De 10 kunstneriske hovedstrømninger: hvad er de?

Gombrich sagde i sin store kunsthistorie, at kunst ikke eksisterer, kun kunstnere. Til en vis grad er dette fuldstændig sandt, da hver skaber udtrykker fra sin egen verden, unik og ikke-overførbar. Det er dog ikke mindre sandt, at kunstnere ikke kan undslippe deres tid. Hvert kunstnerisk udtryk er derfor underlagt en bestemt kontekst, og uanset hvor meget kunstneren forsøger at adskille sig, forbliver han underlagt den i større eller mindre grad.

Dernæst skal vi lave en praktisk opsummering af, hvad der er de kunstneriske hovedstrømninger i kunsthistorien. Denne artikel er kun en grundlæggende oversigt; Lad os huske, at intet er sort eller hvidt, og at der er et stort antal nuancer. Alle kulturer og alle tider har udtrykt kunst på en eller anden måde.

Det er svært at opsummere i så lille en artikel de væsentlige egenskaber ved dem alle, men vi vil forsøge at give et overblik, der kan være praktisk, når det kommer til at forstå kunstens udvikling gennem historien. Som et punkt, sig det Vi har fokuseret artiklen på vestlig kunst, da det er fuldstændig umuligt at opsummere det universelle kunstneriske udtryk på så lidt plads.

. Vi håber, du finder det nyttigt.

• Vi anbefaler dig at læse: "Hvorfor blev kunsten skabt? En rejse gennem historien"

Hvad er en kunstnerisk strømning?

Kunstneriske strømninger (også kendt som kunstneriske bevægelser) er det sæt af kreationer, der dele kontekst og en række æstetiske karakteristika samt ideologiske mål fast besluttet. Efter denne definition kunne vi også kalde den kunstneriske strømning for kunsten skabt af de store gamle kulturer, såsom Egypten, Grækenland eller Mesopotamien.

Dette er dog ikke helt korrekt. I de førnævnte civilisationer var der ingen anden mulighed for skabelse; det var det ægte udtryk for kulturen som helhed, så det er noget risikabelt at kalde det en kunstnerisk strøm. Derfor skal vi starte vores rejse fra de sidste århundreder af middelalderen, hvor de forskellige kulturelle bevægelser begynder hurtigt at følge hinanden for at kulminere i mosaikken af ​​stilarter, der fandt sted i det nittende århundrede og i det tyvende

1. det romanske

Den romanske er måske den første fuldt europæiske stil, med nogle meget specifikke globale karakteristika.. Og selvom det er rigtigt, at det ikke var en så homogen stil som andre senere tendenser, såsom barokken eller Romantikken, det er rigtigt, at den på alle breddegrader i Europa deler en række elementer, der gør den mere eller mindre til en stilart kompakt.

Det romanske dukkede op omkring det 11. og 12. århundrede i Bourgogne; specifikt i klosteret Cluny. Derfra spredte det sig til resten af ​​Europa, hvor hvert territorium badede det med sine egne karakteristika. Vi kan ikke lave en fuldstændig analyse af, hvad det romanske er, men vi kan opsummere, at det arkitektonisk omfatter romerske konstruktionselementer (deraf navn givet til det i det 19. århundrede), og at dets baser er den halvcirkelformede bue, tøndehvælvingen og lyskehvælvingen, blandt mange andre elementer konstruktiv.

Den arkitektoniske romanske adlyder behovet for ensretning af liturgien i Europa og udseendet af såkaldte pilgrimskirker, med en helt bestemt struktur. I romanske bygninger, skulptur er normalt underordnet arkitektur, og vi finder et større væld af skulpturel udsmykning på trommehinderne og på dørenes archivolts.

På den anden side trækker romansk maleri på byzantinske ikoner, der kom fra østen med korstogene, samt mozarabiske miniaturer. De er hieratiske malerier, meget urealistiske, hvis hovedformål var at formidle et budskab, ikke at kopiere virkeligheden. Af denne grund eksisterer hverken perspektiv eller volumen i romanske billedrum, og jordiske elementer blandes med himmel og helvede, behørigt adskilt af striber af klare farver.

2. det gotiske

Den næste fuldt europæiske stil var gotisk. Særligt ensartet var den såkaldte internationale gotik, som udviklede sig i det fjortende århundrede og genfandt de byzantinske gyldne baggrunde med ideelt stiliserede figurer. I det gotiske begynder fremstillingerne at blive gennemsyret af virkeligheden, og figurerne har en tendens til at blive mere menneskelige. Det er tiden for byerne, for handelens travlhed, for de store katedraler. De gotiske jomfruer begynder at være rigtige mødre, langt væk fra Theotokos-jomfruerne eller tronens jomfruer, hieratiske, som ikke interagerede med barnet. På den anden side bliver den korsfæstede, både billedlig og skulpturel, naturaliseret og begynder at vise smerte.

Det mest karakteristiske element i gotikken er naturligvis katedralerne. Det arkitektoniske sprog i disse bygninger er meget nyt; På trods af dette beskrev Giorgio Vasari i det 16. århundrede disse konstruktioner som "barbariske" (gotiske). Flyvende støttepiller og støttepiller formerer sig, designet til at give stabilitet til en stadig højere bygning med flere åbninger (de vidunderlige gotiske glasmosaikvinduer). Det er vigtigt at huske, at på samme måde som romansk var de gotiske bygninger helt polykrom, et faktum, der materialiserer den store kærlighed, som middelalderen følte for kromatiske toner tændt.

3. Renæssancen

Selvom den klassiske kultur ikke blev glemt i middelalderen, er det under renæssancetiden, at den bevidst genvinde de klassiske forskrifter, såsom arkitekturafhandlingerne fra den romerske Vitruvius (1. århundrede). jeg a. c.). Det er også på dette tidspunkt, hvor kunstneren intellektualiseres, der begynder at blive set som noget mere end en ren håndværker.

Renæssancen begynder i Firenze i begyndelsen af ​​det 15. århundrede, med værker som døre til dåbskapellet eller den storslåede kuppel, som Brunelleschi tegnede til katedralen., hvis diameter ikke var blevet opnået siden konstruktionen af ​​Pantheon i det første århundrede e.Kr. c. Arkitekterne søger inspiration i antikkens konstruktioner, mens malerne i mangel af modeller (Pompeii og Herculaneum var endnu ikke blevet opdaget) er inspireret af freskoerne, der dekorerer Domus Aurea i Nero.

Alligevel var renæssancens vigtigste nyskabelse det matematiske perspektiv, kodificeret af Leon Battista Alberti (1404-1472) i sin afhandling De pictura, hvortil han trak på ideerne om Brunelleschi. Fra da af vil maleriet søge at være et åbent vindue til verden, hvor perspektivet opnås gennem et enkelt forsvindingspunkt, hvor alle linjer konvergerer.

4. Barok

I de sidste år af 1500-tallet er renæssancen fuldstændig udtømt, og i stedet Manérisme optræder, som i maleriet er præget af en forlængelse og en stilisering af tal. Men i begyndelsen af ​​det følgende århundrede begyndte en ny æstetisk tendens at overtage det modreformatoriske Europa: barokken.

Man kan sige, at barokken er barn af den katolske kirkes modreformation, som havde brug for et udtryksmiddel for sin tro.. Målet var at fastholde de troende i den romerske kirke og forhindre dem i at migrere til lutherdommen. Baroksproget er altså en afspejling af denne vilje; I maleriet fremmes følelser gennem skildringen af ​​lidelse. De bizarre legender om helgenerne, som protestanterne prædikede imod, er elimineret, og de hellige skikkelser er repræsenteret med deres egenskaber. Religionen er sænket til folket, og bibelske personer optræder i hverdagsscener, hvis modeller er hentet direkte fra virkeligheden.

I arkitekturen kan man sige, at barokken stadig er meget klassicistisk, især i Frankrig. Slottet i Versailles er et godt eksempel på denne elegante franske klassicisme. På den anden side, og som det normalt sker i alle stilarter, føder hvert territorium en anden barok: i de Forenede provinser, for eksempel, hvor der ikke er nogen og til den katolske kirke, og hvor mæcenerne er byernes borgerlige, udvikles et intimt maleri, hvis maksimale repræsentant er Johannes Vermeer.

5. rokoko

Fejlagtigt behandlet som en forlængelse af barokken er rokokoen et ægte udtryk for første halvdel af det 18. århundrede, oplysningstiden. Hånd i hånd med oplyste filosoffer fejrer denne stil livets sødme, intimitet, hjemmekomfort og alt det smukke i hverdagen.

Derfor er rokokomotiver glade, festlige, slet ikke dramatiske: pastorale, bukoliske, maskerade, galante, flirtende scener osv. Med ét ord: rokokoen er livsglæden, glæden ved at leve, for de velhavende klasser i det gamle regime.

6. Nyklassicisme

På mange måder markerer nyklassicismen et brud med rokokoen. Denne æstetiske strømning, der også dukker op i Frankrig, ligesom sin forgænger, er det perfekte udtryk for den nye franske republik: en sober, stram, harmonisk og republikansk stil. Nyklassicismen er naturligvis inspireret af klassisk kunst. I maleriet har han en præference for storladne og højtidelige temaer, som tjener som dydsmodel for folket; gode eksempler på dette er lærrederne af Jacques-Louis David (1748-1825), den store neoklassiske maler. På den anden side er neoklassisk arkitektur praktisk talt en efterligning af antikke græske og romerske templer; man behøver kun at betragte Madeleine-kirken i Paris for at indse dette.

Den nyklassicistiske stil levede sit højdepunkt under Napoleonstiden, da dens romerske og kampmæssige æstetik passede meget godt til det imperium, som den store korsikaner havde skabt.. Efter Napoleons fald blev neoklassiske former forældede, og på trods af at deres æstetik forblev meget levende (især i arkitektur) gennem det 19. århundrede, i århundredets første årtier de første udtryk for Romantikken.

7. Romantikken

I kunsthistorien er det almindeligt, at en stil til dels er født som et svar på den tidligere stil. Og selvom intet er sort eller hvidt, og der er mange nuancer i denne udtalelse, finder vi beviser for dette i tilfælde som romantikkens fødsel. Mens nyklassicismen var en apoteose for det republikanske, først og det romerske imperium, senere med alle de disciplin, som dette indebærer, blev romantikken født som en retfærdiggørelse af menneskelig subjektivitet og derfor af individuel. Kunst vil aldrig mere, i det mindste udelukkende, blive set som noget, der er underlagt magt; det er kunstneren, der skaber, det er hans selv, der giver anledning til kunstneriske udtryk. Den autentiske skaber er imod Akademiet og alle de korseterede normer, der kvæler kunsten.

Alle de efterfølgende strømninger, der ophøjer den kreative individualisme, drikker af romantikken: prærafaelitterne, symbolisterne, ekspressionisterne og selvfølgelig surrealisterne.. I sidstnævntes tilfælde udforsker de til det yderste dybden af ​​den menneskelige psyke, noget som romantiske hundrede år før, når de repræsenterer drømmeverdener, frygtelige, fulde af spøgelser, grave og billeder af frugten af delirium. På den anden side tillægger den romantiske strømning fædrelandet og nationen stor betydning, så længe det er det udgøres af individer, der bestemmer, og har en tendens til at idealisere nationernes fortid og omdanne den til legende.

8. realisme og naturalisme

Omkring 1850 begynder romantikken at udløbe. Det er positivismens tid, de teknologiske fremskridt, den anden industrielle revolution. I byerne vokser fabrikker, og de elendige mennesker, der lever under undermenneskelige forhold, formerer sig. Det er da, kunsten begynder at glemme de ideelle verdener, som romantikerne forkynder, og bliver interesseret i sociale problemer og konflikter.

Både i den plastiske kunst og i litteraturen er det gennemgående tema social fordømmelse. Sultende arbejdere, der forlader fabrikkerne som spøgelser; pjaltede og snavsede børn; prostituerede, tiggere, vaskekoner, unge mennesker uden fremtid. Realismen er altså forpligtet til den sociale virkelighed..

Senere får den voksende interesse for psykologi den realistiske strømning til at udvikle sig mod naturalisme, som tager objektivitet og iagttagelse til det yderste. Naturkunstneren, der i litteraturen er storslået repræsenteret af Émile Zola (1840-1902), ser virkeligheden som et forskningslaboratorium, hvor skabninger handler ud fra stimuli fra de halvt. I denne meget videnskabelige kunst er der derfor ikke plads til subjektivitet, endnu mindre for skønheden selv.

9. Æstetikkens strømninger

Som svar på denne kunst, der er blevet til videnskab, og som ignorerer verdens skønhed, dukkede en række strømninger op i slutningen af ​​det 19. århundrede, som proklamerede kunst for kunstens skyld. Dette er tilfældet med det prærafaelitiske broderskab, dekadence, parnassianisme, symbolisme og art noveau, bedre kendt i latinamerikanske lande som modernisme.

Vi kan ikke tale om alle disse strømninger her, men vi kan påpege, hvad de har til fælles: en kraftig modvilje mod positivisme, mod teknologiske fremskridt, mod fabrikker, mod videnskabelige fremskridt som en kastrator af skønhed. Derfor vil alle disse æstetiske strømninger vende tilbage til kunsten som den eksklusive skaber af skønhed.

10. fortropperne

Igen kan vi ikke tale om alle de avantgarder, der bredte sig i de sidste år af det 19. århundrede og de første årtier af det 20. århundrede, men vi vil i det mindste forsøge at navngive dem. De officielle avantgarde optræder i begyndelsen af ​​det 20. århundrede. Den første af disse anses for at være fauvisme, en strømning, der værdsatte farver som et middel til subjektivt udtryk, ikke som en efterligner af virkeligheden. Efter Fauves, der holdt deres første udstilling i 1905, avantgarden fulgte hinanden så hurtigt, at nogle af dem overlappede hinanden: ekspressionisme, futurisme, kubisme, dadaisme, surrealisme...

Avantgarden er hovedtræk ved det 20. århundredes kunst. De er en række bevægelser, der går imod de etablerede normer, grupper af kunstnere med karakteristika fælles, der går sammen til en slags billedskole, som regel med et grundlæggende ideologisk manifest. I øjeblikket lever vi i en ny æra af individualitet, der skaber kunstneriske strømninger sløre og fragmentere i tusinde stykker, så vi næsten ikke kan tale om strømninger, men om kunstnere. Men er det måske, at det inderst inde (og som Gombrich sagde) ikke altid har været sådan?