Sanatta gerçekçilik: özellikler, kökenler ve örnekler

Sanat özünde insani bir ifadedir. Tam da bu nedenle ve her çağda ve her toplulukta her zaman var olan olağanüstü kültürel çeşitlilik nedeniyle. sanatı kendi ifade ihtiyaçlarına göre uyarlayarak ve farklı şekillerde sanatsal yaratım gerçekleştirmiştir. iletişim.

Sanat her zaman gerçeği taklit etmeye çalışmadı; sadece 20. yüzyılın avangardında ondan hatırı sayılır bir sapma yaşamakla kalmadı, aynı zamanda eski Mısır ya da Batı gibi medeniyetlerin sanatsal ifadelerinde gerçekçilik buluyoruz. Ortaçağa ait. Bununla birlikte, doğayı taklit etmenin en önemli şey olduğu ve fikrin tamamen gerçekliğin temsiline tabi olduğu kültürler ve tarihsel anlar olmuştur.

Sanatta gerçekçilik nasıl ortaya çıktı? Evrimin ne oldu? Bu yazıda, farklı sanatsal tezahürler ve bunların gerçekçilik dereceleri arasında bir gezinti yapmaya çalışacağız.

Sanatta gerçekçilik nedir?

İki kavramı birbirinden ayırmak önemlidir: Sanatsal bir akım olarak Gerçekçilik ve bir sanat eserinin özelliği olarak Gerçekçilik.. Böylece ilki 1840'tan 1880'e uzanan onyıllarla sınırlı plastik ve edebî bir akım iken, realizm Bir sanat eserinin karakteristik özelliği, eserin sunduğu gerçekçilik derecesi ile ilgilidir, yani: perspektif, orantı, hacimler, boşluk, vesaire

Bu şekilde, tüm gerçekçi eserler gerçekçilik akımına ait olmadığı gibi, çerçevelenmiş bir çalışma da ortaya çıkmış olur. bu harekette gerçekçi özellikler sunmak zorunda değildir (ancak ikincisi en yaygın olanı değildir).

19. yüzyılın sanatsal bir akımı olarak Gerçekçiliğin Özellikleri

Realizm hareketi Fransa'da ortaya çıktı ve selefi Romantizm'e açık bir yanıt anlamına geliyordu. Bu şekilde, ikincisi efsanevi temalardan ilham alırken ve insani duyguları doruk noktasına taşırken, Realizm radikal bir dönüş önerdi ve bakışlarını günden güne çevreleyen gerçekliğe yöneltti.. Konuların bu gerçekçi görüşü, Natüralizm (realizmin "karanlık" oğlu) ile birlikte, yeraltı dünyasının ve insanlığın en karanlık durumlarının kirli bir keşfi haline geldi. Bu akımın en önemli resimsel temsilcilerinden bazıları Jean-François Millet ve edebiyat alanında Natüralizm'in babası sayılan Émile Zola'dır.

Dolayısıyla, XIX'in sanatsal akımları açısından Gerçekçilik ve Natüralizm'in temaları keşfetmesine sahibiz. günlük hayatla ilgili ve ampirik bir çevre gözlemine dayanmayan güdülerden uzaklaşma sanatçının Bu nedenle, hem biri hem de diğeri (özellikle Natüralizm), genellikle Sanayi Devrimi ile birlikte gelen toplumsal güvencesizliğin sert bir şekilde kınanmasını temsil eder.

Öte yandan, bir sanat eserinin özelliği olarak gerçekçilik, daha önce de söylediğimiz gibi, onun biçimsel özellikleriyle ilgilidir. Bu örnekle çok açık olacaktır: Matematiksel bir bakış açısıyla övünen ve doğaya saygı duyan bir Rönesans eseri. ciltler dolusu figür, biçimsel olarak gerçekçi bir çalışmadır, ancak hiçbir şekilde mevcut durumla sınırlı değildir. 19. yüzyıl gerçekçi

• İlgili makale: 7 Güzel Sanatlar nelerdir?

Sanatta gerçekçilik ne zamandan beri var?

Zaten ilk sanatsal tezahürlerde (sözde kaya sanatı), dikkate alabileceğimiz özellikler buluyoruz. gerçekçi. Çünkü Altamira bizonunda ve Lascaux (Fransa) mağaralarında temsil edilen atlarda herhangi bir belirti bulamamamıza rağmen. Perspektif ya da gerçek bir sahneyi temsil etmek için gerçek bir arzu, sahnenin temsilinde olağandışı ayrıntılar buluyoruz. hayvanlar.

Buna rağmen henüz gerçekçi sanattan söz edemeyiz çünkü mağara resimleri Genel olarak, belirgin bir şematizasyon sunarlar ve daha çok bir sanatla ilişkilendirilirler. kavramsal. Aslında, geniş anlamda, insanlığın sanatı, dünyanın gelişine kadar hiçbir zaman tam anlamıyla gerçekçi olmadı. Rönesans, elbette Yunan ve Roma sanatı dışında.

Mısır'da bir kez daha fazlasıyla kavramsal bir sanat buluyoruz: kavramları ve fikirleri ve hatta sahneleri ifade etme girişimleri yapılıyor. günlük aktiviteler, gerçekliğin mimetik bir temsiliyle hiçbir ilgisi olmayan belirgin gelenekleri takip eder. çevreleyen. Eski Mısır sanatında sahneler yatay şeritler halinde düzenlenir ve temsil unsurlarının gerçekçi bir düzeni yoktur.. Ek olarak, her bir unsurun en önemli kısımları seçildi, böylece yüz profilde, gözler ve gövde önde ve bacaklar yanda temsil edildi. Bu, herhangi bir gerçekliğe uymadı ve yalnızca her bir unsurun en tanınabilir kısımlarını temsil etme arzusuna tabi kılındı.

Yani Mısırlılar gerçekliği kendilerine göre "şekillendirdiler". Nil Vadisi sanatçıları, temsil edilen bireyin önemi ile ilgili bir ölçek sistemini sıkı bir şekilde takip ettiler. Böylece aynı sahnede ve aynı düzlemde bazı figürleri diğerlerinden çok daha büyük buluyoruz. Bu boyut farkı, herhangi bir perspektif girişiminden kaynaklanmaz, daha çok (bu arada, çok katı) hiyerarşi ile bağlantılıdır. Mısırlılar: Bir tanrı her zaman bir firavundan çok daha büyük temsil edilecek, bu her zaman karısından ve çocuklarından çok daha büyük olacak, vesaire

Bu kavramsal temsil, daha sonra göreceğimiz gibi, ortaçağ sanatında yeniden ele alınacaktır. Ancak eski uygarlıkların sanatı ile Orta Çağ arasında gerçekçi sanatın kısa bir parantezi vardı: Yunan sanatı ve Roma sanatı, aşağıda tartışacağız.

• İlginizi çekebilir: "Ünlü sanat eserleri hakkında 10 merak"

“Gerçekçi” parantez: Yunanistan ve Roma

Arkaik Yunan sanatı, başta Mısır olmak üzere Doğu halklarının temsil biçimiyle yakından ilgiliydi. Ancak VI. yüzyıla doğru a. C. bir şeyler değişmeye başladı. Gerçekle daha tutarlı bir tür plastik temsilin teşvik edildiği sözde klasik Yunan dönemidir.

Yunanlıların insan anatomisine artan ilgisi, doğayı kesinlikle taklit eden heykelsi bir üretimden kaynaklanmaktadır.. bu yunan taklidi, gerçeği olduğu gibi yakalama girişimi, dolayısıyla orantı, hacim ve simetri kriterlerini takip ediyor.

Ancak, mermer ve bronzda son derece gerçekçi anatomiler yakalamasına rağmen, bu eserlerin aynı zamanda "ideal güzellik" olarak anladıkları şeye uyduğunu da unutmayalım. Başka bir deyişle, Yunan heykelindeki tanrılar ve tanrıçalar anatomik olarak mükemmel olsalar da, somut, tanımlanabilir kişileri değil, prototipleri temsil ederler.

Bunu yapmak için, portre aracılığıyla bireyselleşmenin beklenmedik boyutlara ulaştığı Roma'yı beklemeliyiz. Diğer taraftan, Pompeii'de bulunan freskler, özellikle sözde ikinci ve dördüncü fresklere karşılık gelenler Pompei üslubu, 19. yüzyıla kadar Batı resminde bir daha bulunamayacak bir gerçekçilik gösterir. 15. yüzyıl.

Bu resimler, Vezüv Yanardağı'nın patlamasıyla ortaya çıkan kül kalıntılarının altında yüzyıllarca saklı kaldı. Paradoksal olarak, felaket, kalıntıların 18. yüzyılda harabelerin keşfedilmesine kadar pratik olarak bozulmadan korunmasına izin verdi. Kaşiflerin şaşkınlığı çok büyüktü, çünkü gözlerinin önünde mükemmel kalitede bazı resimler ve daha da şaşırtıcı bir gerçekçilik sergileniyordu.

Nitekim, sözde ikinci Pompei tarzındaki fresklerde, bir pencereden gösterilmektedir. bir alanı "açıyor" gibi görünen hayali, son derece ayrıntılı mimari perspektifler. Duvar. Aynı teknik yüzyıllar sonra Masaccio tarafından freskinde kullanılmıştır. üçlüKilisenin duvarında bir delik açıyormuş gibi göründüğü için çağdaşlarını hayrete düşüren Floransalı Santa Maria Novella'dan.

ortaçağ plastik

Masaccio'nun çalışmaları, zamanına göre çok yenilikçiydi; Pompei fresklerinden bu yana, bu kadar belirgin bir gerçekçilik alanı yaratmak için hiçbir girişimde bulunulmadığını düşünelim. Roma İmparatorluğu'nun son yıllarını izleyen ortaçağ sanatı, genel olarak (burada tüm üsluplar ve tezahürler üzerinde duramayız) şematik ve son derece kavramsaldır.

Mısırlılarla aynı şekilde, ortaçağ sanatçıları gerçek mekanları ve öğeleri temsil etmiyorlardı, resim ve heykel yoluyla bir dizi kavram ve fikri ifade ediyorlardı. Bu tür çalışmalarda simetri ve hacim gibi unsurlar kaybolur., ancak birçok kişinin iddia ettiği gibi (ve ne yazık ki hala da öyle) "resim yapmayı bilmedikleri" için değil, bu eserleri temsil ederken amaçlarının doğayı taklit etmek olmadığı için.

Romanesk "anlamsızlık" hakkında pek çok konu var; Korunan bazı rölyefler üzerinde dikkatle düşünüldüğünde hemen anlaşılabilecek türden bir ifadesizlik. Çünkü Romanesk plastik sanatı (ve genel olarak ortaçağ sanatı) son derece kavramsal olsa da (tıpkı Mısır plastik sanatı gibi), ifadeden yoksun olduğu doğru değildir. Sorun şu ki onların ifade biçimleri bizim değil, yani Romanesk sanatçıların duygu ve duyguları yakalamak zorunda kaldıkları yolların çoğu, günümüzün diline karşılık gelmiyor..

Öte yandan, Romanesk sanat eserlerinin birçoğu, sonbaharda tezahür edebilecek ayrıntılarla yüklüdür. bir tuniğin kıvrımları (şematik, ancak genellikle çok ayrıntılı) veya Sondan bir masa örtüsünü süsleyen bordürlerde Akşam yemeği.

Perspektif başarısı

Onbeşinci yüzyılın başında Filippo Brunelleschi, matematiksel veya çizgisel perspektif prosedürünü kurarak sanat tarihinde bir dönüm noktası oluşturdu. Biraz sonra Alberti, Brunelleschi'nin yeni teorilerini eserinde yazdı. resmin (1435). O andan itibaren Batı sanatı, "iyi" resmin temeli sayılacak olan bu ilkeler üzerine inşa edilecektir.

Bu yüzden, 15. yüzyılın tamamı ve 16. yüzyılın bir kısmı boyunca, İtalyan Rönesansı resimsel çalışmalarında doğrusal perspektifi yeniden üretmeye çalıştı.. Bu perspektif, resmin alanını oluşturan tüm çizgilerin ortaya çıktığı bir kaçış noktasının kurulmasıyla sağlanır. Bu, beyne derinlik hissi veren bir optik yanılsama üretir.

Sözde Flaman Rönesansı, İtalya yarımadasının Rönesansı ile bir arada var olur; resimdeki büyük devrimler, bu durumda, 18. yüzyılda Flanders sanatçıları tarafından gerçekleştirildi. XV. Bu “Flaman ilkelleri”, çalışmalarına uçakların ardışıklığı yoluyla derinlik kazandırdı ve Her şeyden önce, filmin tüm ayrıntılarını yeniden üreterek resimsel gerçekçilikte bir dönüm noktası oluşturdular. nesneler. Jan van Eyck'in resimlerinde ortaya çıkan tüm bitki türlerinin, detay bolluğu sayesinde kataloglanabildiği söylenir.

Bununla birlikte, İtalyan matematiksel perspektifi, modern çağın Batı sanatının büyük kazananıydı ve 16. yüzyıldan itibaren gerçekçilik, Avrupa resmine damgasını vurdu. Barok sanatı son derece gerçekçi bir sanattır, çünkü yüce ve son derece duygusal bir sanat olarak (oldukça) bir üne sahip olmasına rağmen, aynı zamanda bir yer ayırır. gerçekliğin temsili için: kırışık yaşlı adamlar, dişsiz yüzler, ayakları kirli çocuklar, olağanüstü bir şekilde yakalanmış meyve natürmortları. gerçekçilik…

Sanatsal gerçekçiliğin kökenlerine dönüş

Gerçekçi sanat, “geleneksel” sanattan ilk kopuşların ortaya çıktığı 19. yüzyılın ortalarına kadar Batı sanatı sahnesine egemen oldu.. İzlenimciler, estetik akımlar ve daha sonra, beğeniler, on beşinci yüzyıldan beri "iyi" sanatın tartışılmaz temeli olarak neyin tesis edildiğini sorguladı.

20. yüzyılın avangardı, o halde, kökenlere bir tür dönüş oluşturuyor. Avangard sanatçılar, kendilerini akademik ve resmi sanattan uzaklaştırma hevesiyle, yeni ifade biçimleri ararlar ve bunu "gerçekçilik"in yıkımında bulurlar; yani perspektif, orantı, kompozisyon tutarlılığı. Tek kelimeyle, gerçekliğin katı taklidi.

Bilinen durum picassoçizimleri genellikle Mozarabik minyatürleri veya benzer bir şekilde kübistleri anımsatan, İki bin yıldan daha uzun bir süre önce Mısırlılar, nesnelerin gerçekçi görüşünü kırdılar ve onları mutlak bir şekilde yeniden ürettiler. öznel.

Hiperrealizm ve yeni gerçekçi akımlar

Çoğu zaman, farklı akımlar ve sanatsal ifadeler birbirine cevap verir. 19. yüzyılın realist hareketinin önceki on yılların Romantizmine nasıl bir yanıt olduğundan girişte daha önce bahsetmiştik. Şu anda sanatsal panoramada resimsel gerçekçiliği beklenmedik sınırlara yükselten bir akım buluyoruz; sözde hiperrealist akımdan bahsediyoruz.

Hiperrealizm, kısmen plastik sanatların kavramsal ve soyut eğilimine bir yanıt olarak 20. yüzyılın sonunda doğdu.. Bu akım, doğayı taklit etmeyi maksimum ifadesine götürür ve resimlerini fotoğraf reprodüksiyonlarına dönüştürür (aslında buna fotogerçekçilik de denir). Kompozisyonların keskinliği, izleyici için genellikle gerçekten bunaltıcı olacak şekildedir; Tabii ki, ona gerçeğin basit bir taklitçisi diyen aleyhte bir kıtlık yok.

Soru şudur: Sanat, eski Yunanlıların mimesis ile iddia ettikleri gibi doğayı kopyalamalı mı, yoksa yeni bir şeye katkıda bulunma "zorunluluğu" var mı? Bir taklidin asla gerçek şeyin tam bir kopyası olmadığı temelinden yola çıkarsak (çünkü her zaman sanatçının süzgecinden geçer), belki de kendimize sormamız gereken, "sanat gerçekçi".