Renașterea: ce este și care sunt caracteristicile ei

Este probabil una dintre cele mai cunoscute perioade artistice din istoria artei. Renașterea este renumită în întreaga lume, mai ales prin cei mai importanți artiști ai săi. Nume precum Brunelleschi, Botticelli, Rafael, Leonardo sau Michelangelo sunt probabil printre cele mai pronunțate dintre cei interesați de arta universală.

Știm cu adevărat ce a reprezentat Renașterea, dincolo de clișeele care se prelungesc de secole? În acest articol vom încerca să pătrundem în realitatea acestei mișcări care nu a fost doar artistică, ci și filozofică și socială.

Ce este Renașterea?

Ca și în cazul majorității nomenclatoarelor, cuvântul „Renaștere” nu a intrat în uz decât la câteva secole după momentul la care se referă. Specific, Scriitorul francez Honoré de Balzac a fost cel care, în 1829, a introdus pentru prima dată termenul în romanul său. Bal de Sceau. Balzac se referă la cultura care a început în Italia în secolul al XIV-lea și care ia drept ghid modelele clasice. Ani mai târziu, istoricul Jules Michelet a consacrat în opera sa termenul „Renaștere”. renasterea (1855).

Putem înțelege „Renașterea” ca mișcare culturală care a început în Italia (și, în special, în Florența) prin începutul secolului al XV-lea și extins până la sfârșitul secolului al XVI-lea, și care presupune o recuperare a modelelor de Antichitate. Cu toate acestea, este important de menționat că aceste modele clasice au existat de-a lungul Evului Mediu. Ceea ce face „diferită” Renașterea este conștientizarea deplină pe care artiștii săi o aveau de a trăi o renovatio, adică „trezirea” acestor modele antice.

În general, Intelectualii și artiștii Renașterii se văd pe ei înșiși ca revigoratori ai „artei adevărate”, pe care o considerau pierdută în lungile secole de „letargie” medievală. Giorgio Vasari, unul dintre cei mai importanți teoreticieni ai secolului al XVI-lea, consideră arta Evului Mediu drept „copilul” artă, în timp ce Quattrocento (adică secolul al XV-lea italian) ar reprezenta „tinerețea”, prima preluare a conștientizarea. În cele din urmă, Cinquecento (secolul al XVI-lea) ar fi maturitatea artei, cu nume atât de importante precum Leonardo, Michelangelo și Rafael.

Dar... A fost Renașterea o recuperare autentică a acestei arte străvechi? Am comentat deja că, în Evul Mediu, clasicii nu au fost uitați. Nu numai în domeniul filozofic, unde găsim o prezență puternică a lui Platon (de exemplu, în școală din Chartres) şi Aristotel (în gândul Sfântului Toma d'Aquino), dar şi în arte plastic.

Într-adevăr, în sculptura și arhitectura medievală găsim motive preluate din Antichitate, care sunt mărturie vie că Evul Mediu nu a reprezentat în niciun caz o ruptură cu vremurile clasic. Cu toate acestea, intelectualii și artiștii Renașterii s-au simțit așa. Nu degeaba, Vasari a numit arta secolelor medievale „monstruoasă și barbară”, concept care, de altfel, a rămas valabil până bine în secolul al XIX-lea.

Asa de, Renaşterea presupune o „trezire” în dublu sens. În primul rând, pentru că, așa cum am menționat deja, ei au fost primii care au fost conștienți de transformarea acestei renovari clasice într-o ruptură radicală cu tradiția medievală, egală sau mai radicală decât ceea ce fusese Evul Mediu în epocă clasic; În al doilea rând, pentru că, efectiv, are loc trecerea de la o societate teocentrică la o societate umanistă, fapt care presupune, de facto, adevărata ruptură cu Evul Mediu.

• Articol înrudit: „Cele 5 vârste ale istoriei (și caracteristicile lor)”

„Ruperea” cu tradiția

Ruptura pe care Renașterea era conștientă de a trăi nu poate fi considerată strict ca atare. În primul rând, pentru că am văzut deja că în Evul Mediu clasicii nu au fost uitați. Și, în al doilea rând, și acest lucru nu este mai puțin important, pentru că în timpul Renașterii au continuat să folosească resurse medievale, precum tipologia unor clădiri, iconografia și unele procedee tehnicieni.

Din toate aceste motive, putem concluziona că Renașterea nu a fost nicidecum ruptura radicală pe care o considerau înșiși Renașterii. De altfel, sustine istoricul Johan Huizinga, in opera sa Toamna Evului Mediu, că ultimele secole medievale au reprezentat pregătirea etapei Renașterii și nu au însemnat în niciun caz antiteza acesteia. Și, la rândul său, istoricul de artă Erwin Panofsky a vorbit deja despre diverse „renașteri”. Deci înțelegem asta ceea ce a fost numit „Renașterea” nu este altceva decât o altă mare capcană a istoriografiei europene iluminate., același care a etichetat cele zece secole care au urmat căderii Imperiului Roman din „Evul Mediu”.

În orice caz, există o serie de factori care configurează un context clar în care se află această „ruptură”. Am comentat deja că la sfârșitul secolului al XIV-lea a avut loc o trecere de la o societate teocentrică la o gândire umanistă. Declinul treptat al lumii rurale, început deja la mijlocul Evului Mediu, precum și creșterea ulterioară a orașelor, contribuie în mod fundamental la accelerarea acestei schimbări a mod de gândire.

Noul grup social care apare în orașe, burghezia, va juca un rol fundamental în întreg acest proces.fie. Comercianții urbani și bancherii alcătuiesc o oligarhie puternică care controlează orașele și acționează, în același timp, ca patroni puternici. Astfel, din secolul al XIV-lea, artiștii vor fi sub protecția acestor figuri importante, și este Prin această conjuncție de forțe, unele dintre cele mai importante opere de artă ale istorie. Trebuie doar să amintim puternica familie Medici, din Florența.

Astfel, dacă Renașterea reprezintă o adevărată ruptură cu lumea imediat precedentă, este în conceptul de artist și relația pe care acesta o întreține cu clienții săi. Artistul a continuat să fie un instrument în mâinile patronilor săi, dar aceștia își folosesc protejații cu un scop clar de diferențiere și propagandă politică. Fiecare om puternic este premiat cu un stil care îl reprezintă: Sforza din Milano, Julius al II-lea la Roma, Medici din Florența. În plus, colecția de opere de artă devine și un simbol al statutului și al puterii.

Pe de altă parte, comerțul mecanic medieval al artiștilor se dizolvă într-o concepție mult mai intelectuală a artei și a proceselor ei. Tratate de artă, precum celebrul De Pictura (1435) al lui Leon Battista Alberti, ajută enorm la consideră artistul ca mult mai mult decât un simplu meșter, presupunând că are nevoie de niște calități intelectuale pentru a-și desfășura munca. Ca o consecință a acestei noi considerații, artiștii încep să se portretizeze în lucrările lor și încep să le semneze.

• Ați putea fi interesat de: „Cele 8 ramuri ale științelor umaniste (și ceea ce studiază fiecare dintre ele)”

Un nou limbaj figurativ: perspectiva

Schimbările care au avut loc în timpul Renașterii au fost, mai degrabă decât plastice, filozofico-literare. Printr-o reevaluare a filozofiei antice se stabilește baza pentru crearea unui nou sistem formal., care se manifestă, ulterior, în diverse tendințe artistice. Modelele Antichității se impun ca singura oglindă în care bărbații Renașterii se privesc și își caută idealul estetic.

Dar unde să cauți modele vechi în pictură? Pentru că, la fel cum sculptorii și arhitecții au exemple din care să se inspire, nu același lucru este și în cazul picturii. În secolul al XV-lea Pompeii și Herculaneum nu fuseseră încă descoperite, ceea ce a făcut extrem de dificilă sarcina de a găsi modele picturale din Antichitate pe care să se bazeze noul limbaj figurativ. În acest scop a ajutat descoperirea, în 1480, a Domus Aurea lui Nero, la Roma, ale cărei fresce au ajutat la stabilesc, deși cu întârziere, câteva modele picturale care să servească drept modele pentru pictori renaştere.

Un exemplu în acest sens sunt „grotescurile”, ornamente picturale bazate pe decorațiuni vegetale, figuri umane și animale fantastice, printre altele, care au decorat pereții palatului lui Nero. Cu toate acestea, excentricitatea acestor decorații le-a câștigat critici ascuțite din partea unor tratatatori precum Giorgio Vasari.

Tocmai Vasari a fost cel care a pus bazele a ceea ce a considerat „pictura bună” care, practic, trebuia să se bazeze pe armonie și proporție și, mai ales, pe o perspectivă corectă. Probabil că acest ultim concept i-a preocupat cel mai mult pe artiștii Renașterii; pentru a realiza, după cum spunea Alberti, o „fereastră” prin care să se poată întrezări o secțiune de spațiu. În Italia, perspectiva în reprezentări picturale fusese realizată în jurul anului 1422: frescele din Capela Brancacci, de Masaccio, sunt o bună dovadă în acest sens.

Italienii din Quattrocento au reușit să stăpânească perspectiva îndepărtându-se de pluralitatea de puncte de vedere pe care pictorii din Trecento le folosiseră. În schimb, au făcut posibilă acea „fereastra” prin care vorbea Alberti perspectiva matematică exactă, ceea ce face ca toate liniile compoziției să convergă într-un singur punct de fugă. În această întreprindere, contribuția arhitectului Filippo Brunelleschi a fost crucială. Cu toate acestea, nu este mai puțin adevărat că, în Flandra, primitivii flamand au ajuns la o soluție la fel de validă printr-un proces diferit.

Pictura flamandă din secolul al XV-lea, inclusiv Jan van Eyck și Roger van der Weyden, a reprezentat o schimbare la fel de radicală față de formele gotice precum a fost pictura renascentist in Italia. În cazul flamandilor, perspectiva a fost realizată printr-o observare atentă și absolut empirică a realității.

Rezultatul flamenco a fost atât de surprinzător și unic încât stilul său s-a răspândit în toată Europa, până în punctul în care teritorii precum Anglia, Austria sau Peninsula Iberică au luat drept referință modelele flamande, mai mult decât cele renascentiste care au apărut din Italia. Artiștii Quattrocento-ului italian înșiși i-au admirat profund pe acești inovatori din Flandra și sunt multe schimburi artistice care au loc între cele două latitudini europene. Este suficient să spunem că Bartolommeo Fazio, un umanist din Genova din secolul al XV-lea, îl numește pe Jan van Eyck „cel mai important pictor al epocii noastre”.

Totul a început la Florența

Dacă există vreun loc care ne vine în minte când vorbim despre Renaștere, acesta este, desigur, Florența.. În acest oraș se dezvoltă umanismul, un curent și o gândire culturală care revendică capacitatea ființei umane de a se cunoaște pe sine și lumea care îl înconjoară. Dar să ne punem în context.

În 1402, trupele milaneze conduse de Gian Galeazzo Visconti înaintează spre Florența și amenință pacea și prosperitatea care domnea ani de zile în Republica Florentină. Atacul de la Milano se repetă în anii 20 ai secolului al XV-lea; o a doua amenințare care este oprită doar datorită alianței dintre Florența și orașul Veneția (1425). Aceste pretenții militare continue nu fac decât să reînvie valorile republicane, pe care florentinii le branduiesc împotriva a ceea ce era considerată o dictatură princiară. Patronii și artiștii au început astfel să caute un limbaj plastic care să reflecte aceste idealuri republicane.

• Articol înrudit: „Ce sunt cele 7 arte plastice? Un rezumat al caracteristicilor sale"

Ghiberti și Masaccio, marii renovatori de plastic

În 1401, la Florența a avut loc un concurs pentru a găsi un artist care să realizeze a doua ușă a Baptisteriului său. Câștigător a fost Lorenzo Ghiberti; Prima sa lucrare la Baptisteru, deși este considerată „manifestul” artei renascentiste, păstrează încă multă influență din formele așa-numitului gotic internațional. Abia la cea de-a doua lucrare a lui Ghiberti asupra Baptisteriului (a treia uși, realizată între 1425 și 1452), va fi apreciată, de data aceasta fără îndoială, apariţia răsunătoare a unui nou limbaj plastic care, printre alte soluţii, include introducerea perspectivei prin reglarea scalelor figurilor reprezentate.

Dacă lucrarea lui Ghiberti pentru Baptisteri reprezintă o inovație în sculptură, cea a lui Masaccio (1401-1427) este în domeniul picturii. Frescele pe care artistul le-a creat pentru Capela Brancacci, din biserica florentină Santa Maria del Carmine, reprezintă o adevărată revoluție. Printre ei, magnificul Omagiu adus Cezarului, al cărui realism și forță al figurilor sale trebuie să fi însemnat o adevărată revelație pentru contemporanii săi. La fel, perspectiva arhitecturală îndrăzneață cuprinsă în fresca sa Treimea, din Santa Maria Novella, pare să deschidă o gaură în peretele bisericii. Este „fereastra” despre care vorbește Alberti; Masaccio a făcut-o în sfârșit realitate.

Brunelleschi și cupola imposibilă

De la mijlocul secolului al XIV-lea, florentinii au vrut să ofere catedralei lor o cupolă care să o facă cea mai mare din creștinătate.. Cu toate acestea, amploarea proiectului înghețase neliniștile arhitecților: trebuiau salvați nu mai puțin de 43 de metri în diametru, măsuri practic egale cu cele ale Panteonului din Roma. Nimeni, de atunci, nu reușise vreodată să ridice o asemenea cupolă.

Lucrările au început în cele din urmă în 1420, Comisia fiind sedusă de planul îndrăzneț al lui Brunelleschi, care urmărea să ridice structură colosală fără ajutorul de schele sau false (de la baza domului, s-ar ridica cu fâșii orizontală). Proiectul a durat 16 ani (un timp ridicol dacă ținem cont de amploarea companiei). În 1436, și după propriile cuvinte ale lui Alberti, cupola Florenței „acoperea toată Toscana cu umbra ei”. De la Panteon, adică din epoca romană, nu s-a mai realizat nimic asemănător. Domul lui Brunelleschi este un adevărat reper în arhitectura renascentist.

• Ați putea fi interesat de: „Există o artă obiectiv mai bună decât alta?”

Celelalte centre renascentiste

Florența a fost centrul incontestabil din care iradia umanismul și noua limbă renascentist, dar au existat alte centre italiene care au preluat aceste idei și le-au făcut proprii, pentru a crea o propria versiune. Să le vedem mai jos.

Rimini, condus de Segismundo Malatesta, a folosit noua expresie artistică ca bază a propagandei sale oficiale. Renașterea curții Malatesta s-a bazat în esență pe spiritul cavaleresc și pe cunoștințele clasicilor. Unul dintre exemplele Renașterii din Rimini este biserica San Francesco, de Leon Battista Alberti. În plus, Malatesta l-a atras și pe pictorul Piero della Francesca la curtea sa.

Veneția era un oraș cu o mare încărcătură orientală în spate, care încă din Evul Mediu reprezenta punctul de confluență între lumea europeană și cea bizantină. Ca atare, Renașterea venețiană încă preia modele bizantine și le contopește cu un vocabular arhitectural și decorativ roman.

La rândul lui, Federico de Montefeltro proiectează un program imens pentru a atrage talente la curtea sa din Urbino, printre care se numără și distinsul Piero della Francesca, ale cărui portrete ale ducelui și ducesei de Urbino în profil strict, emulând monede romane, sunt destul de celebre. În general, iconografia îmbină elemente creștine și mitologice, ceva de altfel obișnuit în arta Renașterii.

In cele din urma, în Mantua, Ludovico Gonzaga se bazează pe gustul său pentru antichitatea clasică pentru a reforma orașul. Pentru aceasta, contează, printre alții, cu Leon Battista Alberti (Biserica San Andrés) și Andrea Mantegna (frescuri în camera soților). Considerarea artiștilor în Renaștere implică faptul că aceștia au un statut mult mai înalt decât au avut în secolele precedente. Astfel, Mantegna a ordonat construirea palatului său din Mantua, care urmează modelele tipice ale arhitecturii renascentiste și a cărui geometrie urmează preceptele arhitectului roman Vitruvio, referința scriitorului arhitectonic al epocă.