Beethovens niende symfoni: historie, analyse, mening og playliste

Det Niende symfoni eller Symfoni nr. 9 Det er en af ​​de mest symbolske kompositioner af Ludwig van Beethoven, der udførte den mellem 1818 og 1824 på vegne af London Philharmonic Society. Dens betydning er sådan, at den blev erklæret et verdensarvssted i 2002.

Da stykket åbnede, var Beethoven døv. De siger, at han instruerede Niende symfoni ved hjælp af hans fantastiske læsning, men da den sidste sats var overstået, ude af stand til at høre Bifald fra publikum måtte han advares af orkesterets musikere, så Vend tilbage.

Dette, som var hans sidste offentlige optræden, var også fødslen af ​​en legende: manden, der ændrede musikhistorie var blevet døv, og det at være døv - dette var virkelig en genial handling - skrev han det Niende symfoni det udgjorde uden forbehold en autentisk musikalsk revolution. Lad os forstå hvorfor.

Analyse af Niende symfoni

At forstå den revolutionære karakter af Niende symfoniDet er nødvendigt at vide, hvordan symfonierne var før dette arbejde, hvad var den symfoniske tradition, som komponisterne holdt sig til det øjeblik.

Symfonien som genre

Vi kalder en symfoni et musikalsk værk udtænkt for et orkester, der i sin klassiske form består af fire satser. Hver bevægelse har sine egne egenskaber. På Beethovens tid plejede symfoniske bevægelser at være struktureret som følger:

• Første sats: Allegro.
• Anden sats: Adagio.
• Tredje sats: Scherzo.
• Fjerde sats: Allegro.

Denne struktur udviklede sig normalt i en periode på cirka tredive minutter eller lidt mere. Hvad formatet angår, blev symfonierne normalt komponeret til strengesektionen, messingafsnittet og træblæsersektionen. Derfor var det en absolut instrumental genre.

Selvom Beethoven allerede havde vist tegn på alvorlige og vigtige transformationer af genren, især udnytte til det ekstreme af timbral udvikling, dynamikken (agogic), ud over den harmoniske og tonal, i Niende symfoni introducerer rigtige nyheder.

Det Niende symfoni og dens innovationer

På overfladen udvikler Ludwig van Beethoven Niende symfoni efter den konventionelle struktur: fire bevægelser. Disse bevægelser er dog udviklet på en sådan måde, at de åbner vejen for en ny fænomenal opfattelse af musik og forlænger deres varighed op til nogle få tres minutter nogenlunde en mærkbar ændring i skikke på musik og underholdning.

Ændringer i strukturen

Opbygningen af Niende symfoni Det er som følger:

• Allegro ma non troppo, en lille maestoso
• Scherzo: Molto vivace - Presto
• Adagio molto e cantabile - Andante Moderato - Tempo Primo - Andante Moderato - Adagio - Lo Stesso Tempo
• Recitativ: (Presto - Allegro ma non troppo - Vivace - Adagio cantabile - Allegro assai - Presto: Eller Freunde) - Allegro assai: Freude, schöner Götterfunken - Alla marcia - Allegro assai vivace: Froh, wie seine Sonnen - Andante maestoso: Seid umschlungen, Millionen! - Adagio ma non troppo, ma divoto: Ihr, stürzt nieder - Allegro energico, semper ben marcato: (Freude, schöner Götterfunken – Seid umschlungen, Millionen!) - Allegro ma non tanto: Freude, Tochter aus Elysium! - Prestissimo, Maesteoso, Prestissimo: Seid umschlungen, Millionen!

Som det kan ses, udvikler Beethoven rytmiske transformationer gennem strukturen der er absolut kontrasterende og bryder med følelsen af ​​balance og måling af klassicisme.

Med hensyn til den første sats, forskeren Josep Pascual, i sin bog Universal guide til klassisk musik, argumenterer for, at "symfonien begynder med en række perfekte fjerdedele og femtedele, opstået som ud af ingenting (...)", og tilskriver dens udvikling "et næsten voldeligt klima". Til dette tilføjes:

... i hele kompositionen dominerer kontrasterne, og dramaet i den første sats bliver vitalitet i det andet, som undertiden med rette er defineret som en passage fra uklarhed til lyset.

Den tredje sats, siger forskeren, er domineret af en lyrisk ånd, optakt til den fjerde sats, hvor Salme til glæde. Forskeren klassificerer det som "en følelsesmæssig salme til universelt broderskab." Josep Pascual slutter med at sige, at den fjerde sats kan betragtes som et komplet værk i sig selv, det vil sige "en hel symfoni".

Men vi må sige, at ikke alle så Beethovens fjerde sats positivt. Komponistens frækhed i denne bevægelse fik ham kritik fra karakterer som Giuseppe Verdi, for hvem det syntes at være et krampagtig og katastrofalt skridt, der brød med de tre første ekspertise.

Nye værktøjer og ressourcer

Denne kreative og kreative frihed fra Beethoven kommer ikke kun til udtryk i strukturelle ændringer i sonateform, men også i konfigurationen af ​​orkestret, det vil sige i instrumenterne deltagere. Denne konfiguration vil være følgende:

• Træblæsersektion:
  • Piccolo;
  • 2 fløjter;
  • 2 oboer
  • 2 klarinetter (i A, B flad og C);
  • 2 fagotter;
  • 1 kontrabasson
• Metalvindsektion:
  • 4 horn (2 i D og 2 i B flad);
  • 2 trompeter (i B flad og E flad);
  • 3 tromboner (alt og tenor);
• Strengsektion:
  • Violer;
  • Violaer;
  • Celloer;
  • Kontrabasser.
• Slagtøj:
  • pauker,
  • tromme,
  • underkopper,
  • trekant;
• Stemmer:
  • Kor,
  • Sopran, alt, tenor og bassolister.

I Niende, Beethoven introducerede percussion for første gang i symfoniens historie. Faktisk blev percussion ikke engang betragtet som en almindelig sektion af orkestre i den generation.

Inkluderingen af ​​percussion ville udskrive en ny karakter, der ville hæve den følelsesmæssige kraft. Fra den første sats kan vi mærke styrken af ​​den percussive sektion, der står i kontrast til delikatessen hos strengene, der bæres til pianissimo.

Med dette formår Beethoven at hæve kraften, intensiteten og udtryksevnen i de opnåede lyde af hele orkestret, indtil det når virkelig imponerende effekter på oplevelsen auditiv.

En anden vigtig Beethoven-innovation var inkluderingen af kor og solosangere, som han arrangerer i fjerde sats, værkets klimatiske øjeblik.

Teksten valgt af komponisten var den berømte Ode til glæde af Friedrich Schiller, der skrev det i året 1786. Med tiden, navnet Salme til glæde begyndte at blive brugt til at henvise til det musikaliserede værk.

Med denne gest gav Beethoven stemmen den samme værdighed som musikinstrumenter. Med andre ord gjorde han stemmen til et orkesterinstrument, der bragte nye teksturer, timbres og effekter til sammensætning.

Men det gav også værdi til poetisk ord, hævet til formen af ​​symfonien. Bestemt, poesi var blevet retfærdiggjort i genren af løj Tysk længe før, men nu gjorde han sin triumferende indtræden i symfonien, som på det tidspunkt blev betragtet som den højeste form for akademisk musik.

Alt dette gjorde det muligt for Ludwig Van Beethoven at etablere sig som forgængeren for de såkaldte kor symfoni, åbner vejen for sådanne symbolske figurer af denne genre som Hector Berlioz.

Se også Salme til glæde: analyse og betydning.

Udtrykket af en ny følsomhed

Beethoven udvikler forskellige rytmiske koncepter og intensiteter, der hæver følelserne til et virkelig klimapunkt. Værket får en dyb dramatisk, følelsesmæssig, bevægende sans. Selve musikken bliver et katartisk, befriende skuespil.

Denne nye følsomhed, der søger "ekstase" gennem kreativ aktivitet, der proklamerer følelser overfor proportionale og symmetriske klassiske former, er ikke underlig i sin tid.

Beethoven drikker fra den ånd, der opstod i Tyskland mod slutningen af ​​det 18. århundrede med bevægelsen Sturm und Drang, udgangspunktet for den romantiske revolution, der for evigt forvandlede billedkunst, litteratur og musik, og som var særlig produktiv i de to sidstnævnte.

Faktisk fik musikken i det 19. århundrede større betydning sammenlignet med plastik og arkitektur. Forskeren Matías Rivas Vergara, i et essay med titlen Beethovens niende symfoni: historie, ideer og æstetik Vedligeholder, at:

... Romantisk musikalsk æstetik er i det væsentlige en opfattelse af musik som et "metafysisk sprog" i stand til udtrykke det ineffektive og det absolutte - både topos, poetisk og metafysisk, som udgør essensen af Romantik.

I slutningen af ​​det 18. århundrede og begyndelsen af ​​det 19. århundrede var turbulente, revolutionerende tider. Det er velkendt, at Beethoven kommuniserede med de franske revolutioners moderne værdier, så meget, at han troede, at han så Napoleon Bonaparte som en helt, endog realiserede sine imperialistiske intentioner.

Brug dette som et eksempel for at vise, i hvilket omfang Beethoven var forpligtet til idealerne for lighed, frihed og broderskab, langt over guddommeliggørelse af enkeltpersoner. Af denne grund slutter dette arbejde, hans sidste symfoni, med forherligelsen af Ode til glæde af Schiller.

Det var Beethoven, der i akademisk musik åbnede rummet for kreativ frihed, subjektivitet og ens eget følelsesmæssige udtryk, værdier, der var i overensstemmelse med den romantiske æstetik. Den registrerer den klassiske traditions dominans i sine tidlige år og tørsten efter frihed og kreativitet i sidstnævnte. Beethoven var nøglen til en dør, der gav indgangen til et nyt musikalsk univers.

Afspilningsliste

Referencer

• Pascual, Josep: Universel guide til klassisk musik. Barcelona: Robinbook-udgaver. 2008.
• Rivas Vergara, Matías: Beethovens niende symfoni: historie, ideer og æstetik. Gendannet på Academia.edu. 2013.