Kubismus: was es ist und Merkmale dieser künstlerischen Bewegung

1907 vollendete Picasso seine Leinwand. Les Demoiselles d’Avignon (Die Damen von Avignon). Viele sehen in der Malerei den Beginn des Kubismus, obwohl es sich eher um ein fast experimentelles Werk handelt, in dem Picasso mit verschiedenen Elementen spielt: Gesichter, die wie Masken aussehen, "gebrochene" und fragmentierte Perspektive, willkürliche Farben... Alle diese Elemente wurden jedoch bereits zuvor verwendet, sodass sie im Prinzip keine Neuheit implizierten sich.

Der Kubismus selbst entstand erst später, als durch den sogenannten analytischen Kubismus die Formen verfeinert und die emotionale Subjektivität der Malerei vollständig eliminiert wurde. Aber fangen wir am Anfang an. Was ist Kubismus? Sehen wir es uns als nächstes an.

kubistische Merkmale

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts war die Avantgarde gewaltsam in die europäische Kunstszene eingedrungen. 1905 haben wir die Fauves-Künstler im Salon d'Automne in Paris und ein paar Jahre später nehmen die deutschen Expressionisten die chromatische Kraft dieser Fauves und erschaffen ihre eigene Sprache. All diesen Künstlern gemeinsam war ihre Leidenschaft und die hohe emotionale Aufladung ihrer Kompositionen.

Kubismus ist jedoch etwas anderes. Tatsächlich distanzieren sich die Kubisten von den Expressionisten und Impressionisten (die sich nur mit der Subjektivität des Bildes beschäftigen) und Fokus auf Form und Struktur. Auf diese Weise bleibt die Farbe, die sowohl den Impressionisten als auch den Fauves so wichtig war, erhalten in einen strengen hintergrund verbannt: die kubisten interessieren sich fortan nur noch für die komposition der Bände.

Die Kubisten propagierten eine „intellektuelle“ Kunst. Mit anderen Worten, eine Kunst, die sich nicht auf das Aufzeichnen der Realität beschränkt, sondern diese durch akribische Läuterung sorgfältig strukturiert nur das Nötigste zu lassen. Die Malerei musste also aus dem „Gehirn“ herauskommen und nicht aus der Emotion, wie es bei den Expressionisten der Fall war. Diese neue Kunst hätte, wie Guillaume Apollinaire in seiner feststellte ästhetische Meditationen (1913) die Geometrie als Grundlage, so wie die Grammatik die Grundlage des Schreibens war.

• Verwandter Artikel: "Gibt es eine Kunst, die objektiv besser ist als eine andere?"

Der Hintergrund des Kubismus

Wie immer entsteht eine neue Kunst nicht aus dem Nichts. Künstler beeinflussen sich gegenseitig und schaffen ästhetische Strömungen, die ständig verfolgt und verworfen, geformt, angepasst, neu erfunden werden. So, Wir finden zwei Maler, die klare Vorläufer des Kubismus sind: Georges-Pierre Seurat (1859-1891) und Paul Cézanne (1839-1906).

Von Anfang an übernahmen die Kubisten das Konzept des Divisionismus. In diesem Sinne waren sie nicht die ersten: die fauves sie waren schon einige Jahre zuvor von Seurat inspiriert worden. Der "seuratische" Divisionismus befürwortete die Annäherung von Farben, ohne sie zu mischen, so dass die Person, die für die Erstellung des endgültigen Bildes verantwortlich war, das Auge des Betrachters war. Ab der zweiten nahmen die Kubisten ihr Interesse an der Überwindung des Impressionismus durch eine solide Malerei definierter Formen und auch einer gewissen Geometrisierung dieser Formen auf.

Wenn es darum geht zu verstehen, woher der Kubismus stammt, darf man den historischen Kontext nicht vergessen, der ihn geprägt hat. Daher ist es untrennbar mit wissenschaftlichen Entdeckungen in Fächern wie Optik, Physik und Chemie verbunden. Die Relativitätstheorie (1905) von Albert Einstein hatte einen starken Einfluss auf kubistische Künstler, da er die Gültigkeit der Konzepte von Raum und Zeit in Frage stellte.

Andererseits das Aufkommen des sogenannten „Primitivismus“, also der Anziehungskraft auf Demonstrationen künstlerische Formen der Völker Afrikas oder Ozeaniens, besonders beeinflusst von Künstlern wie Pablo Picasso (1881-1973). Henri Matisse, der unangefochtene Führer der Fauves, hatte einem jungen Picasso die Magie von gezeigt Afrikanische Masken und ihre abgeflachten und runden Formen hätten einen starken Einfluss auf die Arbeit der Málaga.

• Das könnte Sie interessieren: "Die 7 schönen Künste"

Die zwei kubistischen Stufen

Kunsthistoriker unterscheiden hauptsächlich zwei Stadien im Kubismus: Analytischer Kubismus, der sich dazwischen entwickeln würde den Jahren 1909 und 1910 und dem synthetischen Kubismus, der Ende 1910 das Licht der Welt erblicken sollte, nachdem der erste bereits verblasst war. Zu diesen zwei, sagen wir, „kanonischen“ Stufen könnten wir eine dritte hinzufügen, die eigentlich die Präambel der anderen beiden wäre, die wir primitiven oder intuitiven Kubismus nennen könnten. Aber gehen wir in Teilen vor.

Die Anfänge des Kubismus

1907 findet im Salon d'Automne in Paris eine Retrospektive des im Vorjahr verstorbenen Paul Cézanne statt. Die Ausstellung beeindruckt drei junge Künstler: Picasso, Georges Braque (1882-1963) und Fernand Léger (1881-1955). In Cézannes Malerei sahen sie den Beginn einer neuen Kunst, einer Kunst, die die impressionistische Vergänglichkeit verschmähte und nach einer „wahren“ Kunst suchte, die die Zeit überdauerte. Dies gelang dem Maler durch gewisse formale Widersprüche: Er stellte alle Flächen des Objekts gleichzeitig dar, und damit im Bild seine vollständige Realität eingefroren. Cézanne „brach“ die Form und strukturierte sie neu. Die Kubisten würden noch weiter gehen und die klassische Perspektive vollständig zerstören. Ein Objekt würde nicht mehr nur aus einem einzigen Blickwinkel gesehen, sondern aus mehreren gleichzeitig.

Picasso und Braque, angesteckt vom Enthusiasmus dieser Entdeckung, begannen sich an dieser neuen und „endgültigen“ Kunst zu versuchen. In dieser Zeit müssen wir uns positionieren Die Damen von Avignon, wo Picasso mit authentischer Vehemenz experimentiert. Die Werke dieser Zeit sind noch nicht analytisch und strahlen eine intuitive Leidenschaft aus, die sie noch nicht vollständig kubistisch macht.

Analytischer Kubismus

Die nächste Stufe des Kubismus ist der sogenannte analytische Kubismus. In dieser Zeit wurden die offensichtlichen Emotionen der vergangenen Jahre "überwunden" und eine ausschließlich "zerebrale" Ausführung befürwortet. So, das objekt ist endgültig „zerbrochen“, es wird seziert, es wird analysiert. Auf der Oberfläche des Gemäldes erscheinen alle Ebenen des Objekts, kommen zusammen und überlagern sich. Somit verschwindet die Figur und der Betrachter kann nicht erkennen, was er betrachtet. Es ist jedoch kein abstraktes Gemälde: Es stellt ein Motiv dar, aber auf eine andere Weise als wir es gewohnt sind.

Einige Beispiele für diesen analytischen Kubismus sind die Porträt von Ambroise Vollard (1910), von Picasso, oder die Frau mit Mandoline (1910) von Georges Braque.

In diesem Stadium verliert die Farbe ihre privilegierte Stellung und die Töne konzentrieren sich auf Ocker und Grau.

Synthetischer Kubismus

Ende 1910 begann sich der analytische Kubismus abzunutzen und die zweite Art des Kubismus, der synthetische, gewann an Stärke. Diese zweite Stufe ist gekennzeichnet durch das Fehlen einer Analyse und damit des „Zerbrechens“ des Objekts., die durch eine Zusammenfassung derselben durch die Darstellung verschiedener Ebenen in der Art von Cézanne ersetzt werden. Außerdem kehrt die Farbe mit ungewöhnlicher Kraft auf die Leinwände zurück. Einige Beispiele aus dieser Zeit sind Mandoline und Gitarre (1924), von Pablo Picasso, oder das offene Fenster (1921) von Juan Gris (1887-1927), einem der herausragendsten Maler dieser Zeit.

Der synthetische Kubismus ist berühmt dafür, Elemente in die Kunst eingeführt zu haben, die ihm im Prinzip fremd waren. An erster Stelle steht die Collage, also das Einbringen realer Alltagselemente in die Malerei, von denen die Stillleben mit Mesh-Stuhl, von Picasso, die als erste künstlerische Collage gilt. Zweitens die Anrufe papiers collés, auf die Leinwand geklebte Papiere, auf denen sie malten; und schließlich das Hinzufügen von Schriftarten in den Gemälden, wie die aus einer Zeitschrift ausgeschnittenen Buchstaben.

Kubismus für die Nachwelt

Während der Phase des synthetischen Kubismus wurden die Grundlagen der kubistischen Ästhetik gelegt. 1912 veröffentlichten Jean Metzinger (1883–1956) und Albert León Gleizes (1881–1953). des Kubismus, ein Aufsatz, der versuchte, die Grundlagen zu legen, auf denen die Bewegung basierte. Jedoch, Ist ästhetische Meditationen. Kubistische Maler (1913) von Guillaume Apollinaire, der Text gilt als eine Art Manifest des Kubismus.

Schließlich würden diese Künstler den Namen von derselben Figur erhalten, die die Bewegung getauft hat fauv: Louis Vauxcelles, Kunstkritiker, der bei der Betrachtung von Braques Werk feststellte, dass der Maler Formen „misshandelte“ und alles auf „Würfel“ reduzierte. Ein großer Charakter, dieser Vauxcelles: Er trägt die Nomenklatur zweier Avantgarden hinter sich.