Rococó: caracteristicile sale, principalele opere și artiști

Rococo a fost o mișcare de artă europeană de origine franceză care s-a caracterizat prin stilul său vesel și provocator și gustul pentru decorarea excesivă. S-a manifestat prin pictură, arhitectură, arte decorative și sculptură.

Arta rococo s-a dezvoltat la începutul secolului al XVIII-lea, în perioada de tranziție dintre arta barocă și cea neoclasică. Deși împărtășește cu barocul interesul pentru abundența detaliilor, se distinge de acesta prin înlocuirea solemnității și dramei cu plăcere și amuzament.

O astfel de dorință de divertisment era că, potrivit cercetătorului Michael Levey, rococo nu respecta nici Biserica, nici Statul. Iubirea, senzualitatea și viața de zi cu zi erau subiecte mai interesante decât gloriile spirituale sau temporale.

Cuvântul rococo provine din termen rocaille, un fel de decor de grădină bazat pe utilizarea scoicilor sau a pietricelelor, foarte popular în Italia și Franța în secolul al XVII-lea. Atât utilizarea acestor motive, cât și asemănarea în efectele realizate au condus la aplicarea termenului Rococo la acest stil.

Pentru a înțelege acest stil, spuneți-ne mai jos caracteristicile sale, principalii săi reprezentanți și lucrări și contextul său istoric.

Caracteristicile artei rococo

Spre deosebire de arta barocă, arta rococo se caracteriza prin faptul că era vesel, sărbătorea viața, dând spațiu umorului, grației și erotismului ușor. Se poate spune că a fost, în realitate, expresia unei clase sociale care a fugit de plictiseală printr-o artă entuziastă, fără pretenții transcendente sau didactice.

Personaj amuzant și festiv

Arta rococo a fost, mai presus de toate, un stil care urmărea să exprime harul și bucuria. Caracterul său era festiv. Deși rococo a fost ornamentat în decor, atmosferele sale au căutat să fie luminoase și entuziaste.

Umor și răutate

Arta rococo este expresia unei elite care se distrează. Prin urmare, are o doză mare de umor și răutate care suprimă orice încercare de solemnitate. Din acest motiv, rococo exprimă și relaxarea etichetei.

Subiecte fără pretenție moralizantă sau didactică

Temele preferate în rococo erau aventurile sentimentale, scenele pastorale, distracția elitei inactive și viața domestică. Dar, în ciuda aspectului îndulcit al melodiilor, acestea aveau o legătură cu experiența.

Temele religioase, mitologice sau istorice nu au fost oprite, dar au fost dezbrăcate de solemnitatea lor. Au dispărut scenele care erau moralizatoare, didactice sau puterea de afișare. Fiecare subiect a trecut prin filtrul harului, al plăcerii și al vieții de zi cu zi.

Erotism voalat

Arta a fost hrănită de un erotism voalat, atât în ​​formele sale, cât și în temele sale. Pentru unii artiști, mitologia a fost o ascunzătoare pentru a justifica dezvoltarea nudului erotic, în așa fel încât să nu sufere critici din partea elitelor intelectuale.

Decor somptuos și imaginativ

Rococo era o artă atentă la detalii și ornamentație excesivă. Artiștii, designerii și arhitecții au îmbogățit decorarea lucrărilor cu elemente pe cât de profuze pe cât de imaginative. Nu a fost ciudat să găsim elemente din culturile estice precum fauna, flora și tot felul de motive.

Utilizarea tonurilor pastelate și albe

Una dintre modalitățile pe care artiștii rococo au găsit-o pentru a aduce har și bucurie a fost schimbarea paletei de la culori pământești, întunecate și bogate la pasteluri și albi. Acest lucru a fost aplicat atât în ​​pictură, cât și în decorarea arhitecturală, datorită căreia totul a fost înfășurat în grație și senzualitate.

Arta eliberată de funcția sa de propagandă

Rococo a eliberat arta de rolul său propagandist. Arta nu mai era în slujba cauzelor ecleziastice sau absolutiste, iar aceasta a influențat libertatea tematică și de stil. Arta nu mai trebuia să fie vehiculul unui „adevăr” și nici nu trebuia să fie serioasă. Era suficient ca el să fie placid.

Pictura rococo

Pictura rococo a reprezentat un triumf al rubenismului asupra pousinismului. Prin Rubenismo este cunoscut curentul pictorilor colorati inspirați de pictorul baroc flamand Pedro Pablo Rubens (1577-1640), care a făcut ca culoarea să predomine asupra desenului. Poussinismul este cunoscut ca curentul care a favorizat desenul peste culoare, influențat de pictorul francez Nicolás Poussin (1594-1665). Colorismul a fost caracteristic pictorilor rococo.

Caracterul său placid și grațios contrastează cu drama barocului. În Franța, viața de la curte a început să se învârtă în jurul divertismentului și banalități, cum ar fi relațiile amoroase, jocurile sau viața de zi cu zi, toate acestea fiind reflectate în pictura. Acest spirit vesel a pătruns rapid în instanțele europene, dar fiecare țară l-a adaptat particularităților sale.

Pictori rococo

Antoine Watteau (1684-1721). Watteau era un pictor dintr-un oraș flamand care fusese anexat Franței. El a fost primul artist care a abordat preocupările elitei inactive. Dar el a fost și cel care a dat personajelor „umanitate”. Printre cele mai importante lucrări ale sale sunt Pelerinaj la insula Kythera (1717), Scara iubirii (1717); Petrecere venețiană (1719).

Jean-Baptiste-Simeon Chardin (1699-1779). A fost un pictor francez independent, datorită resurselor financiare ale soției sale. El era preocupat în mod special de reprezentarea vieții domestice. Printre cele mai importante lucrări ale sale sunt Băiatul cu vârful învârtit (1737), Tânăra guvernantă (1740) și Binecuvantarea.

François Boucher (1703-1770). Pictor francez care a lucrat sub protecția preferatului regelui Ludovic al XV-lea, marchiza de Pompadour. El a tratat multe subiecte mitologice, pastorale și idilice cu o mare exuberanță. Printre cele mai importante lucrări ale sale sunt Portretul doamnei de Pompadour (1759); Tânăr așezat (1752) și Diana după baie (1742).

Jean-Honoré Fragonard (1732-1806). A fost un pictor francez care a făcut din hedonism, erotism, exuberanță și o atmosferă intimă cele mai reprezentative semne ale picturii sale. Printre cele mai importante lucrări ale sale sunt Leagănul (1767), Orb (1769), Încuietoarea (1779), Sărutul furat (1788).

Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770). Pictor italian recunoscut pe scară largă în Europa. El a dezvoltat tema religioasă. De asemenea, a interpretat teme mitologice și de zi cu zi. Unele dintre cele mai cunoscute lucrări ale sale sunt: Transferul Casei Sfinte din Loreto (1743-1745), Frescele de la reședința Würzburg (1752-1753), Tânăr cu papagal (1760) și Frescele din Palatul Regal din Madrid (1762-1766).

William Hogarth (1697-1764). Pictor englez care a pus în practică resursele și culorile pastelate ale rococo-ului, dar a ridiculizat convențiile sociale, în special cele ale elitei. Printre cele mai cunoscute lucrări ale sale se numără: Cele patru momente ale zilei (1736), Cariera unei prostituate (1732) și Căsătoria a-la-mode (h. 1743).

Thomas Gainsborough (1727-1788). Pictor englez. S-a caracterizat prin portretizarea oamenilor în atitudini credibile, prevăzute cu har. S-a concentrat asupra micii aristocrații locale. S-a remarcat prin interesul său pentru peisaj, pe care îl folosește întotdeauna în fundalul picturilor sale. Lucrările sale includ: Domnul și doamna Andrews (1749), Tânărul albastru (1770) și Dr. Ralph Schomberg.

Arhitectura rococo

Arhitectura rococo s-a caracterizat prin faptul că este austeră în finisajele exterioare, dar foarte bogată și abundentă în decorarea interioară. Spațiile interioare erau mai mici și tratate cu o intimitate mai mare, datorită utilizării unor forme delicate și blânde.

Decorul interior a fost remarcat prin ingeniozitatea și imaginația sa. Aplicațiile aurii erau la ordinea zilei, servind cele mai variate forme curbate cu motive florale, scoici și tot felul de sinuozități. Culorile erau întotdeauna strălucitoare și vesele.

Arhitectul francez Germain Boffrand a fost responsabil pentru introducerea rococo în Franța și pus în special în slujba ordinii monarhice, deși în cele din urmă a dezvoltat proiecte religios. A participat la proiecte precum Place Vendôme din Paris, Conservatorul din Versailles, Hotelul Soubise din Paris și Castelul Lunéville.

Estetica rococo a fost foarte apreciată în Austria și statele germane care făceau parte din Sfântul Imperiu Roman, atât în ​​arhitectura religioasă, cât și în arhitectura civilă.

Exemple în acest sens sunt Bazilica Vierzehnheiligen de Johann Balthasar Neumann și Mănăstirea Ottobeuren din Bavaria. În Prusia, a subliniat construcția Palatului Sanssouci, la Postdam, sub îndrumarea lui Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff.

În Spania, preeminența barocului și lipsa schimburilor artistice cu Franța și Germania în special, a făcut dificilă răspândirea stilului rococo. Cu toate acestea, au existat și câteva expresii valoroase facilitate de prezența churrigueresque.

De exemplu, decorarea sacristiei din La Cartuja de Granada, probabil începută de Hurtado Izquierdo și continuată de José de Bada. Merită menționat și Transparentul Catedralei din Toledo, de Narciso Tomé. În cele din urmă, fațada Palatului del Marques de Dos Aguas, proiectată de Hipólito Rovira.

Mobilier rococo

În această perioadă, a fost creat un stil numit Ludovic al XV-lea, ca răspuns la gustul estetic dominant la curte. Acest stil a devenit o modă internațională. Tâmplăria ar fi caracterizată prin utilizarea lacului și a marchetării de bronz. Cele mai folosite motive au fost florale, deși au fost aplicate și incrustări rock, măști și scene.

La fel, mobilierul a început să fie conceput pentru șederea relaxată a nobililor în curte, lucru care până atunci nu era obișnuit. Acest lucru a dus la dezvoltarea artei tapițeriei pentru mobilier.

Sculptură rococo

Atât sculptura de sine stătătoare, cât și serviciul arhitecturii au jucat un rol în rococo. Una dintre cele mai notabile diferențe a fost diminuarea dimensiunilor colosale ale barocului. Rococo a încercat, de asemenea, să accentueze moliciunea și delicatețea în tratarea texturilor și a mișcărilor.

Deși sculptorii au păstrat interesul pentru marmură, porțelanul a fost folosit asiduu. De asemenea, au fost realizate sculpturi din ipsos și lemn. În ceea ce privește culoarea, atunci când au aplicat-o, au păstrat tonurile pastelate pentru a ușura atmosfera.

Printre cei mai proeminenți sculptori rococo îi găsim pe Antonio Corradini și Étienne-Maurice Falconet.

Antonio Corradini (1688-1752). A fost un pictor italian care a lucrat în slujba curții lui Carol al VI-lea. Era cunoscut pentru felul în care tratau îmbrăcămintea, în special efectul transparențelor. Unele dintre cele mai comentate lucrări ale sale sunt: Femeia voalată (Credinţă) Da Modestie, numit si Adevărul voalat.

Étienne-Maurice Falconet (Franța, 1716 - 1791). A fost unul dintre protejații marchizei de Pompadour. Unii cercetători de artă îl studiază ca pe o figură a tranziției la neoclasicism. Lucrările sale includ: Cupidon amenințător (1757) și Pigmalion și Galatea (1763).

Contextul istoric al rococo

Barocul dominase estetica occidentală încă de la mijlocul secolului al XVI-lea și de-a lungul secolului al XVII-lea. Erau vremuri de războaie religioase și de consolidare a absolutismelor.

În Franța, spre ultimii ani de guvernare a regelui Ludovic al XIV-lea, stabilitatea realizată a făcut inutile ceremonialitatea barocă. Dar apoi, Regele Soare i-a simțit pe nobili ca pe o amenințare. Aproape de sfârșitul domniei sale, regele le-a luat puterea în câmp de la nobilime, făcându-i o elită inactivă.

Trei evenimente au fost fundamentale în impulsul rococo:

1. moartea regelui Ludovic al XIV-lea;
2. influența favoritului regelui Ludovic al XV-lea, marchiza de Pompadour;
3. schimbul de artiști între diferitele instanțe europene.

Regele este mort. Trăiască Regele!

La moartea lui Ludovic al XIV-lea, curtea s-a mutat de la Versailles la Paris, în timp ce băiatul Ludovic al XV-lea aștepta vârsta pentru a urca pe tron. La Paris, nobilii au intrat în contact cu cele mai puternice elite economice și cu oficialii Trezoreriei. Încetul cu încetul, formele etichetei s-au relaxat, potrivit cercetătorului Stephen Richard Jones în cartea sa Introducere în istoria artei: secolul al XVII-lea.

Acum, când nobilii erau inactiv și plictisiți, era necesar să-și mențină interesul față de curte și să le ofere noi ocupații. Încetul cu încetul, un răspuns se va regăsi în artă. Jones afirmă că:

„Arta rococo a încercat doar să încânte o societate bună, într-adevăr inactivă, pentru care singurul păcat era să plictisească”.

Când tânărul Ludovic al XV-lea a preluat funcția, noua prosperitate a reînnoit idealurile de patronaj în mâinile sectorului privat. Unul dintre cei mai importanți patroni din acea vreme a fost amanta regelui, Jeanne-Antoine Poisson, marchiză de Pompadour, cunoscută pentru că era o protectoră a artelor.

Astfel a fost creată o piață care, inspirată de Watteau, era interesată de viața casnică, de erotism, de celebrarea vieții și a plăcerii. Dar, mai presus de toate, era interesat de relațiile amoroase, cel mai bun antidot al plictiselii.

Momentul din istorie a fost martorul mobilității artiștilor între țări ca niciodată. Noua artă - care a lăsat în urmă semnificația barocului - și-a făcut drum în mare parte din Europa.

Declin

La mijlocul secolului al XVIII-lea, gânditori iluministi precum Voltaire au proclamat dominația rațiunii și măsura pasiunilor pentru binele comun. Rococo li s-a părut un exces inacceptabil. Acuzat de a fi de prisos, dacă nu chiar imoral, rococo a fost asociat cu declinul Vechiului Regim.

Sub influența Iluminismului, arhitectul Jacques François Blodel s-a alăturat vocilor care descalificau stilul artistic al Vechiului Regim. Apoi a propus o modernizare a artei care a însoțit republicanismul în creștere în dezbaterea politică.

Ca și cum ar fi un pendul, în timp desenul a triumfat din nou peste culoare și, sub comanda gândire filosofică și politică, arta a revenit la academicism, moralizare și propagandism Condiție. Astfel s-a născut arta neoclasică.

Ați putea dori, de asemenea:

• Baroc: caracteristici, reprezentanți și opere.
• Neoclasicismul: caracteristicile literaturii și artei neoclasice.

Referințe:

• Levey, Michael (1998): De la rococo la Revoluție: principalele tendințe în pictură în secolul al XVIII-lea. Barcelona: Destino Editions.
• Jones, Stephen Richard (1985): Introducere în istoria artei: secolul al XVIII-lea. Barcelona: Editorial Gustavo Gili / Círculo de Lectores / Universitatea din Cambridge.