Gustav KLIMT og hans 5 vigtigste værker

Gustav Klimt (1862-1918) er en af ​​referencerne inden for den modernistiske bevægelse af den wienske løsrivelse, idet den også er dens medstifter og første præsident. EN Symbolistisk maler af østrigsk oprindelse præget af dets ejendomme, dets prestige og for at være en af ​​de mest dekorative malere storheder fra det 20. århundrede, udvikler deres egen stil, fyldt med erotik, eklektisk, fuld af fantasi og rigdom.

I denne lektion fra unPROFESOR.com tilbyder vi dig, hvilke er vigtigste værker af Gustav Klimt og de grundlæggende egenskaber ved hans kunstneriske stil.

Indeks

1. Karakteristika for Gustav Klimts værker
2. Auditorium of the Old Burgtheater: et af Gustav Klimts værker
3. Pallas Athenea (1898)
4. Medicine (1900-1901), et meget fremtrædende værk af Kimt
5. Adele Bloch-Bauer (1903-1907), Klimts bedste arbejde
6. Kiss (1907-1908), et af Klimts vigtigste værker

• Klimt var dekorativ maler dedikeret til forskønnelse af bygninger med relieffer og historiske scener og figurer. En æstetik, der førte til, at hans malerier på lærred blev en
  instagram story viewer
  eksponent for lighed mellem dekorativ kunst og kunst.
• Det var en af ​​de grundlæggerne af Wien Secession, i 1897, blev valgt som præsident for sin oprørske og banebrydende personlighed. Hans internationale berømmelse som den mest berømte Art Nouveau-maler bidrog til den oprindelige succes for løsrivelsen, men også til dens tilbagegang, da han forlod den i 1905.
• Selvom det i øjeblikket er illustrationer er ikoniske og meget populære, på det tidspunkt blev en del af hans værker betragtet som uanstændigt for deres højt erotisk indhold.
• Hans arbejde er meget personlig og unikSelv i dag er dens gyldne fase kendetegnet ved brugen af ​​guld- og sølvark i stil med byzantinske mosaikker.

Blandt de mest fremragende værker af Gustav Klimt er Auditoriet for det gamle burgtheater (1888-89), starten på Klimts billedkarriere.

Dette var en af ​​de vigtigste kommissioner i starten af ​​Klimts karriere. Byrådet i Wien bad maleren om at male nogle billeder af det gamle Burgtheater, byens opera, bygget i 1741 og revet ned i det år 1888.

Klimt valgte at fange layoutet til operakasserne, et noget originalt valg, men vigtigt fra et arkitektonisk synspunkt. Et arbejde af akademisk stil, typisk for Klimts tidlige værker og hvor indflydelsen af Hans makart.

Et andet aspekt af interesse er detaljer og virtuositet af Klimt ved at introducere i arbejdet portrætter af alle de mennesker, der bad ham om at inkludere dem i kasserne. Således er stykket ikke kun et minde om, hvordan teatret var, men om byens politiske, kulturelle og økonomiske eliter: mere end 150 individer i alt. Blandt publikum er Østrigs premierminister, Wiens borgmester, Tyskland kirurg Theodor Billroth, komponist Johannes Brahms og kejserens elskerinde, skuespillerinde Katherina Schratt.

Selvom secessionisterne som princip havde brudt med tidligere kunstneriske traditioner, var deres forhold til fortiden ikke så simpelt. Således blev både han og andre medlemmer af løsrivelse inspireret af Græsk-romerske mytiske og allegoriske figurer og historier og af andre gamle civilisationer.

I dette tilfælde er Klimt fortolker figuren af ​​den græsk-romerske gudinde med bløde farver og med en tendens til abstraktion, en stil, som han vil slutte sig til, når han opgiver secessionisme. I dette arbejde tilbyder Klimt et kraftfuldt og imponerende billede af Athena, der viser gudinden som omsluttet af en tåge og med et androgyent udseende. Han klæder hende i et militært tøj, der identificerer hende som en kriger og beskytter af Athen, maskuline kvaliteter, mens han viser hendes lange og fine hår som et tegn på hendes feminine side. I sin hånd har han en nøgen figur af Nike, repræsentationen af ​​sejren.

I den tåge a repræsentation af oneiric, der forbinder arbejdet med arbejdet med Sigmund Freud. Således ville værket være legemliggørelsen af ​​idealet om en magtfuld kvinde, genstand for mandlig lyst såvel som for kvinden, der længes efter at klæde sig ud som en mand for at opnå en status som magt.

I 1894 bestilte Kulturministeriet Klimt at male det nye Store Hall ved Universitetet i Wien. Klimts arbejde bestod af at male tre monumentale lærreder på henholdsvis temaerne Filosofi, Medicin og Jurisprudens. Da Klimt begyndte at male lærrederne i 1898, var han allerede blevet medlem af Secession og opgivet naturalisme. Af de tre værker var medicin det lærred, der genererede mest kontrovers.

Medicin viser til Hygeia, den mytologiske datter af medicinguden, placeret i det nederste centrum af lærredet og identificeret ved en slange og Lethe-glasset. Ovenfor Hygeia stiger en høj søjle af lys, til højre for den rejser sig et væv af nøgne figurer sammenflettet med dødens skelet. På den anden side af lyssøjlen svømmede en nøgen kvinde, hvis bækken var vippet fremad, mens under hendes fødder svømmede en baby indpakket i tyll. Denne sammensætning skabte mange kritikpunkter, der beskyldte Klimt for at lave et pornografisk arbejde uden at henvise til noget medicinsk emne. Den afvisningsindstilling, som Klimts værker blev modtaget med, førte til, at maleren købte de tre værker tilbage i 1905.

Klimts arbejde viser tvetydighed i menneskeliv, der samtidig repræsenterer fødsel og død. Afvisningen af ​​Klimts arbejde viser, hvordan trods de store fremskridt, som løsrivelsen havde gjort gennem årene Siden grundlæggelsen havde bevægelsen undladt at vende konservative holdninger til moderne kunst i Wien.

For Klimt var dette alt sammen en bestemt ydmygelse og offentlig afvisning, noget som han ikke udstillede for i Wien. i fem år efter 1903 og trak sig tilbage fra officielle opgaver og accepterede kun at påtage sig opgaver privat. Disse tre malerier blev, ligesom mange værker af Klimt, konfiskeret af nazisterne og kremeret i maj 1945. inde i Schloss Immendorf, det nedre østrigske slot, hvor de var blevet opbevaret, af SS-tropper i tilbagetrækning.

Dette er en af ​​de Klimts mest berømte værker for at være en af ​​de mest berygtede sager om kunsttyveri udført af nazisterne. Adele Bloch-Bauer, konen til den wienske bankmand og sukkermagnat Ferdinand Bloch-Bauer, var en af ​​hans yndlingsmusik og tjente som model for flere andre malerier, herunder hans berømte Judith I (1901). Selvom Klimt ryktes at have været romantisk involveret i mange af de kvinder, han malede, er den nøjagtige karakter af hans forhold til Adele Bloch-Bauer ukendt.

I dette lærred a opløsning af virkelighed, der bryder igennem til reneste abstraktion. Selvom Klimt repræsenterer Adele Bloch-Bauer siddende, er det næsten umuligt at skelne formen på stolen eller adskille formerne på hendes tøj fra baggrunden. Klimt var stort set ikke bekymret over at skildre karakteren af ​​sin model, endsige give placeringen og konteksten. Brugen af blad af guld og sølv Det viser den høje værdi og kvalitet af smykker, Adele bærer, samt dybden af ​​kærlighed fra sin mand, der bestilte maleriet.

Arbejdet er indrammet inden for Klimts "gyldne fase" af det første årti i det tyvende århundrede, hvor han brugte snesevis af guldmønstre og metaltoner i dine malerier for at tilføje overdådighed og luksus til hans værker. En teknik, der forbinder de byzantinske mosaikker i San Vital-basilikaen i Ravenna, Italien, som Klimt besøgte i december 1903. Mange af disse mosaikker bruger en lignende flad guldbaggrund og skildrer den byzantinske kejserinde Theodora. Klimts skildring af chokeren, der bæres af Adele Bloch-Bauer i dette portræt, er inspireret af disse mosaikker. Kunsthistorikere peger også på egyptiske påvirkninger på formen af ​​øjne og på påklædningen af Bloch-Bauer, mens spiralerne ligner design fra det gamle Mycene og Grækenland klassisk.

Da Bloch-Bauer var jødisk, blev Ferdinands aktiver plyndret af nazisterne efter annekteringerne af Østrig og det vestlige Tjekkoslovakiet i 1938. Nazisterne installerede maleriet i Galerie Belvedere i Østrig. Ferdinand døde i 1946, men ikke før han overgav sine konfiskerede malerier, herunder dette og fem andre værker af Klimt, til sine nevøer. Blandt dem var Maria Altmann. Hun indgav en retssag i 2000 for at inddrive malerierne.

Sagen havde enorm mediedækning og kom for USA's højesteret, hvor malerierne blev returneret til Bloch-Bauer-familien i 2006. I juni solgte Altmann dette arbejde til den amerikanske kosmetiske samler og mogul Ronald S Lauder for $ 135 millioner, en rekordpris, der blev betalt for ethvert maleri. Lauder leverede maleriet til Neue Galerie af tysk og østrigsk kunst i New York, hvor det i øjeblikket udstilles.

Kysset er en af Klimts mest sensuelle og populære værkerog sandsynligvis hans mest gengivne værk. Det er også et af de såkaldte nøglemalerier Klimts "gyldne fase", en fase, der strækker sig cirka fra 1903-09, og betragtes som et glimrende eksempel på Art Nouveau maleri.

Værket repræsenterer et par, der omfavner på kanten af ​​en eng, repræsenteret af det lysende blomstermønster, som en slags dyne spredt under deres kroppe. Konstruktionen af ​​sammensætningen antyder en høj grad af fortrolighed med Arts and Crafts-bevægelsen. Således ligner engens flade flisemønster og figurernes beklædning stoffer produceret af William Morris i slutningen af ​​det 19. århundrede.

Brug af materialer fra blad af guld og sølv viser den høje grad af specialisering, som Klimt nåede, og minder om middelalderlige oplyste manuskripter, selvom det er tilfældet meget mere dyrebar og mere beslægtet med byzantinsk kunst, som guldmarkerne til de mosaikker, han havde set i Ravenna i 1903.

Desuden, mens Morris og middelalderlige kilder bruger dyrebare materialer til at ophøje Guds ord eller stor litteratur, Klimt Han bruger dem til at hellige karakteren af ​​menneskelige relationer og båndet mellem elskere, et nøgletema i jugendstil. Således udgør kyset en universel og tidløs vision om romantisk kærlighed.

Hvis du vil læse flere artikler, der ligner Gustav Klimt: de vigtigste værker, anbefaler vi, at du indtaster vores kategori af Historie.

• Cardona, F.L (2016) Gustav Klimt, redaktører
• Nieto Yusta, C, (2014) Klimt. Sjælens kunstner, Libsa