Wie man Romanik von Gotik unterscheidet: ihre 4 Hauptunterschiede

Romanik und Gotik sind zwei uns bekannte Wörter. Diejenigen, die nur minimal in die mittelalterliche Kunst eingeführt wurden, werden im Großen und Ganzen die Hauptunterschiede zwischen den einzelnen Stilen kennen.

Aber wir sind uns nicht immer über ihre Eigenschaften im Klaren und oft verwechseln wir sie miteinander. Daher werden wir in diesem Artikel sehen eine Zusammenfassung der Unterschiede zwischen Gotik und Romanik, mit einigen Beispielen.

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Grundlegende Unterschiede zwischen Romanik und Gotik: Unterscheidung zwischen beiden Stilen

Architektur war die Hauptkunst in den ersten Jahrhunderten des Mittelalters. Alle anderen Künste wurden ihr auf die eine oder andere Weise untergeordnet, insbesondere in der Romanik. Später, Während der ersten Manifestationen der Gotik begannen wir eine beginnende Emanzipation zwischen den verschiedenen künstlerischen Techniken wahrzunehmen.

Eines muss auf jeden Fall von vornherein klar sein: Kein Stil ist absolut rein. Das heißt, wir werden in keinem Jahrhundert eine Romanik finden, die absolut alle ihre kanonischen Eigenschaften aufweist. Manchmal finden wir orientalische Einflüsse, andere einen originellen und einzigartigen Ausdruck, wie im Fall von Nordeuropa. Und das gleiche mit der Gothic. Natürlich ist es nicht dasselbe, von der französischen oder deutschen Gotik zu sprechen wie von der, die sich im Mittelmeerraum entwickelt hat.

Es ist jedoch möglich, eine Reihe von Richtlinien zu finden, die uns helfen können, einen Stil von einem anderen zu unterscheiden. Sehen wir sie uns an.

1. Dunkle Festungen versus bunte Kathedralen

Während der Romanik finden wir massive und starke Gebäude, die an mittelalterliche Burgen erinnern. Die Wände sind dick und haben keine Öffnungen, daher sind die Innenräume eher dunkel.

Dies ist einer der Hauptunterschiede zwischen den beiden Stilen: in der Gotik wird ein Mentalitätswandel wahrgenommen, offene Innenräume und Lichtspiele werden gefördert, erreicht durch riesige Buntglasfenster und hohe und dünne Wände.

Diese Veränderung war zum Teil die Folge von Verbesserungen durch gotische Architekten, die den Druck der Decke mit Originaltechniken erfolgreich eindämmten. Dies erleichterte die Verlängerung der Wände und das Erscheinungsbild großer Fenster.

Wenn wir uns also in einer Kirche oder Kathedrale befinden und sie voller Glasmalereien ist, können wir sie sofort mit der Gotik in Verbindung bringen. Während der Romanik hatte sich die Technik der Mauerbefestigung noch nicht so weit entwickelt, dass solche Öffnungen in den Mauern möglich waren. Hätte er das getan, wäre die Kirche zusammengebrochen.

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2. Die neuen Techniken der Gothic

Wie haben die gotischen Architekten das gemacht? Durch die Erfindung eines einzigartigen und originellen Elements: der Strebepfeiler. Optisch können wir es sofort erkennen: Es ist dasjenige, das der gotischen Konstruktion das Aussehen einer riesigen kriechenden Spinne verleiht.

Strebepfeiler sind Außenbögen, die von den Gebäudewänden ausgehen und deren Druck nach außen ableiten. Um diesem Druck entgegenzuwirken, werden die Strebepfeiler auch außen gegen diese Strebepfeiler angeordnet, so dass der gesamte Druck perfekt ausgeglichen ist.

Diese riesigen „Spinnenbeine“ in einer Kirche oder Kathedrale zu sehen, bedeutet also, sich vor einem gotischen Denkmal zu befinden.

3. Sie haben verschiedene Arten von Tresoren

Dies ist ein viel technischeres Merkmal, aber auch unverkennbar, um Romanik und Gotik zu unterscheiden. Wir werden sie mit Bildern von Wikimedia Commons beispielhaft sehen.

In der frühen Romanik war die am häufigsten verwendete Dachform das Tonnengewölbe, die einfachste aller Alternativen. Es ist einfach ein halbkreisförmiger Bogen (dh halbkreisförmig), der sich im Raum ausdehnt. Diese Art von Gewölbe ist sehr typisch für den französischen Raum.

In der Vollromanik erfanden die Normannen eine andere Art von Gewölbe, das sogenannte Kreuzgewölbe, die nichts anderes ist als die Kreuzung zweier Tonnengewölbe. Diese Art von Gewölbe ermöglicht eine größere Rückhaltekraft des Dachgewichts.

Schließlich finden wir das Kreuzrippengewölbe am Ende der Romanik. Es ist das charakteristische Gewölbe der Spätgotik, die wir in allen gotischen Kathedralen sehen. Diese Art von Gewölbe trägt den gesamten Druck der Decke auf die Rippen, die ihn dann auf den Boden übertragen. Daher ist der Rest der Decke nur noch "ausfüllend", da er nicht mehr die tragende Funktion hat, die ihm die Romanik gab.

4. Von Starrheit zu Natürlichkeit

Die romanische Bildhauerei und Malerei versuchte nicht, die Natur genau nachzuahmen. Dies ist eine der Ideen, die wir klarer machen müssen, wenn wir schnell einen Stil vom anderen unterscheiden wollen.

In den ersten Jahrhunderten des Mittelalters war die Kunst nur ein Mittel, um Ideen auszudrücken. Natürlich wurde auf Schönheit geachtet (siehe nur die wunderbaren Miniaturen in den Codices), aber in erster Linie Romanik ist ein viel ausdrucksvollerer als dekorativer Stil. Seine Bilder, ob in Holzschnitzereien oder Fresken, vermitteln eine Botschaft; jedes Element wird nach einer festgelegten Reihenfolge, einem Schema, einer konzeptionellen Logik platziert.

Mit der Ankunft der Gotik verwandelt sich alles. Oder besser gesagt, es ist der gotische Stil, der diese Veränderung am besten ausdrückt: Nach und nach werden die Künstler daran interessiert, die Realität zu kopieren, die Welt, die sie umgibt. Es ist der Triumph des Humanismus und des Naturalismus. Schauen wir uns einige Details an, die uns helfen, diesen Prozess zu verstehen.

Die Veranden

Sowohl in der Romanik als auch in der Gotik sprechen die Fassaden von Kirchen und Kathedralen zu uns. Es ist zu bedenken, dass im Mittelalter die überwiegende Mehrheit der Bevölkerung weder lesen noch schreiben konnte. um die Bibel bekannt zu machen, wurde die Kunst als Ausdrucksmittel verwendet.

In den romanischen Portiken finden wir immer die gleiche Struktur: die Zugangstür (manchmal geteilt) in zwei durch eine reich verzierte Säule) und darüber der Halbkreis, in dem die Trommelfell. Im Tympanon sehen wir als zentrale Figur, von der aus alle anderen verteilt werden, immer den Pantokrator oder Christus in Majestät, umgeben von einer Mandorla (Mandorla auf Italienisch), die seine göttliche Essenz symbolisiert und die auch dazu dient, seine Figur in der in hervorzuheben Komposition.

Um den Pantokrator herum findet man häufig die Tetramorphs, also die Darstellung der vier Evangelisten: der Adler des Heiligen Johannes, der Stier oder Ochse des Heiligen Lukas, der Löwe des Heiligen Markus und der Engel oder Mann von and Heiliger Matthäus. Obwohl die Ikonographie um Christus variieren kann (es kann auch Darstellungen anderer Heiliger oder sogar einfache geometrische Figuren geben), ist die Der skulpturale Stil in einer romanischen Kirche wird immer derselbe sein: hieratisch, majestätisch, sich wiederholend und frei von jeglichem Repräsentationsversuch Naturforscher. Wenn wir vor einem solchen Portikus stehen, befinden wir uns vor einem romanischen Gebäude.

Auf der anderen Seite beginnt sich in der Gotik alles zu verwandeln. Die Mentalität ist nicht mehr dieselbe, es ist die Zeit der Städte, des aktiven Handels. Von der Bourgeoisie, von den ersten Bankiers. Wir haben es nicht mehr mit einer ländlichen Gesellschaft zu tun, sondern mit einer eminent urbanen. Der Individualismus beginnt seine ersten Schritte und damit die Aufwertung des Menschen und seiner Emotionen.

So, auch skulpturale Darstellungen beginnen sich zu vermenschlichen. Obwohl die Motive noch bestehen (Christus in Majestät, Heiligendarstellungen usw.), hat sich ihr Aussehen bemerkenswert verändert. In den Skulpturen gotischer Kathedralen (wie der von Chartres in Frankreich) werden die Heiligen zu Wesen aus Fleisch und Blut. Ihre Gesichter werden weich. Seine Gesten sind natürlicher. Die Falten seiner Kleidung fallen mit mehr Leichtigkeit und Realismus. Die Wiederholung von Mustern wird immer weniger eindringlich und der Künstler gewinnt allmählich eine gewisse Freiheit der Darstellung.

Die Bilder der Jungfrau

Wenn Sie die Gelegenheit hatten, eine romanische Schnitzerei der Jungfrau mit dem Kind zu sehen, werden Sie erkannt haben, dass der Künstler alles außer der Idee der Mutterschaft darstellen wollte. Maria ist keine Frau mit ihrem neugeborenen Kind, sondern nichts anderes als ein Thron für den kleinen Erlöser. Die Jungfrau ist darauf beschränkt, das Kind zu halten, interagiert aber nicht mit ihm. Jesus scheint sich der Gegenwart seiner Mutter nicht bewusst zu sein; er sieht uns an und segnet uns. Es ist kein Baby, es ist kein Kind: es ist Gott selbst.

Mit dem Vordringen der Gotik und ihrer beginnenden Natürlichkeit wandeln sich aber auch diese Darstellungen. Nach und nach wird Maria Mutter. Und in einer authentischen Mutter: Sie wird vom bloßen Sitz des Kindes zu einer Mutter, die mit ihrem Baby spielt, es streichelt, küsst, ihm Spielzeug oder Nahrung gibt. Und Jesus wiederum wird von einem fleischgewordenen Gott zu einem einfachen Kind. Er dreht sich um, sieht seine Mutter an, hebt die Hand und spielt mit seinem Umhang, windet sich in ihren Armen wie ein richtiges Baby. Es ist der Triumph der Menschlichkeit der Gotik.

Auch hier ohne Zweifel: Wenn Sie eine solche Darstellung sehen, stehen Sie vor einer gotischen Skulptur. Denn obwohl wir in der Romanik etwas "eingebürgerte" Beispiele finden, in der Gothic, die gebräuchlichste ist, dass ab dem zwölften Jahrhundert die Jungfrauen anfangen zu lächeln und die Kinder zu spielen und sich zu benehmen Kinder.

Die Geburt der Altarbilder

Die Gotik ist das Zeitalter der großen Altarbilder. Und was ist ein Altarbild? Wir könnten es definieren als ein riesiger mittelalterlicher Comic, der uns in einer Abfolge von nebeneinander gestellten Szenen eine Geschichte erzählt, entweder aus dem Leben Christi, der Jungfrau oder eines Heiligen.

In der Romanik beschränkte sich die Malerei auf Fresken (an der Wand), auf Tafel (Holz) und auf Papier (Buchminiaturen). Schon damals wurden Geschichten als "Comic" konzipiert, doch erst in der Gotik findet diese Ausdrucksform ihren großen Glanz.

Die Kirchen und Kathedralen sind mit bunten Altarbildern gefüllt, die helle und fröhliche Farben zeigenvor allem blau, rot und gold. Die darin dargestellten Figuren werden immer menschlicher, wie im Fall der oben erwähnten Jungfrauen. Die Künstler beginnen, der Landschaft, den Raumelementen, Bedeutung zu geben, was in der Romanik nicht die geringste Bedeutung hatte.

In diesem Sinne begründet der Italiener Giotto (13 Versuchen Sie es mit Perspektive und Proportionen and.

In der Ferne stehen die romanischen Tische, auf denen unterschiedliche Charaktere und Realitäten ohne jegliche räumliche Beziehung nebeneinandergestellt wurden. Die Gotik ist immer noch eine mittelalterliche Sprache und wir können sie uns nicht als Renaissancekunst vorstellen; sie bewahrt noch immer die phantastische Sprache und erhält die Vereinigung von Welten, von Himmel und Erde, von Vergangenheit und Gegenwart. Es ist noch keine naturalistische Kunst.

Aber nach und nach legen die Künstler immer mehr Wert auf die Darstellung der Realität, von der Welt, die ihre Augen sehen; und schon im 15. Jahrhundert, in der Spätgotik, waren die frühen Flamen, darunter Van Eyck, definitiv in die Darstellung der sinnlichen Wirklichkeit mit aller Fülle von Details versunken.

Wenn Sie also in eine Kirche gehen und ein wunderschönes Altarbild sehen, das alle mit Gold glänzt und Farben, mit nebeneinandergestellten Szenen wie in einem Comic und einem gewissen Hauch von Realismus stehen Sie vor einem Werk gotisch. Wenn Sie ein Gemälde sehen, das der Künstler (mit einigen Schwierigkeiten) versucht hat, a Perspektive und eine Proportion, selbst wenn es in voller mittelalterlicher Sprache dargestellt wird, werden Sie auch mit einem Gotisches Werk.

Wenn Sie stattdessen ein Fresko in der Apsis einer Kirche sehen, mit kolossalen und majestätischen Figuren, absolut flach und ohne jedes Gefühl von Raum und Proportion zwischen ihnen; Steht vor allem im Zentrum des Bildes ein prachtvoller Christus in Majestät, stehen Sie wahrscheinlich vor einem romanischen Werk.

Bibliographische Referenzen

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• Gombrich, E. H. (1997). Die Geschichte der Kunst. Madrid: Debatte.
• Gozzoli, M. C. (1980). Wie erkennt man gotische Kunst? Barcelona: Medizinische und technische Ed.
• Verschiedene Autoren, (2007). Historischer Atlas der mittelalterlichen Kultur, Mailand: Jaca Book.