Findes der en kunst objektivt set bedre end en anden?

Vi ved alle, at kunst, som så mange ting, er subjektiv. Imidlertid, Findes der en kunst objektivt set bedre end en anden? Kan vi finde en kunstnerisk stil eller en tid, hvor dens kunstneriske manifestation objektivt set er bedre end de andre?

Vi foreslår en gåtur gennem kunsthistorien for at optrevle, om der virkelig er en kunst, der objektivt set er bedre end en anden.

• Relateret artikel: "De 8 grene af humaniora (og hvad hver af dem studerer)"

Findes der en objektivt bedre kunst?

I nogle perioder af historien har man bestemt troet dette. Det er grunden til, at forfattere som Vasari under renæssancen forklejnede gotisk kunst og kaldte den "barbarisk" kunst (gotisk kunst, som er hvor navnet kommer fra). Barokken var også en anden af ​​de meget udskældte stilarter med fremkomsten af ​​den franske revolution og klassicismen. Men hvilken grund var der til disse overvejelser?

Årsagen var ingen ringere end mentalitetsændringen og derfor tilsynekomsten af ​​fordomme. På Vasaris tid havde renæssancen overtaget kunsten, så alt, der ikke passede ind i en "klassicistisk" vision, blev betragtet som en mindre, mindre udviklet kunst. Det samme skete århundreder senere med barokken og især rokokoen. De franske revolutionære så sidstnævnte som adelens kunst og derfor en kunst, der skulle ødelægges.

Så I hvilket omfang er kunstneriske evalueringer underlagt fordomme?

• Du kan være interesseret i: "Filosofiens 10 grene (og deres hovedtænkere)"

Men hvad er kunst egentlig?

Her skal vi introducere en præcisering. Hvad er kunsten? En definition lige så mangfoldig som den er kompleks (og kompliceret). Det Kongelige Spanske Akademi tilbyder forskellige definitioner af ordet. Blandt dem er følgende: "Kapacitet, evne til at gøre noget" og "Manifestation af aktivitet hvorigennem det virkelige fortolkes eller det forestillede indfanges med plastisk, sprogligt el stemt”. Vi mener, at RAE i anden forstand har ramt hovedet på sømmet. Lad os se det omhyggeligt: ​​"... hvorigennem det, der er virkeligt, fortolkes eller det forestillede, fanges." Det er klart: kunst har to veje: repræsentationen af ​​virkeligheden (nogle gange strengt, som vi vil se senere) eller legemliggørelsen af ​​transcendente begreber. Derudover må vi tilføje, at begge ting ikke er i modstrid med hinanden, selvom de får os til at tro det.

For hans del, den eminente E. H Gombrich, i sin berømte kunsthistorie, begynder sin introduktion med at hævde, at: "Kunst eksisterer ikke rigtigt. Der er kun kunstnere. Disse var engang mænd, der tog farvet jord og groft tegnede formerne af en bison på væggene i en hule; i dag køber de deres farver og tegner skilte til metrostationerne”. Og så tilføjer han: "Der er ingen skade i at kalde alle disse aktiviteter for kunst, så længe vi tager højde for, at sådan et ord kan betyde mange forskellige ting, på forskellige tidspunkter og steder, og så længe vi bemærker, at kunst, skrevet ordet med stort A, ikke eksisterer, da kunst med stort A i bund og grund skal være et spøgelse og et idol...”.

Med andre ord, for den prestigefyldte historiker, hvis kun kunstnere eksisterer, og der derfor ikke er noget kunstideal (at kunst med stort bogstav, der kommenterer), så betyder det, at der faktisk ikke er nogen kunstnerisk stil eller epoke bedre eller værre end andre. For at gennemføre denne korte tur vil det være meget nyttigt at stole på konkrete eksempler; på denne måde vil det være meget lettere at forstå, hvad Gombrich mente med en sådan udtalelse.

• Relateret artikel: "Hvad er de 7 Fine Arts? Et resumé af dets egenskaber"

Sammensætning, form, perspektiv

Lad os tage bisonen som Gombrich kommenterer som eksempel. I har alle i tankerne det typiske forhistoriske maleri, lavet i ly af en hule. Lad os stille et spørgsmål. Er denne fremstilling realistisk? Tøv ikke med at svare, for svaret er "nej".

Kunstneren, der malede bisonen, havde ikke til hensigt at repræsentere en rigtig bison, med dets volumener, dets perspektiv og dets realistiske detaljer. Der er faktisk slet ikke noget perspektiv; tegningen er helt flad (selvom der i nogle eksempler kan noteres markante forsøg på realisme). Under alle omstændigheder er resultatet det samme: dyret afbildet på hulens væg eller loft repræsenterer en idé, et koncept, ikke en rigtig bison.

Lad os sammenligne den forhistoriske bison med et maleri fra det 19. århundrede; For eksempel, Angelus bøn i marken, af maleren Ignacio Díaz Olano fra Vitoria.

Vi vil observere, at på lærredet, maleren har lavet en omhyggelig fremstilling, praktisk talt fotografisk, fra to oksers anatomi. Mængderne er perfekte, perspektivet er tilstrækkeligt; vi har fornemmelsen af ​​at være til stede i scenen, som om vi var en del af det repræsenterede øjeblik. Kort sagt: Díaz Olano fanger et fragment af virkeligheden.

På dette tidspunkt stiller vi et spørgsmål. Er Díaz Olanos hold objektivt set bedre? Med hensyn til opløsning, tegning, perspektiv og teknik, selvfølgelig ja. Perspektivet, mængderne, maleriets realistiske toner; de har intet at gøre med den flade figur, i neutrale farver, som vi så på hulens væg. Betyder det nu, at Díaz Olanos arbejde generelt set objektivt set er bedre end den forhistoriske bison? Svaret i dette tilfælde ville uden tvivl være "nej".

• Du kan være interesseret i: "Filosofiens 10 grene (og deres hovedtænkere)"

Udtrykket, konceptet, ideen

Lad os tage et andet eksempel, som meget godt vil illustrere, hvad vi mener. Og det er ingen ringere end Henrettelserne den 3. maj, fra Goya.

Godt. Sammenlign det nu med en anden optagescene: Henrettelse af Torrijos og hans ledsagere på strandene i Malagaaf Antonio Gisbert.

Lad os starte med det andet. I Torrijos, alt er perfekt. Igen har sammensætningen ingen fejl; hverken perspektivet, bindene, tegningen eller teknikken. Det er formelt set et perfekt billede. Derudover introducerer Gisbert også udtryk i sit arbejde: hvis vi ser godt efter, hver af ansigterne af dem, der skal dø, udtrykker en anden følelse, lige fra den mest ulidelige frygt til den mest fantastiske.

Lad os nu gå til Goyas henrettelser. Kan vi sige, at Torrijos formelt er bedre løst? Nå, på trods af at man taler om Goya, er svaret igen "ja". Gisberts lærred er et fotografisk snapshotAt fange et virkeligt øjeblik i livet. Igen, og som med angelus af Díaz Olano, ser det ud til, at vi er på stranden med Torrijos og hans ledsagere. Faktisk er det virkelig spændende ved maleriet, at det ser ud til, at vi er en del af gruppen af ​​fanger, der venter på deres tur til at dø, givet det punkt, hvor beskuerens udsigt er placeret. Hvad angår ansigterne, ikke mere at sige; Gisbert tog noter om originale portrætter af ofrene og mødtes også med pårørende til de afdøde for trofast at genskabe træk ved de henrettede.

Hvis vi nu går til Goyas maleri, vil vi se, at ansigterne ikke kan identificeres. Til at begynde med skjuler franskmændene (bødderne) deres ansigter, som om de skammede sig. Derudover dækker de fleste af de skudte deres ansigter med deres hænder. De få, der viser deres ansigter, forekommer os at være karnevals- eller mareridtsmasker snarere end mennesker. Der er ingen individualiserede fraktioner; Goya maler terror i sin reneste form.

Lad os så gå til spørgsmålet. Betyder det, at Gisberts maleri objektivt set er bedre end Goyas? Tydeligvis ikke. Og fordi? For ganske enkelt Gisberts hensigt, når han udfører sin Torrijos var ikke det samme som Goyas, da han malede sit henrettelser. Den første ønskede at vise upåklagelig virkelighed, mens den anden han udtrykte sin vrede og frustration gennem penslen. Gisbert oplevede ikke Torrijos' skydestyrke; hvad mere er, han malede billedet flere årtier senere. Goya levede de skæbnesvangre dage i maj.

• Relateret artikel: "Hvad er kreativitet? Er vi alle "ville-være genier"?"

Akademiismens ballast

Begyndende i det 18. århundrede og frem for alt i det 19. århundrede, akademisk kunst (såsom maleri af Torrijos) betragtes som højdepunktet af maleri og skulptur. Den perfekte komposition, opløsningen i et sømløst perspektiv, det korrekte forhold mellem karaktererne... videnskabelige værker har faktisk ingen formelle fejl at pege på.

Det er dog ikke mindre rigtigt, at i løbet af 1800-tallet blev udtrykket og ideen glemt. Med andre ord, "hvad" blev fortyndet, og kun "hvordan" var tilbage. Meget i modsætning til, hvad der havde været andre "kunster" i historien, hvor det, der havde sejret frem for alt andet, var konceptet, den idé, der var repræsenteret. Det er en af ​​grundene til, at blandt andet middelalderkunsten i høj grad er blevet foragtet siden 1700-tallet; hans konceptuelle, transcendente stil passede ikke med den herskende akademiske.

Hvis vi vil værdsætte et kunstværk korrekt, skal vi huske på, at vi i vores påskønnelse bærer ballasten af ​​akademisk. Og pas på, for her mener vi ikke, at akademisk kunst er dårlig, tværtimod; men det er rigtigt, at vi i mange år har lært, at den eneste "gode" kunst er en, der respekterer de formelle retningslinjer for blandt andet perspektiv, volumen og komposition ting. Og det får os selvfølgelig til at fare vild, og vi er ikke i stand til at værdsætte de andre "kunster", som selvfølgelig har værdi i sig selv.

For de retningslinjer, der skal til for at værdsætte et værk, er ikke kun dem, som Akademiet har dikteret os i århundreder. Der er andre, såsom udtryksevne, følelse og idé som på den anden side er dem, der dikterede andre tiders og kulturers kunst. Skal vi tro, at en romansk Madonna og Barn er "værre" end en Venus af Praxiteles? Selvfølgelig ikke. De er døtre af to koncepter og to meget, meget forskellige verdener.

Men ligesom alt relateret til kunst er beslutningen op til hver enkelt. I denne artikel foreslår vi kun et andet udseende og frem for alt egnet til hvert specifikt værk; et blik, der tager højde for konteksten, de tekniske muligheder og forfatterens personlighed.