Die 10 wichtigsten Barockkünstler

Es ist schwierig, wenn nicht sogar unmöglich, 10 Künstler aus den großen Namen auszuwählen, die uns die Barockzeit beschert hat. In diesem Artikel werden wir es jedoch versuchen. wir bieten dir eine Liste der 10 besten Barockkünstler, die wahre Genies der Malerei, Bildhauerei und Architektur waren, zusammen mit seiner (oft ereignisreichen) Biographie.

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Barockkünstler, die Sie kennen sollten

Natürlich gibt es noch viele mehr. Der Barock ist eine Bewegung, die der Kunst Glanz verliehen und der Nachwelt illustre Namen wie Velázquez, Rubens oder Bernini hinterlassen hat. Hier hinterlassen wir Ihnen nur 10 dieser wichtigsten Künstler, aber wir empfehlen Ihnen, nachzuforschen, um die anderen Barockkünstler kennenzulernen, die noch in der Pipeline sind. Genießen Sie die Tour!

1. Diego Velázquez

Diego Rodríguez de Silva Velázquez (1599-1660) ist zweifellos einer der größten Vertreter des Barock. Er wurde Ende des 16. Jahrhunderts im kosmopolitischen Sevilla geboren, einem der dynamischsten Wirtschafts- und Kunstzentren Europas. Schon in seiner Jugend, frisch aus der Werkstatt von Francisco Pacheco (mit dessen Tochter er übrigens verheiratet war), beweist Velázquez ein seltenes Talent, das sich in Werken wie dem zeigt

Alte Frau, die Eier brät (1618) bzw Der Wassermann von Sevilla (1620). Das außergewöhnliche Porträt von Jerónima de la Fuente, das angefertigt wurde, als der Maler erst 21 Jahre alt war, ist ein wunderbares Beispiel dafür die angeborene Meisterschaft des Künstlers darin, die Psychologie seiner Motive einzufangen.

Im Alter von 24 Jahren finden wir Velázquez in Madrid, wo er mit Hilfe seines Schwiegervaters und einiger seiner Kontakte Felipe IV. vorgestellt wird. Bald bemerkt der Monarch, dem die künstlerische Qualität nicht gleichgültig ist, seine Arbeit. Für diesen Monarchen und seinen Kreis schuf der Künstler authentische Meisterwerke, wie die Porträtserie von Felipe IV, das prächtige Reiterporträt des Grafenherzogs von Olivares oder das hochgelobte Las Meninas, ausgeführt bereits in seiner künstlerischen Vollendung.

Rubens, den er persönlich getroffen hat, bittet Felipe IV, Velázquez nach Italien zu schicken. Diese erste Reise auf die italienische Halbinsel vermittelt dem Künstler das Wissen der Klassiker und der Meister der Renaissance. Das Ergebnis seiner Italienreise ist sein Werk Vulkans Schmiede (1630), eines der ganz wenigen Gemälde mit mythologischem Thema, das wir in seinem Bildkorpus finden. Während seines zweiten Aufenthalts in Italien machte er den einzigen Akt in seinem Werk, die Spiegel-Venus (1647-1651), das neben dem auch einer der wenigen Akte in der spanischen Malerei sein wird Goyas Stößel.

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2. Gian Lorenzo Bernini

Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) ist eine jener überwältigenden Künstlerpersönlichkeiten, die von Zeit zu Zeit in der Kunstgeschichte auftauchen.

Bekannter Bildhauer, aber auch Maler und Architekt, wurde er wegen seiner vielen Facetten, die alle mit großer künstlerischer Qualität ausgeführt wurden, oft mit Michelangelo verglichen. Der junge Gian Lorenzo war in der Werkstatt seines Vaters, der Bildhauer war, ausgebildet worden und zeigte bald sein angeborenes Talent. Die von Kardinal Borghese in Auftrag gegebenen Bildhauergruppen machen ihn zu einem der besten Bildhauer seiner Generation. In einigen dieser Werke, wie z Die Entführung von Proserpine entweder Apollo und Daphnezeigt der Künstler seine ganze Meisterschaft mit dem Meißel. Die Skulpturen präsentieren einen beeindruckenden Realismus und erzeugen eine außergewöhnliche Bewegungsillusion.

Bernini entwickelt sein künstlerisches Korpus im Auftrag von nicht weniger als sieben Päpsten. Ab 1629 und im Alter von nur 31 Jahren übernahm Bernini die Verantwortung für das größte Denkmal der Christenheit: die Basilika San Pedro, dessen Reform ein paar Jahrhunderte zuvor begonnen hatte und authentische Genies wie Michelangelo, Raphael und eingeschlossen hatte Schnur. Bernini kümmert sich auch um den beeindruckenden Baldachin aus massiver Bronze, der den Hauptaltar der Basilika schmückt des Stuhls von San Pedro (ebenfalls in Bronze) sowie die nicht minder beeindruckende Plaza de San Pedro und ihre Kolonnade. Das barocke Rom, das von Papst Urban VIII. an die Spitze gehoben wurde, ist zum Teil seiner produktiven und erstaunlichen Arbeit zu verdanken.

3. Peter Paul Rubens

An die Malerei des Barock zu erinnern, bedeutet für viele, an Rubens (1577-1640) zu denken. In der Tat, Er war ein produktiver Maler, der zahlreiche Schüler und Assistenten in seiner Werkstatt hatte um der enormen Nachfrage nachzugeben, die es erhielt. Alle Adelshäuser wollten ein Werk von Rubens. Und zu seinen größten Kunden gehörte die spanische Krone der Habsburger.

Peter Paul Rubens wurde in Westfalen, im heutigen Deutschland, geboren. Bald ließ er sich in Antwerpen nieder, wo er von manieristischen Künstlern eine malerische und humanistische Ausbildung erhielt. Nach einem Aufenthalt in Italien und später in Spanien, wo er das berühmte und beeindruckende Porträt anfertigte Reiter des Herzogs von Lerma, vertraut von König Felipe III, ließ sich Rubens in Antwerpen nieder und heiratete Isabel Brant. In diesen Jahren war der Künstler auf dem Höhepunkt seines Ruhms und fertigte beeindruckende Gemälde zu religiösen Themen und der Erhebung der Monarchie an. Aber wahrscheinlich Die Gemälde, an die man sich am besten an Rubens erinnert, sind diejenigen, die sich mit mythologischen Themen befassen.

Der Künstler hatte eine solide humanistische Ausbildung, verstärkt durch seine Reisen nach Italien, und er verstand es, dieses Wissen auf seine Leinwände zu übertragen. Sie zeichnen sich durch ihre exquisiten Farben und ihre sinnlichen Pinselstriche aus. Die drei Grazien (1639), ein Werk ziemlich spät in seiner Produktion, das die Darstellung seiner zweiten Frau, Helena Fourment, enthält; Die Entstehung der Milchstraße (1636-38) und Das Urteil von Paris (1638).

4. Anton Vandyk

Anton Van Dyck ist einer der ganz Großen der englischen Barockmalerei. Er wird von vielen Autoren als Schüler von Rubens angesehen, aber dies ist immer noch umstritten. Die Tatsache, dass beide Maler bei den erhaltenen Aufträgen identische Honorare erhielten, lässt vermuten, dass Van Dyck mehr als ein Schüler sein Mitarbeiter war.

Obwohl er in allen Bereichen ein außergewöhnlicher Maler ist, Van Dyck ist besonders für seine Porträts bekannt.. Charles I. von England, fasziniert von seiner Arbeit, ruft ihn an seine Seite und ernennt ihn 1632 zum Kammermaler, so dass Flame sich niederlässt dauerhaft in London und heiratete Mary Ruthwen, von der er 1639 ein entzückendes Porträt anfertigte, auf dem die Dame in Seide gekleidet erscheint blaues Kleid. Mary litt an Alopezie, und ihr Mann verbirgt diesen "Fehler" nicht in seinem Porträt. Er stellt die junge Frau jedoch mit einer Süße und Würde dar, die für seine Werke charakteristisch sind, in denen sich die Realität der Figur mit einem Hauch von Eleganz und Raffinesse vermischt.

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5. Artemisia Gentileschi

An eine der berühmtesten Barockmalerinnen, Artemisia Gentileschi (1593-1656), erinnert man sich jedoch fast ausschließlich an die traurige Episode ihrer Vergewaltigung. Bereits mit 17 Jahren produzierte er sein erstes großes Werk, Susanne und die Alten (1610), wo er die bekannte Bibelstelle realistisch und plakativ illustriert.

In der Werkstatt ihres Vaters Orazio Gentileschi ausgebildet, stellt er ihr im Alter von 18 Jahren eine Privatlehrerin zur Verfügung, da Artemisias Status als Frau sie daran hinderte, eine Akademie zu besuchen. Dieser Erzieher, Agostino Tassi, missbraucht sie sexuell, sodass der Vater den Verbrecher vor Gericht bringt. Artemisia (die in Wirklichkeit das Opfer ist) wird einem demütigenden Verhör unterzogen, einem beschämenden gynäkologische Untersuchung und schließlich zu einer mehr als entsetzlichen Folter, um was zu "verifizieren". WAHR. Artemisia behauptet sich und Tassi wird zu einem Jahr Gefängnis und Verbannung verurteilt.

Es wurde kommentiert, dass eines der berühmtesten Werke des Künstlers, Judith enthauptet Holofernes (1612-13), ist eine Art Rache, ein Wutschrei, der in alle Winde geschleudert wird, um dem Schmerz Luft zu machen, den ihm diese Episode seines Lebens zugefügt hat. Wir wissen nicht, ob es genau so war, aber sicher ist, dass die Leinwand eine herzzerreißende Rohheit hat, und wahrscheinlich übertrifft das gleichnamige Werk von Caravaggio, von dem Artemisia übrigens seinen Tenebrismus und das Prächtige und Überwältigende übernommen hat Chiaroscuro.

6. Francesco Borromini

Die Biografie von Francesco Castelli (1599-1667), der später seinen Nachnamen in Borromini änderte, ist berühmt für sein tragisches Ende. Am Morgen des 2. August 1667 stürzte sich der wohl in eine schwere Depression versunkene Künstler auf sein Schwert. mit ihm verblasst eines der hellsten Lichter des italienischen Barock.

Als ewiger Feind von Gian Lorenzo Bernini war Borrominis Leben ein ständiger Kampf, um an der Spitze zu bleiben. Rom war damals das Epizentrum der europäischen Kunst. Die Päpste folgten einander und gaben nacheinander Aufträge in der Absicht, die Ewige Stadt zu verschönern und sie zu einem lebendigen Symbol der Gegenreformation zu machen. Francesco Borromini kam im Alter von nur 20 Jahren nach einem Aufenthalt in Mailand, wo er am Dom gearbeitet hatte, in die Papststadt. In Rom begann Borromini zusammen mit seinem späteren Rivalen Bernini mit der Arbeit am Petersdom und später am Barberini-Palast.

Viele Autoren haben sich gefragt, was der wahre Grund dafür war, dass der große Künstler sein Leben beendete. Es scheint, dass Borromini einen melancholischen Charakter hatte, der sich im Laufe der Jahre verstärkte, als er sah, dass die wichtigsten päpstlichen Befehle auf seinen Feind fielen. Es ist mehr als wahrscheinlich, dass ihn dies zusammen mit seiner eigenen emotionalen Instabilität und dem Tod seines Freundes und Vertrauten Fioravante Martinelli, wie wir bereits gesagt haben, in eine schwere Depression gestürzt hat. Wie dem auch sei, am 2. August 1667 verlor die Welt einen der größten Barockkünstler, der unter anderem Autor der prächtigen Kirche San Carlo alle Quattre Fontane in Rom war.

7. Michelangelo Merisi (Caravaggio)

Michelangelo Merisi, besser bekannt als „Il Caravaggio“ (1571-1610), ist ein weiterer jener Künstler, der uns wie Vermeer einige Beispiele seiner großartigen Arbeit hinterlassen hat. Tatsächlich gibt es wenige caravaggios die in der Welt erhalten sind, teilweise aufgrund seines flüchtigen Durchgangs durch die Welt (er starb im Alter von 39 Jahren). Caravaggio Er ist unter anderem dafür berühmt, der „Erfinder“ des Tenebrismus zu sein, ein Effekt von Kontrasten zwischen Hell und Dunkel, der all seinen Persönlichkeiten einen Stempel aufdrücken würde Gemälde, und das würde von anderen Künstlern nachgeahmt werden, darunter die ebenfalls große Artemisia Gentileschi.

Als Caravaggios Familie nach Rom zog, begann der junge Mann eine Ausbildung in bescheidenen Malerwerkstätten. Sein erstes bekanntes Hauptwerk ist die Junge beim Obstschälen, aus dem Jahr 1592, hergestellt, als Caravaggio mit Monsignore Colonna zusammenlebte, den der junge Maler aufgrund der wenig abwechslungsreichen Ernährung, die ihm der Geistliche anbot, den Spitznamen „Monsignore-Salat“ gab. Viele Autoren haben auf die möglichen sexuellen Gefälligkeiten hingewiesen, die die jungen Maler im Austausch für ein Zuhause und Schutz gaben. Die Tatsache ist ungewiss, aber es ist eine durchaus plausible Möglichkeit. Tatsächlich glitt Caravaggios Leben immer durch die untersten und schattigsten Abgründe der Gesellschaft.

Aus diesen Umgebungen nahm er die Vorlagen für seine Gemälde, und aus diesem Grund finden wir in seinen Werken jenen Hauch von Realität und Naturalismus, der uns bewegt. Tatsächlich wurden einige seiner Werke von ihren Förderern wegen ihres betonten Naturalismus abgelehnt, was gegen das "decorum" (die Bezeichnung für die korrekte Darstellung der Szenen) gesündigt religiös). Ein bekannter Fall ist Der Tod der Jungfrau (1604), für das Caravaggio eine im Tiber ertrunkene Prostituierte modellierte.

Caravaggio selbst entging dem schädlichen Einfluss der zwielichtigen Kreise, in denen er sich aufhielt, nicht. Berühmt für seine Raufereien und seine heftige Trunkenheit, tötete er 1607 einen Mann in einem Handgemenge und musste aus Rom fliehen. Von da an wird sein Leben bis zu seinem eigenen Tod im Jahr 1610 eine kontinuierliche Pilgerfahrt sein.

8. Luisa Roldán („La Roldana“)

Luisa Roldán (1652-1706) ist einer der Frauennamen, die in der Kunstgeschichte mit goldenen Lettern eingerahmt werden sollten. In den Büchern zu Unrecht vergessen, leitete Luisa, wie die meisten ihrer Weggefährten, Mitte des 17. Jahrhunderts eine Bildhauerwerkstatt. Geboren im hektischen und dynamischen Sevilla des 17. Jahrhunderts, das auch andere Größen wie Velázquez oder Murillo trainierte, lernte er in der Werkstatt seines Vaters Pedro Roldán. In den ersten Jahren schuf Luisa imposante lebensgroße Figuren nach den Richtlinien der katholischen Gegenreformation; die meisten von ihnen sind für andalusische Prozessionen bestimmt. Berühmt ist es auch für die Herstellung von Terrakottafiguren für die damals so angesagten Krippen im neapolitanischen Stil.

Luisa lebte mit ihrem Mann in Sevilla (den sie im Alter von 19 Jahren ohne elterliche Zustimmung geheiratet hatte) bis 1686, dem Jahr, in dem sie nach Cádiz zogen. Die Stufe der Fülle von Luisa Roldán ist jedoch ihre Stufe in Madrid, einer Stadt, in der sie 1689 in Begleitung ihres Mannes und ihrer Kinder ankam. 1692 kommt die langersehnte Ernennung: König Carlos II ernennt sie zum Kammerbildhauer. Aus dieser Madrider Zeit stammen seine kleinformatigen Terrakottaarbeiten, die adeligen und bürgerlichen Familien zur privaten Andacht bestimmt sind. Wie bei den meisten Künstlerinnen wurde bis vor kurzem ein Großteil ihrer Arbeit ihrem Vater oder Ehemann zugeschrieben. Glücklicherweise haben kürzlich neue Studien die Punkte auf das i gesetzt und die produktive Produktion dieses sevillanischen Künstlers, einer der großen Bildhauer des hispanischen Barock, demonstriert.

9. Bartolomé Esteban Murillo

Wenn man sich auf allgemeiner Ebene an etwas an diesen hervorragenden Künstler des spanischen Barocks erinnert, dann an seine Unbefleckte Empfängnis und seine wunderschönen Kinder Jesus und Johannes.

Tatsächlich ist das Werk von Murillo (1617-1682) entflieht der berühmten barocken Monumentalität und entführt uns in eine Welt intimer Süße das scheint dem strengsten Alltag entsprungen. Ein großartiges Beispiel für diesen „Herabstieg des Religiösen zur Erde“, der wiederum typisch für die barocke Sprache ist, ist sein berühmtes Gemälde Die Heilige Familie des kleinen Vogels, wo uns eine gewöhnliche Familie gezeigt wird, die den täglichen Aufgaben ausgeliefert ist. Die Jungfrau im Hintergrund sieht zu, wie der heilige Josef mit dem Kind spielt. Nichts in der Szene sagt uns, dass die Charaktere Heilige sind oder dass das Kind ein Kind Gottes ist. Es ist eine Momentaufnahme einer gewöhnlichen Familie im Spanien des 17. Jahrhunderts. Und das ist der wahre Wert von Murillos Arbeit.

Der sevillanische Künstler sammelt in seinem Werk parallel zum charakteristischen barocken Naturalismus auch eine Raffinesse, die geradezu die Rokoko-Ästhetik des folgenden Jahrhunderts ankündigt. Seine naturalistischen Gemälde extrahieren die Motive und Charaktere aus dem Alltag, wie es Caravaggio und Velázquez taten. auf seiner Leinwand Kinder, die Trauben und Melone essen, sehen wir zwei kleine Jungen, die mit dem Verzehr von Obst unterhalten werden, möglicherweise eines der wenigen Lebensmittel, zu denen sie in einigen Tagen Zugang haben werden. Seine schmutzigen kleinen Füße und zerrissenen Kleider sind realistische Noten, mit denen Murillo auf die Armut der Jungen hinweist. Auf der anderen Seite posieren gleichzeitig seine berühmten Unbefleckten Empfängnis, Symbol der Gegenreformation Monumentalität und Süße, und die Gesichter dieser Jungfrauen gehören zu den schönsten der Welt Spanische Malerei.

10. Johannes Vermer

Vermeer (1632-1675) ist neben Caravaggio einer der Maler, der uns das kleinste künstlerische Werk hinterlassen hat. Kaum dreißig Werke sind in den besten Museen der Welt verbreitet, aber diese sind knapp Genügend Produktion, um zu erkennen, dass wir es mit einem der großen Genies der Malerei zu tun haben Universal.

Johannes Vermeer wurde im Herbst 1632 in Delft geboren. In jenen Jahren waren die sogenannten Vereinigten Provinzen bereits unabhängig von der spanischen Krone und im Land es entwickelt sich eine außergewöhnliche künstlerische Produktion, die als das Goldene Zeitalter der Länder bezeichnet wird Niedrig. Die großen Gönner waren, anders als in katholischen Ländern, die Bürger und Kaufleute der Städte. Deshalb finden wir in Holland eine andere Bildsprache, die nichts mit dem Südbarock zu tun hat.

Die niederländische Bourgeoisie, die ebenfalls protestantisch war, wollte keine großen Leinwände biblischer Apotheose, sondern bevorzugte Szenen alltäglicher Intimität. Und darin war Vermeer ein wahrer Meister.

Vermeerische Interieurs sind exquisit, obwohl sie fast alle im selben Raum stattfinden, von dem sich nur die Position der Elemente ändert. In all seinen Werken Die Charaktere scheinen überrascht zu sein, während sie ihren täglichen Aktivitäten nachgehen. Wir sehen eine junge Frau, die in das Lesen eines Briefes in dem Stück vertieft ist Mädchen liest einen Brief (1657), die unsere Anwesenheit nicht bemerkt hat, oder eine andere junge Frau, die, den Kopf auf die Hand gestützt, ein kurzes Nickerchen macht (schlafendes Mädchen, 1657). In allen Werken Vermeers haben wir das Gefühl, eine Welt zu betreten, die uns nicht gehört.