Stanislavski sistemi: nedir, özellikleri ve oyunculukta nasıl kullanıldığı

Stanislavski'nin oyunculuk öğrencilerine en sevdiği sözlerin "Sana inanmıyorum, beni ikna etmiyorsun" olduğunu söylüyorlar. Tiyatro sanatçılarının nasıl hareket etmesi gerektiğini görme ve anlama şekli zorlu ama aynı zamanda titizdi. Öyle ki kendi yöntemi haline geldi: Stanislavski sistemi.

Oyunculuğa yönelik sistematik yaklaşımı, yalnızca oyunculuğun gerçekleştirilme biçiminde devrim yaratmadı. Zamanının Rusya'sı, tiyatronun yönünü değiştirerek sınırları da aşmayı başardı. Batılı.

Bu yöntem, bugün bildiğimiz gibi oyunlar, diziler ve filmler yapmak için çok önemliydi ve sonra nedenini öğreneceğiz.

• İlgili makale: "7 Güzel Sanatlar nelerdir? Özelliklerinin bir özeti "

Stanislavski sistemi nedir?

Stanislavski olarak bilinen Konstantin Sergeevich Alekseyev (Moskova 1863 - 1938), üretken bir Rus aktör, sahne yönetmeni ve tiyatro eğitimcisiydi. Sahne sanatları tarihi için en önemli yöntemlerden birinin yazarı olarak bilinir: Stanislavski sistemi. Uzun yıllara dayanan bir çabanın ürünü olan yöntemi, aktörlerin en önemli yönleri kontrol etmesine izin vermeyi amaçladı. Duygular ve ilham gibi soyut ve kontrol edilemeyen insan davranışları sahnedeyken sanatsal.

Stanislavski doğal olarak karaktere girmeyi başaran aktörlerin ne yaptığını inceledi. Bu Rus yönetmen, gözlemlerine ve deneyimlerine dayanarak, her oyuncunun hem acemi hem de acemi olduğu bir sistem yarattı. mesleğinin gazileri olarak, çalışmalarında daha temiz, gerçek ve doğal. Bu yöntem ortaya çıktığı zaman o kadar devrimseldi ki oyunculuk dünyasında bir öncesi ve sonrası oldu. yapay ve kötü bir performansın ikna edici bir performansı arasındaki çizgiyi sınırlayan standartlar oluşturmak temsil edildi.

Bu yöntem, anavatanı Rusya'nın gösteri sanatlarının geleneksel ve basmakalıp klişelerle karakterize edildiği bir zamanda formüle edildi. Oyuncular yapay, hatta histrionik davrandılar. Oyunlar, oyuncuların sahte bir duygusallık ve çok az hazırlık havasıyla yıkanmıştı, o kadar az ki, zaten sahnedeyken ne söyleyeceklerini bile öğrendiler. Ezberlemeleri gerekenlerin çıktığı senaryolara çok az ya da hiç bakılmadı.

Stanislavski, oyuncularının en başından gerçek olarak algıladıkları bir şeyle çalışmasını sağlamak için titiz bir araştırma yaptı., insanlar, öğeler ve nesneler, yalnızca bir sahnenin öğeleri olarak değil, gerçek, sıradan bir sahnenin parçaları, yaşamın bir parçası olarak görülür. İnsanlar hayatımızda aktör değiller ama biz onların bir parçasıyız, onları oynamaktan çok yaşıyoruz.

Oyuncunun temsil ettiği sahneye girmesini sağlamak için Stanislavski duygusal hafızanın kullanılmasını savunur. Oyuncu ya da aktris, temsil etmeye çalıştıkları deneyime benzer kişisel bir deneyimi hatırlayarak, kendilerini sahnede temsil etmeye çalıştıkları şeye daha fazla dalmış ve dahil olmuş hissetmelerine yardımcı olmalıdır. Yaşam geçmişinizde, karakterinizinkine benzer bir duygu hissettiğiniz bir durum aramalısınız.

Ancak bu, yalnızca samimi duygular uyandırarak elde edilemez. Ayrıca karaktere hayat vermek için biraz dış destek, görünüşümüzü ve davranışlarımızı değiştirmemiz gerekiyor. temsil etmesi, daha doğrusu hayata geçirmesi amaçlanmaktadır. Makyaj yapmak, giyinmek, yürümek, kısacası karakter gibi davranmak dışsal fiziksel eylemlerden dolayıdır. Ağlamaya başlarsan sonunda bağımlı olursun ilkesini izleyerek aranan duygunun tetiklenmesine yardımcı olur. üzgün.

• İlginizi çekebilir: "Psikoloji ve Ruhsal Bozukluklar Üzerine 20 Film"

Stanislavski sisteminin ilkeleri

Stanislavski sistemi oldukça karmaşıktır ve 20. yüzyılın başlarında kavramsallaştırıldığından bu yana ne kadar geliştiğinden dolayı tam olarak statik olduğu söylenemez. Bununla birlikte, bir markayı işaretlemeye katkıda bulunan en önemli ilkelerinden bazılarını vurgulamak mümkündür. önce ve sonra, tiyatro sanatçılarının ve daha sonra filmlerin ve dizilerin kendilerini temsil etme biçiminde karakterler:

1. Karakter üzerinde yoğunlaşma

Oyuncu şuna cevap vermelidir: hayal gücükarakter gibi düşünmeyi öğrenmek, oynadığı şey olmaya konsantre olmak.

2. doğruluk duygusu

Bir doğruluk duygusuyla, bu yöntemin fikirlerinden birinin organik ve yapay arasında ayrım yapmak olduğunu söyleyebiliriz. Stanislavski, sahne sanatlarında uyulması gereken doğal yasaların olduğuna kesinlikle inanıyordu.saygı duyulursa, iyi, doğal ve uyumlu bir çalışmayı kötü, yapmacık ve aşırı tepki verilmiş bir eserden ayıran.

• İlgili makale: "13 tür öğrenme: bunlar nelerdir?"

3. Verilen koşullara göre hareket edin

Oyuncu, metinde verilen koşulların kullanımında ve ele alınmasında, ancak hakikat yoluyla ve organik araçlara başvurarak usta olmalıdır. hakkında senaryoya bağlı kalmak ama duygusallığınızı temsil ederek kendinizi özgürleştirmek, senaryoda görünene sadık kalmak, ancak performansın kişiliğe ve doğallığa sahip olmasını sağlamak.

• İlginizi çekebilir: "Dramatik metinler: nelerdir, türleri, özellikleri ve örnekleri"

4. fiziksel yöntem

Stanislavski, öğrencilerinin çoğunun derin duygusal gerilimler ve zihinsel sorunlar yaşadığını gördü.. Metodu aracılığıyla, oyunculardan fiziksel ve duygusal gerilimi kaldırmaya yardımcı olabilir, onları Sunumları yaparken kaslarını gevşetecekler ve çok daha özgür bir şekilde hareket edecekler.

Buna ek olarak, Rus yönetmen sadece rahatlamaya değil, aynı zamanda daha doğru bir şekilde sahneye çıkmaya da hizmet eden fiziksel faktöre olağanüstü önem verdi. Bu nedenle sisteminiz olarak da bilinir. Performansı gerçekleştirirken kasları gevşetmeye büyük önem vermesi nedeniyle fiziksel eylem yöntemi.

• İlgili makale: "Jacobson'ın Aşamalı Gevşemesi: kullanım, aşamalar ve etkiler"

5. Dikkat Alanları

Stanislavski'nin duyumlar üzerinde çalışmakla kastettiği şey, dikkat alanlarıdır. Oyuncu, eserin duyusal temelini keşfetmelidir.. Görevinizde karakterinizin hissettiği hisleri, hisleri ezberlemeyi ve hatırlamayı öğrenmektir. oyundaki diğer karakterlerle ve halka açık.

6. İletişim ve iletişim

Oyuncu, kitabın içeriğini ihlal etmeden diğer karakterlerle spontane bir şekilde etkileşime girebilmelidir, ancak bu bir şekilde zorlama veya yapay olarak hazırlanmış görünmüyor. Provalar ve final performansları sırasında diğer oyuncularla iletişim ve temas esastır.

• İlginizi çekebilir: "28 iletişim türü ve özellikleri"

7. Birimlere ve hedeflere ayrılmış roller

Sanatçılar, kahramanlarının rolünü veya rolünü ayrı ayrı çalışabilecek mantıklı birimlere bölmeyi öğrenmelidir. Rolün her birimini kendi arzuları gibi hissederek tanımlamak oyuncunun ve aktrisin görevidir. onu yönetmenin librettosundan doğan edebi bir fikir olarak anlamak yerine.

8. Oyunculukta ve düşünmede yaratıcılık

Yaratıcı olmadan oyuncu olamazsın. yaratıcılık hem yaratıcı bir zihin durumunda hem de hareket etme biçiminde kendini gösterir..

• İlgili makale: "Yaratıcılık nedir? Hepimiz 'potansiyel dahiler' miyiz?"

9. Komut dosyasının metniyle çalışın

Bu ilke, librettoda ne yazdığını tamamen göz ardı ederken bir eseri güvenilir bir şekilde temsil etmek zor olduğu için kulağa açık gelebilir. Bununla birlikte, geçen yüzyılın başında Rusya'da bu, bazı Rus sanatçılar tarafından öyle kabul edilmedi, çünkü çoğu kez senaryolar okunmadı ve onlar rol yaparken kendi cümlelerini onlara anlatacaklarına güvendiler.

Oyuncu, senaryoya koyduğuna saygı duymalı, repliklerini ezberlemeli ve içselleştirmeli, ancak oyun sırasında onu "kusmayı" öğrenmemelidir. Oyuncu metnin sosyal, politik ve sanatsal anlamını keşfetmelidir., yönetmenin oyunun senaryosunda ölümsüzleştirdiği fikirleri anlayın. Bir sanatçı olarak, oyuncu veya oyuncu, bu değerleri ve vizyonları eseri görmeye gelen halka emanet etmenin bir aracı olarak hizmet etmelidir.

Stanislavski sisteminin günümüzdeki önemi

Stanislavski sistemi zamanla gelişmiştir. Başlangıçta, aktörlerin ve aktrislerin yapması gereken, karakter hakkındaki gerçeği bulmak, ona gerçek bir varlık gibi davranmaktı. Ancak zamanın geçmesiyle Kendi deneyiminde, karakterinin hissettiklerini hissetmesine izin veren kaynakları bulma pratiği dahil edildi. herhangi bir durumda.

Bugün, oyuncunun yalnızca kendi karakterine ne olduğunu anlamaması gerektiği anlaşılmaktadır. değil, aynı zamanda içinde bulunduğu yaşamsal durumu ve hangi koşullarda çalıştığını da bilmelidir. çevrelemek. Bunu bilen ve kendi bedeninde yaşayan oyuncu, karakterinden beklenilen şekilde tepki verebilecek ve performansı olabildiğince doğal hale getirecek.

Bu biraz daha ileri gitti ve şu anki gerçeğe ulaştı. pek çok sanatçı, günlük hayatlarını, karakterlerinin. örneğin, karakterinin kırsalda yaşayan bir çiftçi olması, çünkü daha sonra oyuncu bir sezonluk bir çiftliğe gider ve gerçek hayatta mesleğiymiş gibi yaşar. Yıllar geçtikçe farklı tefsir ekolleri tefsir anlayışına birtakım pratikler ekliyordu. Stanislavski sistemi, zamanla oyunculuk dünyasında " yöntem".