Stanislavski-System: Was es ist, Eigenschaften und wie es in der Schauspielerei verwendet wird

Stanislavskis Lieblingsworte an seine Schauspielschüler seien "Ich glaube dir nicht, du überzeugst mich nicht", heißt es. Seine Art zu sehen und zu verstehen, wie Theaterkünstler agieren sollten, war anspruchsvoll, aber auch akribisch. So sehr, dass es zu einer eigenen Methode wurde: das Stanislawski-System.

Seine systematische Herangehensweise an die Schauspielerei revolutionierte nicht nur die Art und Weise, wie das Schauspiel gespielt wurde Russland seiner Zeit, schaffte es aber auch, Grenzen zu überschreiten, indem er die Richtung des Theaters änderte Western.

Diese Methode war entscheidend für die Herstellung von Theaterstücken, Serien und Filmen, wie wir sie heute kennen, und dann werden wir herausfinden, warum.

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Was ist das Stanislawski-System?

Konstantin Sergeevich Alekseyev (Moskau 1863 - 1938), besser bekannt als Stanislavski, war ein produktiver russischer Schauspieler, Regisseur und Theaterpädagoge

Bekannt als Autor einer der wichtigsten Methoden für die Geschichte der darstellenden Künste: des Stanislavski-Systems. Seine Methode, das Produkt langjähriger Bemühungen, sollte es den Akteuren ermöglichen, Aspekte der wichtigsten Aspekte zu kontrollieren immaterielles und unkontrollierbares menschliches Verhalten auf der Bühne, wie Emotionen und Inspiration künstlerisch.

Stanislawski studierte, was Schauspieler taten, die es natürlich geschafft haben, in die Rolle zu kommen. Basierend auf seinen Beobachtungen und Erfahrungen hat dieser russische Regisseur ein System geschaffen, das jeder Schauspieler, sowohl Anfänger als auch als Veteranen in diesem Beruf können sich in ihren Werken bewerben, um eine sauberere, realere und natürlich. Diese Methode war zur Zeit ihres Erscheinens so revolutionär, dass sie ein Vorher und Nachher in der Schauspielwelt markierte. Festlegung von Standards, die die Grenze zwischen einer überzeugenden Darbietung eines künstlichen und eines schlechten repräsentiert.

Diese Methode wurde zu einer Zeit formuliert, als die darstellenden Künste seiner Heimat Russland von konventionellen und stereotypen Klischees geprägt waren. Die Schauspieler agierten künstlich, ja sogar theatralisch. Die Stücke waren in eine Aura falscher Emotionalität und wenig Vorbereitung der Schauspieler getaucht, so wenig, dass sie sogar schon auf der Bühne herausfanden, was sie zu sagen hatten. Bei den Drehbüchern wurde wenig oder gar nichts angeschaut, wo herauskam, was sie hätten auswendig lernen sollen.

Stanislavski führte akribische Recherchen durch, um seine Schauspieler von Anfang an mit etwas arbeiten zu lassen, das sie als real wahrnahmen., Menschen, Elemente und Gegenstände, die nicht als bloße Elemente einer Szene, sondern als Teil einer realen, alltäglichen Szene, als Teil des Lebens selbst gesehen werden. Menschen sind keine Akteure in unserem Leben, aber wir sind ein Teil von ihnen, wir leben sie mehr, als sie zu spielen.

Um den Schauspieler dazu zu bringen, in die Szene einzutreten, die er repräsentiert, verteidigt Stanislavski den Gebrauch des emotionalen Gedächtnisses. Der Schauspieler oder die Schauspielerin muss sich an eine persönliche Erfahrung erinnern, die derjenigen ähnelt, die sie darstellen möchten, was ihnen hilft, sich stärker in das einzutauchen und involviert zu fühlen, was sie auf der Bühne darstellen möchten. Sie sollten in Ihrer Lebensgeschichte nach einer Situation suchen, in der Sie eine Emotion ähnlich der Ihres Charakters empfunden haben.

Dies wird jedoch nicht allein dadurch erreicht, dass aufrichtige Emotionen hervorgerufen werden. Es ist auch ein wenig Unterstützung von außen erforderlich, um unser Aussehen und Verhalten zu ändern, um dem Charakter Leben einzuhauchen die es darstellen oder besser zum Leben erwecken soll. Schminken, kleiden, laufen, kurz gesagt, sich wie der Charakter verhalten, seit äußerer körperlicher Akt helfen, die gesuchte Emotion auszulösen, nach dem Prinzip, dass man, wenn man anfängt zu weinen, am Ende traurig.

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Die Prinzipien des Stanislawski-Systems

Das Stanislavski-System ist ziemlich komplex und kann nicht gerade aufgrund seiner Entwicklung seit seiner Konzeption im frühen 20. Jahrhundert als statisch bezeichnet werden. Es ist jedoch möglich, einige seiner wichtigsten Prinzipien hervorzuheben, die dazu beigetragen haben, dass a vorher und nachher in der Art und Weise, wie Theaterkünstler und später Filme und Serien ihre Zeichen:

1. Konzentration auf den Charakter

Der Schauspieler muss auf die Vorstellunglernen, wie der Charakter zu denken und sich darauf zu konzentrieren, das zu sein, was er spielt.

2. Sinn für Wahrheit

Mit einem Sinn für Wahrheit könnten wir sagen, dass eine der Ideen dieser Methode darin besteht, zwischen dem Organischen und dem Künstlichen zu unterscheiden. Stanislavski glaubte fest daran, dass es in den darstellenden Künsten Naturgesetze gab, die befolgt werden mussten., die, wenn man sie respektiert, ein gutes, natürliches und harmonisches Werk von einem schlechten, künstlichen und überreagierten unterscheidet.

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3. Handeln Sie nach den gegebenen Umständen

Der Schauspieler muss gekonnt mit den im Text gegebenen Umständen umgehen, aber mit der Wahrheit und mit organischen Mitteln. Handelt von am Drehbuch festhalten, aber sich selbst befreien, indem Sie Ihre Emotionalität darstellen, dem treu bleiben, was im Drehbuch erscheint, aber der Aufführung Persönlichkeit und Natürlichkeit verleihen.

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4. Die physikalische Methode

Stanislavski sah, dass viele seiner Schüler tiefe emotionale Spannungen und psychische Probleme hatten. Durch seine Methode konnte er dazu beitragen, körperliche und emotionale Spannungen von den Schauspielern zu lösen und sie zu Sie werden während der Präsentationen ihre Muskeln lockern und viel freier agieren.

Darüber hinaus legte der russische Regisseur besonderen Wert auf den körperlichen Faktor, der nicht nur der Entspannung, sondern auch der genaueren Inszenierung diente. Aus diesem Grund ist Ihr System auch bekannt als Bewegungsmethode durch die große Betonung der Entspannung der Muskulatur während der Leistung.

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5. Aufmerksamkeitsbereiche

Die Sphären der Aufmerksamkeit meinte Stanislavski mit der Arbeit an Empfindungen. Der Schauspieler muss die sinnlichen Grundlagen der Arbeit entdecken. Ihre Aufgabe besteht darin, zu lernen, sich die Empfindungen, die Ihr Charakter fühlt, zu merken und zu erinnern die ihren Gemütszustand und ihr Verhalten gegenüber den anderen Charakteren im Stück und mit dem. modulieren öffentlich.

6. Kommunikation und Kontakt

Der Schauspieler muss in der Lage sein, spontan mit anderen Charakteren zu interagieren, ohne den Inhalt des Buches zu verletzen, aber das wirkt nicht etwas erzwungen oder künstlich vorbereitet. Die Kommunikation und der Kontakt mit den anderen Akteuren sind während der Proben und Abschlussaufführungen unerlässlich.

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7. Rollen unterteilt in Einheiten und Ziele

Künstler müssen lernen, die Rolle oder Rolle ihrer Protagonisten in sinnvolle Einheiten aufzuteilen, die getrennt arbeiten können. Es ist die Aufgabe des Schauspielers und der Schauspielerin, jede Einheit der Rolle zu definieren und sie als ihren eigenen Wunsch zu empfinden. als eine literarische Idee zu verstehen, die aus dem Libretto des Regisseurs entsteht.

8. Kreativität im Handeln und Denken

Sie können kein Schauspieler sein, ohne kreativ zu sein. Die Kreativität manifestiert sich sowohl in einem kreativen Geisteszustand als auch in der Art des Handelns.

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9. Arbeiten Sie mit dem Text des Skripts

Dieses Prinzip mag einleuchtend klingen, da es schwierig ist, ein Werk zuverlässig darzustellen, während man das Libretto völlig ignoriert. In Russland zu Beginn des letzten Jahrhunderts war dies jedoch von einigen russischen Künstlern nicht so selbstverständlich, da dass es bei vielen Gelegenheiten vorkam, dass die Drehbücher nicht gelesen wurden und sie darauf vertrauten, dass sie ihnen ihre Sätze sagen würden, während sie handelten.

Der Schauspieler muss respektieren, was er in das Drehbuch schreibt, seine Zeilen auswendig lernen und verinnerlichen, aber nicht lernen, sie zum Zeitpunkt des Stücks zu "erbrechen". Der Schauspieler muss die soziale, politische und künstlerische Bedeutung des Textes entdecken, verstehen die Ideen, die der Regisseur im Drehbuch des Stücks verewigt hat. Als Künstler muss der Schauspieler oder die Schauspielerin als Mittel dienen, um diese Werte und Visionen dem Publikum anzuvertrauen, das gekommen ist, um das Werk zu sehen.

Die Bedeutung des Stanislawski-Systems heute

Das Stanislavski-System hat sich im Laufe der Zeit weiterentwickelt. Am Anfang mussten die Schauspieler und Schauspielerinnen die Wahrheit über die Figur finden, sie als eine echte Einheit behandeln. Allerdings mit der Zeit die Praxis, in seiner eigenen Erfahrung die Ressourcen zu finden, die es ihm ermöglichen, zu fühlen, was sein Charakter fühlt, wurde integriert in jeder Situation.

Heute ist es selbstverständlich, dass der Schauspieler nicht nur verstehen muss, was mit seinem Charakter im Inneren passiert die Arbeit, sondern muss auch wissen, in welcher Lebenslage sie sich befindet und unter welchen Umständen sie umgeben. Wenn der Schauspieler dies weiß und in seinem eigenen Fleisch lebt, wird er in der Lage sein, auf die gleiche Weise zu reagieren, wie es von seinem Charakter erwartet wird, und die Aufführung so natürlich wie möglich zu gestalten.

Dies ist ein ganzes Stück weiter gegangen und hat die aktuelle Tatsache erreicht, dass viele Künstler leben ihren Alltag so, wie sie denken, dass ihr Charakter es tun würde. zum Beispiel, dass seine Figur ein Bauer ist, der auf dem Land lebt, denn dann geht der Schauspieler für eine Saison auf einen Bauernhof und lebt, als wäre das sein Beruf im wirklichen Leben. Im Laufe der Jahre fügten verschiedene Interpretationsschulen bestimmte Praktiken hinzu Stanislavski-System, das im Laufe der Zeit zu dem wird, was in der Schauspielwelt als "the ." bekannt ist Methode".