os trabalhos abstratos começaram a ser desenvolvidos na Europa não no início do século 20, não no contexto do movimento da Arte Moderna.

Trata-se de obras que não pretendem representar objetos reconquistados e não têm o compromisso de imitar a natureza. Portanto, a primeira reação do público e as críticas foram de rejeição das crianças, consideradas incompreensíveis.

Assim, a arte abstrata foi criticada justamente por se quebrar como modelo figurativo. Este tipo de trabalho não tem necessidade de se vincular à realidade externa e à representação.

Com o passar do tempo, no entanto, as obras vão ficando mais óleo e os artistas serão capazes de explorar seus estilos em profundidade.

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