Realismul în artă: caracteristici, origini și exemple

Arta este o expresie intrinsec umană. Tocmai din acest motiv, si din cauza diversitatii culturale extraordinare care a existat dintotdeauna, fiecare epoca si fiecare comunitate a exercitat creația artistică în moduri diferite, adaptând arta la propriile nevoi de exprimare și comunicare.

Arta nu a căutat întotdeauna să imite realitatea; nu numai că în avangarda secolului al XX-lea a cunoscut o îndepărtare considerabilă de ea, dar nici nu a cunoscut regăsim realismul în expresia artistică a unor civilizații precum Egiptul antic sau Occidentul medieval. Au existat însă culturi și momente istorice în care imitarea naturii a fost cel mai important lucru, iar ideea a fost complet subordonată reprezentării realității.

Cum a apărut realismul în artă? Care a fost evoluția ta? În acest articol vom încerca să facem un tur prin diferitele manifestări artistice și gradul lor de realism.

Ce este realismul în artă?

Este important să se facă distincția între două concepte: realismul ca tendință artistică și realismul ca caracteristică a unei opere de artă.

. Astfel, în timp ce prima este o mișcare plastică și literară care se limitează la deceniile care merg între 1840 și 1880, realismul în termeni de caracteristica unei opere de artă are de-a face cu gradul de realism pe care îl prezintă opera, și anume: perspectivă, proporție, volume, spațiu, etc

În acest fel, nu toate lucrările realiste aparțin curentului Realismului, precum și o lucrare încadrată în această mișcare nu trebuie să prezinte caracteristici realiste (deși cea din urmă nu este cea mai uzuală).

Caracteristicile realismului ca curent artistic al secolului al XIX-lea

Mișcarea Realismului a apărut în Franța și a însemnat un răspuns clar la predecesorul său, Romantismul. În acest fel, în timp ce acesta din urmă s-a inspirat din teme legendare și a adus emoțiile umane în paroxismul lor, Realismul a propus o întorsătură radicală și și-a îndreptat privirea către realitatea înconjurătoare de zi cu zi. Această viziune realistă a subiecților a devenit, odată cu Naturalismul (fiul „întunecat” al realismului), o explorare sordidă a lumii interlope și a celor mai întunecate situații ale umanității. Unii dintre cei mai importanți reprezentanți picturali ai acestui curent sunt Jean-François Millet și, în sfera literară, Émile Zola, considerat părintele Naturalismului.

Deci, avem că Realismul și Naturalismul, în ceea ce privește curentele artistice ale secolului XIX, explorează teme legate de viața de zi cu zi și se îndepărtează de motive care nu se bazează pe o observare empirică a mediului a artistului. De aceea, atât unul cât și celălalt (în special Naturalismul) reprezintă adesea o denunțare acidă a precarității sociale care a venit odată cu Revoluția Industrială.

Pe de altă parte, realismul ca caracteristică a unei opere de artă este legat, așa cum am spus deja, de caracteristicile sale formale. Cu acest exemplu va fi destul de clar: o lucrare renascentista care se lauda cu o perspectiva matematica si respecta volume de figuri este o lucrare reală din punct de vedere formal, dar nu se circumscrie în niciun caz curentului realist al secolului al XIX-lea

• Articol înrudit: Care sunt cele 7 arte plastice?

De când există realismul în artă?

Deja în primele manifestări artistice (așa-numita artă rupestre) găsim caracteristici pe care le-am putea lua în considerare realist. Pentru că, în ciuda faptului că la zimbrul din Altamira și la caii reprezentați în peșterile din Lascaux (Franța) nu găsim niciun indiciu de perspectivă sau o dorință autentică de a reprezenta o scenă reală, găsim detalii neobișnuite în reprezentarea animalelor.

În ciuda acestui fapt, nu putem vorbi încă de artă realistă, deoarece picturile rupestre În general, ele prezintă o schematizare evidentă și ar fi legate mai degrabă de o artă conceptual. De fapt, în linii mari, arta omenirii nu a fost niciodată strict realistă până la apariția Renaştere, cu excepția, desigur, a artei grecești și romane.

În Egipt găsim din nou o artă eminamente conceptuală: se încearcă să exprime concepte și idei, și chiar scene. activitățile zilnice urmează convenții marcate care nu au nimic de-a face cu o reprezentare mimetică a realității înconjurător. În arta Egiptului antic, scenele sunt organizate în benzi orizontale și nu există o ordine realistă a elementelor reprezentării.. În plus, au fost alese cele mai semnificative părți ale fiecărui element, astfel încât fața a fost reprezentată din profil, ochii și trunchiul în față, iar picioarele în lateral. Aceasta nu se supunea nici unei realități și era subordonată exclusiv dorinței de a reprezenta părțile cele mai recunoscute ale fiecărui element.

Adică egiptenii „au modelat” realitatea în felul lor. Artiștii din Valea Nilului au urmat cu strictețe un sistem de scară legat de importanța individului reprezentat. Astfel, în aceeași scenă și pe același plan, găsim unele figuri mult mai mari decât altele. Această diferență de dimensiune nu se datorează vreunei încercări de perspectivă, ci mai degrabă este legată de ierarhia (apropo, foarte strictă) a Egipteni: un zeu va fi întotdeauna reprezentat mult mai mare decât un faraon, acesta va fi întotdeauna mult mai mare decât soția și copiii lui, etc

Această reprezentare conceptuală va fi recuperată în arta medievală, după cum vom vedea mai târziu. Dar între arta civilizațiilor antice și Evul Mediu a existat o scurtă paranteză a artei realiste: arta greacă și arta romană., despre care vom discuta mai jos.

• Ați putea fi interesat de: „10 curiozități despre opere de artă celebre”

Paranteza „realistă”: Grecia și Roma

Arta grecească arhaică era strâns legată de modul de reprezentare a popoarelor din Orient, în special a Egiptului. Cu toate acestea, spre secolul VI a. c. ceva a început să se schimbe. Este așa-numita perioadă greacă clasică, în care este încurajat un tip de reprezentări plastice mai conforme cu realitatea.

Interesul tot mai mare al grecilor pentru anatomia umană dă naștere unei producții sculpturale care imită strict natura. este mimesis grecesc, încercarea de a surprinde realitatea așa cum este, deci urmând criterii de proporție, volum și simetrie.

Cu toate acestea, în ciuda faptului că au surprins anatomii extraordinar de realiste în marmură și bronz, să nu uităm că, în același timp, aceste lucrări au respectat ceea ce au înțeles ca „frumusețe ideală”. Cu alte cuvinte, deși perfecți din punct de vedere anatomic, zeii și zeițele din sculptura greacă reprezintă prototipuri, nu persoane concrete, identificabile.

Pentru a face acest lucru, trebuie să așteptăm Roma, unde individualizarea atinge cote nebănuite prin portret. Pe de altă parte, frescele găsite la Pompei, în special cele corespunzătoare așa-numitelor a doua și a patra Stilul pompeian, arată un realism care nu se va regăsi în pictura occidentală până în Secolul XV.

Aceste picturi au rămas ascunse timp de secole, îngropate de rămășițele de cenușă produsă de erupția Vezuviului. În mod paradoxal, dezastrul a permis păstrarea rămășițelor practic intacte până la descoperirea ruinelor în secolul al XVIII-lea. Surpriza descoperitorilor a fost uriașă, pentru că în fața ochilor lor au fost afișate niște tablouri de o calitate rafinată și un realism și mai surprinzător.

Într-adevăr, în frescele așa-numitului al doilea stil pompeian, acestea sunt arătate printr-o fereastră perspective arhitecturale fictive foarte elaborate, care chiar par să „deschidă” un spațiu în Perete. Aceeași tehnică a fost folosită multe secole mai târziu de Masaccio în fresca sa din Treime, din Santa Maria Novella florentină, care i-a uimit pe contemporani pentru că părea că deschidea o gaură în peretele bisericii.

plastic medieval

Opera lui Masaccio a fost foarte inovatoare pentru vremea lui; Să ne gândim că de la frescele pompeiene nu s-a făcut nicio încercare de a crea un spațiu de un realism atât de pronunțat. Arta medievală care a urmat ultimilor ani ai Imperiului Roman este, în general (nu ne putem opri aici asupra tuturor stilurilor și manifestărilor) schematică și eminamente conceptuală.

La fel ca și egiptenii, artiștii medievali nu au reprezentat spații și elemente reale, ci mai degrabă au exprimat, prin pictură și sculptură, o serie de concepte și idei. Elemente precum simetria și volumul se pierd în acest tip de lucru., dar nu, așa cum au susținut (și din păcate, încă mai susțin) pentru că „nu știau să picteze”, ci pentru că obiectivul lor atunci când reprezentau aceste lucrări nu era să imite natura.

Sunt multe subiecte despre „inexpresivitatea” romanică; inexpresivitatea care nu este așa, așa cum se poate aprecia rapid dacă se contemplă cu atenție unele dintre reliefurile care s-au păstrat. Pentru că, deși arta plastică romanică (și arta medievală în general) este eminamente conceptuală (la fel ca și arta plastică egipteană), nu este adevărat că îi lipsește expresia. Problema este că forma lor de exprimare nu este a noastră, deci multe dintre modalitățile pe care le aveau artiștii romanici de a capta sentimentele și emoțiile nu corespund limbajului nostru actual.

Pe de altă parte, multe dintre operele de artă ale romanicului sunt încărcate cu detalii, care se pot manifesta în toamna lui pliurile unei tunici (schematice, dar de multe ori foarte detaliate) sau în chenarele care decorează o față de masă din Ultima Cină.

Realizarea perspectivei

La începutul secolului al XV-lea, Filippo Brunelleschi a marcat o piatră de hotar în istoria artei prin stabilirea procedurii pentru perspectiva matematică sau liniară. Puțin mai târziu, Alberti a notat în lucrarea sa noile teorii ale lui Brunelleschi de pictura (1435). De atunci, arta occidentală se va construi pe aceste precepte, care vor fi considerate la baza picturii „bune”.

Asa de, Pe parcursul întregului secol al XV-lea și o parte a secolului al XVI-lea, Renașterea italiană a încercat să reproducă perspectiva liniară în lucrările sale picturale.. Această perspectivă se realizează prin stabilirea unui punct de fugă, de unde ies toate liniile care construiesc spațiul picturii. Acest lucru produce o iluzie optică care oferă creierului senzația de profunzime.

Așa-numita Renaștere flamandă coexistă cu Renașterea peninsulei Italiene, o alta a mari revoluții în pictură care, în acest caz, au fost realizate de artiștii din Flandra în secolul al XVIII-lea. XV. Acești „primitivi flamandi” și-au înzestrat lucrările cu profunzime prin succesiunea de planuri și, Mai presus de toate, au stabilit o piatră de hotar în realismul pictural prin reproducerea tuturor detaliilor obiecte. Se spune că, în picturile lui Jan van Eyck, toate speciile de plante care apar pot fi catalogate grație abundenței de detalii.

Perspectiva matematică italiană a fost însă marele câștigător al artei occidentale a epocii moderne și, din secolul al XVI-lea, realismul a marcat pictura europeană. Arta barocă este o artă eminamente realistă deoarece, în ciuda faptului că are (destul de) faimă de a fi o artă exaltată și foarte emoționantă, își rezervă și un loc pentru reprezentarea realității: bătrâni cu riduri, fețe fără dinți, copii cu picioare murdare, naturi moarte de fructe surprinse cu extraordinare. realism…

Întoarcerea la originile realismului artistic

Arta realistă a dominat scena artistică occidentală până la mijlocul secolului al XIX-lea, când au apărut primele rupturi cu arta „tradițională”.. Impresionişti, curente estetice şi, mai târziu, fauve, a pus la îndoială ceea ce, încă din secolul al XV-lea, a fost stabilit ca bază incontestabilă a artei „bune”.

Avangarda secolului al XX-lea constituie, deci, un fel de întoarcere la origini. Artiștii de avangardă, în dorința lor de a se distanța de arta academică și oficială, caută noi modalități de exprimare și le găsesc în distrugerea „realismului”; adică perspectiva, proporţia, coerenţa compoziţională. Într-un cuvânt, imitația strictă a realității.

Cunoscut este cazul Picasso, ale căror desene amintesc adesea de miniaturi mozarabe, sau de cubiști care, într-un mod similar cu ceea ce Egiptenii cu mai bine de două milenii înainte, au spart viziunea realistă a obiectelor și le-au reprodus într-un mod absolut. subiectiv.

Hiperrealismul și noile curente realiste

Adesea, diferitele curente și expresii artistice răspund între ele. Am menționat deja în introducere cum mișcarea realistă a secolului al XIX-lea a fost un răspuns la romantismul din deceniile precedente. Ei bine, în prezent găsim în panorama artistică un curent care ridică realismul pictural la limite nebănuite; ne referim la așa-numitul curent hiperrealist.

Hiperrealismul s-a născut la sfârșitul secolului al XX-lea, parțial ca răspuns la tendința conceptuală și abstractă a artelor plastice.. Acest curent duce la maximă expresie imitația naturii, care își transformă picturile în reproduceri fotografice (de fapt, se numește și fotorealism). Claritatea compozițiilor este de așa natură încât este adesea cu adevărat copleșitoare pentru privitor; Desigur, nu lipsesc detractorii, care îl numesc un simplu imitator al realității.

Întrebarea este: ar trebui arta să copieze natura, așa cum susțineau grecii antici cu mimesis-ul lor, sau are „obligația” de a contribui cu ceva nou? Dacă pornim de la baza că o imitație nu este niciodată o reproducere exactă a lucrurilor reale (din moment ce întotdeauna trece prin sita artistului), poate ceea ce ar trebui să ne întrebăm este dacă „art realist".