7 principais artistas do renascimento e suas obras marcantes
Ou renascimento, que, do século XIV ao XVII, foi um período de grande efervescência cultural na Europa e palco de grandes mestres da arte, como Leonardo da Vinci, Michelangelo, Rafael e Ticiano.
Ou o papel dos artistas da Renascença é essencial para os valores e ideias da época (como valorização do homem e da ciência) transmitida ao público de forma impressionante e harmonioso.
Para isso, utilizam recursos como simetria, equilíbrio, perspectiva e uma inspiração não ideal da beleza clássica da cultura greco-romana.
1. Leonardo da Vinci (1452-1519)
Leonardo da Vinci pode ser considerado o mais famoso artista italiano do renascimento. Foi ou quem é chama de polymat, uma pessoa com diversas habilidades e conhecimentos em diversos campos da arte e da ciência.
Sua busca cabelos com conhecimento científico e a criação de obras de arte de extrema beleza e perfeição ou Eu elevei meu status de gênio, sendo muito difícil entender o quão excepcional era o tamanho possível.
Fui aprendiz de uma conhecida artista chamada Andrea del Verrochio, onde aprendeu técnicas de pintura e escultura, perspectiva e composição cromática.
A Da Vinci possui a sede do conhecimento e busca respostas para suas indagações de forma prática, investigando por meio de experimentos, não apenas por meios acadêmicos.
Assim, buscando uma maior compreensão do corpo humano, difunde-se mais dos trinta corpos (inclusive realizando estudos sobre ou crescimento de fetos não útero), ou que eu tenha permitido retratar com perfeição para figura humana
Ele conduziu muitas pesquisas em áreas como engenharia, arquitetura, planejamento urbano, hidráulica, matemática, geologia e química. Entretanto, existem algumas artes que mais se destacaram.
Seus alunos ambicionam adquirir mais informações e domínio da natureza para que possam realizar sua arte de forma mais consistente.
Dessa forma, ou artista ganhou enorme projeção e reconhecimento na renascença, pois nessa época A valorização da razão, da ciência e do ser humano esteve em evidência, ou que se manifestou em sua trabalhos.
Da Vinci morreu em 1519, na França, aos 67 anos. Pode-se dizer que foi um gênio incompreendido, apesar do imenso reconhecimento.
Monalisa (A Monalisa, originalmente), data de 1503 e é a obra mais famosa de Leonardo da Vinci, integrando o acervo do Museu do Louvre, na França. Uma tela, de dimensões reduzidas (77 x 56 cm), exibe a imagem de uma moça da região de Florença.
Ou um trabalho impressionante devido ao seu realismo, harmonia e atmosfera misteriosa. Um jovem tem uma feição bastante intrigante que nunca foi estudada por muitos pesquisadores, preocupados em investigar quais seriam as emoções exibidas no tecido.
A mulher é retratada com extrema harmonia e equilíbrio, simbolizando o mesmo tempo ou enigma da existência humana. Por esse motivo, é considerada uma das principais obras da arte renascentista, visto que em nenhum período essas características foram muito valorizadas.
Uma técnica utilizada pelo artista foi o Sfumato (desenvolvido por ele), em que a luz se degrada apenas ligeiramente, conferindo maior fidelidade ao efeito de profundidade. Posteriormente, esse método também será usado por outros artistas.
2. Michelangelo Buonarroti (1475-1564)
O italiano Michelangelo Buonarroti é também um dos maiores nomes do renascimento no Cinquecentto, última fase da Renascença, ou corrida a partir de 1500.
Como um artista importante para este período, você pode traduzir em sua arte toda sensibilidade e habilidade na representação do ser humano.
Ou fato óbvio nas palavras de Giorgio Vasari, outro artista da época:
A ideia desta casa extraordinária era o comportamento do corpo humano e suas proporções perfeitas, uma diversidade prodigiosa de suas atitudes e uma totalidade de pessoas e exaltação da alma.
Sua carreira artística começou cedo. Aos treze anos foi aprendiz do Mestre Domenico Ghirlandaio, que lhe transmitiu os conhecimentos técnicos de pintura e desenho fresco. Enquanto isso, um artista curioso busca inspiração até em outros nomes, como Giotto, Massaccio e Donatello.
Michelangelo, como da Vinci, também se dedicou a pesquisar a anatomia humana, analisando cadáveres e desvendando a partir de suas observações. Tornou tinha uma consciência profunda do corpo, reproduzindo com perfeição desenhos e esculturas de pessoas em ângulos inusitados.
Produziu trabalhos em várias linguagens artísticas, como pintura, escultura e arquitetura, sendo considerado tão talentoso que foi denominado O Divino.
Michelangelo teve uma vida longa e frágil em 1564, com 88 anos de idade. Seu túmulo foi encontrado na Igreja da Santa Cruz de Florença, na Itália.
Algumas obras importantes se destacam e que evidenciam a habilidade de Michelangelo na representação de figuras humanas e. Pietà.
A escultura foi feita em 1499 em mármore com dimensões de 174 x 195 cm, que pode ser vista na Basílica de São Pedro, não no Vaticano.
Aqui, no jantar exibido no momento em que Maria com certeza era filho Jesus, já sem vida, nós braços. Os corpos são mostrados como exatidão.
O artista conseguiu transformar o mármore rígido em representações de músculos, olhares e expressões faciais de forma impressionante e harmoniosa.
Outra característica digna de nota não funciona na composição em formato de pirâmide, comum nas obras em renascimento.
Por isso, uma obra é uma das mais conhecidas, e ao lado de Davi e duas frutas frescas Capela Sistina, tornada ícone da cultura renascentista feita pelas mãos do mestre.
3. Raphael Sanzio (1483-1520)
Rafael Sanzio foi um artista que demonstrou seu talento ainda quando estudava no escritório do famoso mestre Pietro Perugino, na região italiana da Umbria.
Como artista que desenvolveu com grande sucesso, algumas características da pintura renascentista, como ou equilíbrio de formas, núcleos e composição, considero a simetria um ponto importante a ser trabalhado.
Por volta de 1504, ele visitou Florença, onde Michelangelo e Da Vinci causaram grandes transformações artísticas. Rafael, porém, não se intimidou e mergulhou no conhecimento da pintura.
O artista era conhecido por pintar muitas imagens de Virgem Maria (como Madonas). Essas telas têm natureza e espontaneidade, assim como personalidade do pintor.
Naquele momento, Rafael foi convidado a ir a Roma e fez muitos trabalhos para o Vaticano, a pedido do Papa Júlio II, e posteriormente de Leão X.
Rafael Sanzio morreu em 1520, aos 37 anos, não no dia do seu aniversário, no dia 6 de abril.
Algumas das obras que mais se destacam na sua produção é Para a escola de Atenas (1509-1511). Ou painel de 770 x 550 cm, foi encomendado e encontrado no Palácio do Vaticano.
Um jantar mostra um local onde diversas personalidades da intelectualidade e da filosofia estão presentes grega, como Platão e Aristóteles, ou que evidencia a valorização da cultura clássica atual não Renascimento.
Outro ponto importante neste trabalho é como o ambiente foi exibido, retratando grandes domínios de perspectiva e profundidade.
Para saber mais sobre o artista, leia: Rafael Sanzio: principais obras e biografia.
4. Donatello (1386? -1466)
Donatello, cujo nome era Donato di Niccoló di Betto Bardi, era um artista plástico da região de Florença, considerado um dos dois escultores mais famosos da sua época.
Também sou responsável por importantes transformações artísticas no período. Quatrocentto (Seculum XV), pois afastava-se dá características da arte gótica, não comum medieval.
Através de várias obras é possível observar o enorme sentido imaginativo de Donatello, bem como a sua capacidade de transmitir a ideia de movimento à escultura, desde que se mantenha firme e vigoroso.
Ele fez muitas estátuas de santos e figuras bíblicas, inserindo-as na atmosfera humana, como era próprio do renascimento.
Trabalhando com materiais como mármore e bronze, produzindo obras que primam principalmente pela representação do corpo humano e dois gestos.
Ele conquistou sua reconstituição durante sua vida e morreu em 1466 em Florença, onde está enterrado.
Algumas de suas obras, mais do que você notará David, feita em bronze entre 1444 e 1446. Uma peça representa uma passagem bíblica em que David executa o gigante Golias.
Esta foi a primeira obra exposta nus depois de um período de mil anos, inspirada na arte clássica greco-romana. Na obra, Davi é retratado como um jovem que carrega uma espada e uma pedra em intervalos de poucos dias e está à frente de seus anos hostis.
Donatello utiliza um recurso estatutário denominado contrapeso, que consiste em colocar a figura apoiada em dois pés, enquanto ou peso e equilibrado, não o resto do corpo. Tal artefato garante maior harmonia e naturalidade à escultura.
5. Sandro Boticcelli (1446-1510)
O florentino Sandro Boticcelli foi um importante artista do século XV que conseguiu transmitir uma aura harmoniosa e graciosa em suas telas.
Por meio da representação de jantares bíblicos ou mitológicos, o pintor revelou seu ideal de beleza, inspirado na cultura clássica dos tempos antigos.
Assim, as figuras retratadas têm a beleza das divindades combinada com uma certa melancolia.
Ou nascimento de Vênus (Nascita di Venere) São vários os tecidos onde podemos constatar estas características, sendo talvez um grande destaque do Boticcelli.
A obra foi concebida em 1484, mede 172,5 x 278,5 cm e integra o acervo da Galleria degli Uffizi, na Itália. Nela é retratada no jantar mitológico do surgimento do amor, Vênus, que emerge de uma concha em cobre de seu sexo com cabelos.
O trabalho foi encomendado por um rico patrono da família Médici e expõe o jovem em uma posição serena, Sendo recebido como chuva de flores por entidades aladas e uma menina que oferece um manto cor-de-rosa.
Não podemos observar quadrados graciosos e claros, que são revelados por jovens e belas figuras. A Beleza está presente para que você não perceba nenhuma falha em termos de composição corporal, como peixes alongados e ombros levemente caídos da figura principal.
6. Ticiano (1485-1576)
Ticiano foi dois pintores venezianos do Renascimento. Sua cidade de origem é o Cadore, mas também uma criança que cresceu em Veneza com o aprendizado segregado da pintura.
Teve grande fama durante sua vida, tornando-se uma arte de uma mistura de núcleos com a mesma destreza que seu contemporâneo Michelangelo conheceu ou mereceu.
Ele usou os núcleos com sabedoria, conseguindo uma composição coerente e harmoniosa por meio deles.
Aliás, a composição da obra de Ticiano é algo a ser percebido como uma ruptura na arte que vem sendo produzida. O pintor passou a inserir os elementos em nós de uma forma surpreendente e inusitada.
Também fui recompensado durante anos por seus retratos e sua capacidade de transmitir a sensação de vivacidade das pessoas, exibidas como olhares expressivos e poderosos.
Sua vida foi longa, falecendo em 1576 em Veneza, Itália, vítima da praga que assolava a Europa em uma época.
A Assunção da Virgem É uma de suas obras marcantes, diz-se que Ticiano inicia um traje mais independente de influência de outros mestres, como Giorgione, sua grande referência.
Um grande painel foi pintado na Basílica di Santa Maria Gloriosa dei Frai em 1518 e expõe a Virgem Maria atingindo a idade dos apóstolos para me observar.
À luz da banha, o jantar é de uma beleza celestial e toda composição e feita de forma a direcionar ou olhar o público de baixo para cima.
7. Tintoretto (1518-1594)
Jacopo Robusti ficou conhecido como Tintoretto e foi o pintor do segundo gol do século XV, de um movimento conhecido como Maneirismo.
A artista percebe uma forma como as formas e núcleos foram apresentados nesta época, com simplicidade e beleza, mas ainda assim vistos, com muita emoção.
Ao mesmo tempo, trazem uma carga mais dramática e expressiva aos jantares que se propõem retratar, em sua maioria bíblica e mitológica.
Utilizou para ambos, recursos como um contraste marcante entre luz e sombra, gestos e movimentos excêntricos e corações menos suaves. Seu objetivo era criar tensão e emoção não pelo espectador, não se preocupando excessivamente com a técnica.
Em Última ceia podemos ver o estilo de Tintoretto de uma forma óbvia. A obra mostra o jantar bíblico em que Jesus faz a última referência à companhia de seus discípulos e data de 1594, último ano de sua vida.
Essa composição possui grandes dimensões de 3,65 m x 5,69 m, localizada em Veneza, na Basílica de San Giorgio Maggiore.
As cores dos cabelos do pintor são escuras e revelam uma atmosfera sombria, mística e dramática. Podemos dizer que o esquema de cores é um elemento essencial para a compreensão da imagem.
Além disso, como personagens apresentam uma aura luminosa em torno de seus corpos, sobre todo Jesus, ou que proporciona grande contraste e impacto visual. A mesa ceia é colocada diagonalmente, traçando um uso incomum da perspectiva tradicional.
Os elementos que se apresentam não poderão ser encontrados mais tarde, nem um movimento que vejo a seguir, ou barroco.
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Referências bibliográficas:
- GOMBRICH, E. H. Uma história dá arte. Rio de Janeiro: LTC - Livros Técnicos e Científicos.
- PROENÇA, Graça. História da arte. São Paulo: Editora Ática.
