Gustav KLIMT și cele mai importante 5 lucrări ale sale

Gustav Klimt (1862-1918) este una dintre referințele din cadrul mișcării moderniste a secesiunii vieneze, fiind și cofondator și prim președinte al acesteia. A Pictor simbolist de origine austriacă caracterizată prin particularitățile sale, prestigiul și pentru a fi unul dintre cei mai decorativi pictori mari ai secolului XX, dezvoltându-și propriul stil, încărcat de erotism, eclectic, plin de fantezie și bogăţie.

În această lecție de la unPROFESOR.com vă oferim care sunt cele mai importante lucrări ale Gustav Klimt și caracteristicile de bază ale stilului său artistic.

Index

1. Caracteristicile operelor lui Gustav Klimt
2. Auditoriul Old Burgtheater: una dintre operele lui Gustav Klimt
3. Pallas Athenea (1898)
4. Medicină (1900-1901), o lucrare foarte proeminentă a lui Kimt
5. Adele Bloch-Bauer (1903-1907), cea mai bună lucrare a lui Klimt
6. Sărutul (1907-1908), una dintre cele mai importante lucrări ale lui Klimt

• Klimt a fost pictor decorativ dedicată înfrumusețării clădirilor cu reliefuri și scene și figuri istorice. O estetică care a dus la picturile sale pe pânză, devenind un exponent al egalității dintre artele decorative și artele plastice.
• A fost unul dintre fondatorii Secesiunii de la Viena, în 1897, fiind ales presiente pentru personalitatea sa rebelă și revoltătoare. Faima sa internațională ca cel mai faimos pictor Art Nouveau a contribuit la succesul inițial al Secesiunii, dar și la declinul acesteia când a părăsit-o în 1905.
• Deși în prezent este opera de artă este iconică și foarte populară, la vremea respectivă, o parte din lucrările sale erau considerate obscene conținut erotic ridicat.
• Opera lui este foarte personal și unicChiar și astăzi, Faza sa de Aur se caracterizează prin utilizarea foilor de aur și argint în stilul mozaicurilor bizantine.

Printre cele mai remarcabile lucrări ale lui Gustav Klimt se numără Auditoriul vechiului Burgtheater (1888-89), începuturile carierei picturale a lui Klimt.

Aceasta a fost una dintre cele mai importante comisii de la începutul carierei lui Klimt. Consiliul municipal din Viena i-a cerut pictorului să picteze câteva imagini ale vechiului Burgtheater, opera orașului, construită în 1741 și demolată în acel an 1888.

Klimt a ales să surprindă aspectul cutiilor de operă, o alegere oarecum originală, dar semnificativă din punct de vedere arhitectural. O lucrare de stilul academic, tipic pentru Lucrările timpurii ale lui Klimt și în care influența Hans Makart.

Un alt aspect de interes este detaliu și virtuozitate a lui Klimt prin introducerea în lucrare a portretelor tuturor acelor oameni care i-au cerut să le includă în cutii. Astfel, piesa nu este doar o amintire a ceea ce a fost teatrul, ci și a elitelor politice, culturale și economice ale orașului: peste 150 de persoane în total. Printre membrii publicului se numără Primul Ministru al Austriei, Primarul Vienei, chirurgul Theodor Billroth, compozitorul Johannes Brahms și amanta împăratului, actrița Katherina Schratt.

Deși secesioniștii au avut ca principiu încălcarea tradițiilor artistice anterioare, relația lor cu trecutul nu a fost atât de simplă. Astfel, atât el, cât și ceilalți membri ai secesionismului au fost inspirați de Figuri și povești mitice și alegorice greco-romane și de alte civilizații antice.

În acest caz, Klimt reinterpretează figura zeiței greco-romane cu culori moi și cu tendință spre abstractizare, stil la care se va alătura când va părăsi secesionismul. În această lucrare, Klimt oferă o imagine puternică și impunătoare a Atenei, arătând-o pe zeiță învăluită într-o ceață și cu aspect androgin. El o îmbracă într-o ținută militară care o identifică ca un războinic și protector al orașului Atena, calități masculine, în timp ce îi arată părul lung și fin ca semn al părții sale feminine. În mână ține o figură nudă a lui Nike, reprezentarea victoriei.

În ceața aceea s-a văzut o reprezentarea oniricului, conectând munca cu opera de Sigmund Freud. Astfel, opera ar fi întruchiparea idealului unei femei puternice, obiect al dorinței masculine, precum și a femeii care dorește să se îmbrace ca bărbat pentru a obține un statut de putere.

În 1894, Ministerul Culturii l-a însărcinat pe Klimt să picteze noul Sala Mare a Universității din Viena. Opera lui Klimt a constat în pictarea a trei pânze monumentale pe teme de filosofie, medicină și, respectiv, jurisprudență. Când Klimt a început să picteze pânzele în 1898, el se alăturase deja secesiunii și abandonase naturalismul. Dintre cele trei lucrări, Medicina a fost pânza care a generat cea mai mare controversă.

Medicament arată la Hygeia, fiica mitologică a zeului medicinei, situat în centrul inferior al pânzei și identificat de un șarpe și paharul lui Lethe. Deasupra Hygeia se ridică o coloană înaltă de lumină, în dreapta căreia se ridică o rețea de figuri goale împletite cu scheletul Morții. Pe cealaltă parte a coloanei de lumină plutea o femeie goală al cărei bazin era înclinat înainte, în timp ce sub picioarele ei plutea un bebeluș înfășurat în tul. Această compoziție a generat multe critici care l-au acuzat pe Klimt că a realizat o lucrare pornografică, fără a se referi la niciun subiect medical. Atitudinea de respingere cu care au fost primite lucrările lui Klimt l-a determinat pe pictor să răscumpere cele trei lucrări în 1905.

Opera lui Klimt arată ambiguitatea vieții umane, reprezentând simultan nașterea și moartea. Respingerea operei lui Klimt demonstrează cum, în ciuda progreselor mari pe care le-a făcut Secesiunea de-a lungul anilor De la înființare, mișcarea nu a reușit să inverseze atitudinile conservatoare față de arta modernă la Viena.

Pentru Klimt, toate acestea au fost o umilință și o respingere publică, lucru pentru care nu a expus la Viena. timp de cinci ani după 1903 și a demisionat din misiunile oficiale, acceptând doar să preia sarcini privat. Aceste trei picturi, la fel ca multe lucrări ale lui Klimt, au fost confiscate de naziști și incinerate în mai 1945. în interiorul Schloss Immendorf, castelul Austriei de Jos unde fuseseră depozitate, de către trupele SS din retragere.

Acesta este unul dintre Cele mai cunoscute opere ale lui Klimt pentru că este unul dintre cele mai notorii cazuri de furturi de artă ale celor efectuate de naziști. Adele Bloch-Bauer, soția bancherului și magnatului zahărului vienez Ferdinand Bloch-Bauer, a fost una dintre muzele sale preferate, servind drept model pentru alte câteva tablouri, inclusiv faimoasa sa Judith I (1901). Deși s-a zvonit că Klimt ar fi implicat romantic cu multe dintre femeile pe care le-a pictat, natura exactă a relației sale cu Adele Bloch-Bauer este necunoscută.

În această pânză a dizolvarea realității străpungând la abstracție cea mai pură. Astfel, deși Klimt o reprezintă pe Adele Bloch-Bauer așezată, este aproape imposibil de a discerne forma scaunului sau de a separa formele hainelor sale de fundal. Klimt nu s-a preocupat în mare parte de descrierea caracterului modelului său, darămite de furnizarea locației și contextului. Utilizarea frunze de aur și argint Arată valoarea ridicată și calitatea bijuteriilor pe care le poartă Adele, precum și profunzimea dragostei de la soțul ei, care a comandat pictura.

Lucrarea este încadrată în cadrul „Faza de Aur” a lui Klimt din primul deceniu al secolului XX, în care a folosit zeci de modele aurii și tonuri metalice în picturile dvs. pentru a adăuga somptuozitate și lux la operele sale. O tehnică care se conectează cu mozaicurile bizantine din Bazilica San Vital din Ravenna, Italia, pe care Klimt a vizitat-o ​​în decembrie 1903. Multe dintre aceste mozaicuri folosesc un fundal plat de aur similar și descriu împărăteasa bizantină Theodora. Înfățișarea lui Klimt a chokerului purtat de Adele Bloch-Bauer în acest portret este inspirată din aceste mozaicuri. Istoricii de artă indică, de asemenea, influențe egiptene asupra formei ochilor și a rochiei Bloch-Bauer, în timp ce spiralele seamănă cu desenele din Micene și Grecia antice clasic.

Deoarece Bloch-Bauer erau evrei, bunurile lui Ferdinand au fost jefuite de naziști după anexările Austria și vestul Cehoslovaciei în 1938. Naziștii au instalat tabloul în Galeria Belvedere din Austria. Ferdinand a murit în 1946, dar nu înainte de a preda nepoților săi picturile confiscate, inclusiv aceasta și alte cinci lucrări ale lui Klimt. Printre ei se afla Maria Altmann. Ea a intentat un proces în 2000 pentru recuperarea tablourilor.

Cazul a avut o acoperire mediatică enormă și a ajuns în fața Curții Supreme a Statelor Unite, picturile fiind returnate familiei Bloch-Bauer în 2006. În iunie respectiv, Altmann a vândut această lucrare magnatului și colecționarului american de cosmetice Ronald S Lauder pentru 135 de milioane de dolari, un preț record plătit pentru orice pictură. Lauder a livrat pictura către Neue Galerie de artă germană și austriacă în New York, unde este expus în prezent.

Sarutul este unul dintre Cele mai senzuale și populare opere ale lui Klimt, și probabil cea mai reprodusă lucrare a sa. Este, de asemenea, una dintre picturile cheie ale așa-numitelor „Faza de Aur” a lui Klimt, o fază care se extinde aproximativ din 1903-09 și este considerată un exemplu excelent de Pictură Art Nouveau.

Lucrarea reprezintă un cuplu îmbrățișat pe marginea unei pajiști, reprezentat de modelul luminos al florilor, ca un fel de plapumă întinsă sub corpul lor. Construcția compoziției sugerează a grad ridicat de familiarizare cu mișcarea Arts and Crafts. Astfel, modelul de țiglă plată al pajiștii și îmbrăcămintea figurilor seamănă cu țesături produse de William Morris la sfârșitul secolului al XIX-lea.

Utilizarea materialelor din frunze de aur și argint arată gradul ridicat de specializare atins de Klimt, amintind manuscrisele medievale iluminate, deși este mult mai prețios și mai asemănător cu arta bizantină, precum câmpurile de aur pentru mozaicurile pe care le văzuse la Ravenna în 1903.

Mai mult, în timp ce Morris și sursele medievale folosesc materiale prețioase pentru a exalta Cuvântul lui Dumnezeu sau marea literatură, Klimt El le folosește pentru a sfinți natura relațiilor umane și legătura dintre iubiți, o temă cheie în Art Nouveau. Astfel, sărutul întruchipează un viziune universală și atemporală a iubirii romantice.

Dacă doriți să citiți mai multe articole similare cu Gustav Klimt: cele mai importante lucrări, vă recomandăm să introduceți categoria noastră de Poveste.

• Cardona, F.L (2016) Gustav Klimt, editori
• Nieto Yusta, C, (2014) Klimt. Artistul sufletului, Libsa