Die 10 wichtigsten künstlerischen Strömungen: Was sind sie?

Gombrich sagte in seiner großartigen Kunstgeschichte, dass es keine Kunst gibt, sondern nur Künstler. Bis zu einem gewissen Grad ist dies völlig richtig, da jeder Schöpfer aus seiner eigenen Welt drückt, einzigartig und nicht übertragbar. Allerdings ist es nicht weniger wahr, dass Künstler ihrer Zeit nicht entfliehen können. Jeder künstlerische Ausdruck unterliegt daher einem spezifischen Kontext, und egal wie sehr der Künstler versucht, sich davon zu distanzieren, er bleibt diesem mehr oder weniger stark unterworfen.

Als nächstes werden wir eine praktische Zusammenfassung der wichtigsten künstlerischen Strömungen in der Kunstgeschichte erstellen. Dieser Artikel ist nur eine grundlegende Übersicht; Denken wir daran, dass nichts schwarz oder weiß ist und dass es eine Vielzahl von Nuancen gibt. Alle Kulturen und alle Zeiten haben Kunst auf die eine oder andere Weise zum Ausdruck gebracht.

Es ist schwierig, in einem so kleinen Artikel die wesentlichen Merkmale aller zusammenzufassen, aber wir werden versuchen, sie anzugeben Ein Überblick, der praktisch sein kann, wenn es darum geht, die Entwicklung der Kunst im Laufe der Geschichte zu verstehen. Sagen Sie das mal so

Wir haben den Artikel auf die westliche Kunst konzentriert, da es völlig unmöglich ist, den universellen künstlerischen Ausdruck auf so kleinem Raum zusammenzufassen.. Wir hoffen, dass Sie es nützlich finden.

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Was ist eine künstlerische Strömung?

Künstlerische Strömungen (auch als künstlerische Bewegungen bekannt) sind die Gesamtheit der Schöpfungen, die Sie teilen den Kontext und eine Reihe ästhetischer Merkmale sowie ideologische Ziele bestimmt. Dieser Definition folgend könnte man die künstlerische Strömung auch als die Kunst bezeichnen, die von den großen antiken Kulturen wie Ägypten, Griechenland oder Mesopotamien geschaffen wurde.

Dies ist jedoch nicht ganz richtig. In den oben genannten Zivilisationen gab es keine andere Möglichkeit der Schöpfung; Es war der echte Ausdruck der Kultur als Ganzes, daher ist es etwas riskant, es als künstlerische Strömung zu bezeichnen. Daher beginnen wir unsere Reise in den letzten Jahrhunderten des Mittelalters, als die verschiedenen Kulturelle Bewegungen beginnen schnell aufeinander zu folgen und gipfeln im Stilmosaik des 19. Jahrhunderts und im zwanzigsten

1. die Romanik

Die Romanik ist vielleicht der erste vollständig europäische Stil mit einigen sehr spezifischen globalen Merkmalen.. Und obwohl es wahr ist, dass es kein so homogener Stil war wie andere spätere Strömungen wie der Barock oder der Die Romantik hat zwar in allen Breitengraden Europas eine Reihe von Elementen gemeinsam, die sie mehr oder weniger zu einem Stil machen kompakt.

Die Romanik entstand etwa im 11. und 12. Jahrhundert in Burgund; genauer gesagt in der Abtei von Cluny. Von dort aus verbreitete es sich im übrigen Europa, wo jedes Gebiet seine eigenen Merkmale aufwies. Wir können keine vollständige Analyse dessen erstellen, was die Romanik ist, aber wir können zusammenfassen, dass sie architektonisch gesehen römische Bauelemente umfasst (daher die (Name, der ihm im 19. Jahrhundert gegeben wurde) und dass seine Grundlagen neben vielen anderen Elementen der Rundbogen, das Tonnengewölbe und das Kreuzgratgewölbe sind konstruktiv.

Die architektonische Romanik folgt dem Bedürfnis nach Vereinheitlichung der Liturgie in Europa und der Entstehung sogenannter Wallfahrtskirchen mit einer ganz bestimmten Struktur. In romanischen Bauwerken Die Skulptur ist in der Regel der Architektur untergeordnet, und auf den Trommelfellen und den Archivolten der Türen finden wir eine größere Fülle skulpturaler Verzierungen.

Andererseits greift die romanische Malerei auf byzantinische Ikonen zurück, die mit den Kreuzzügen aus dem Osten kamen, sowie auf mozarabische Miniaturen. Es handelt sich um hieratische Gemälde, sehr unrealistisch, deren Hauptziel darin bestand, eine Botschaft zu vermitteln und nicht die Realität zu kopieren. Aus diesem Grund gibt es in romanischen Bildräumen weder Perspektive noch Volumen, sondern irdische Elemente vermischen sich mit Himmel und Hölle, getrennt durch leuchtende Farbstreifen.

2. die Gotik

Der nächste vollständig europäische Stil war die Gotik. Besonders einheitlich war die sogenannte Internationale Gotik, die sich im 14. Jahrhundert entwickelte und die byzantinischen goldenen Hintergründe mit ideal stilisierten Figuren wiedererlangte. In der Gotik beginnen die Darstellungen von der Realität durchdrungen zu werden und die Figuren tendieren dazu, menschlicher zu werden. Es ist die Zeit der Städte, des geschäftigen Treibens, der großen Kathedralen. Die gotischen Jungfrauen beginnen, echte Mütter zu sein, weit entfernt von den hieratischen Theotokos-Jungfrauen oder Jungfrauen des Throns, die nicht mit dem Kind interagierten. Auf der anderen Seite werden die Gekreuzigten, sowohl in der Malerei als auch in der Skulptur, naturalisiert und beginnen, Schmerz zu zeigen.

Das charakteristischste Element der Gotik sind natürlich die Kathedralen. Die architektonische Sprache dieser Gebäude ist sehr neuartig; Dennoch beschrieb Giorgio Vasari im 16. Jahrhundert diese Bauwerke als „barbarisch“ (gotisch). Strebepfeiler und Strebepfeiler vermehren sich, um einem immer höher werdenden Gebäude mit mehr Öffnungen (den wunderbaren gotischen Buntglasfenstern) Stabilität zu verleihen. Es ist wichtig, sich daran zu erinnern, dass die gotischen Gebäude ebenso wie die Romanik vollständig waren Polychromie, eine Tatsache, die die große Liebe zum Ausdruck bringt, die das Mittelalter für chromatische Töne empfand zündete.

3. Die Renaissance

Obwohl die klassische Kultur im Mittelalter nicht in Vergessenheit geriet, geschah dies erst in der Renaissance Bewusst die klassischen Grundsätze wie die Architekturabhandlungen des römischen Vitruv (1. Jahrhundert) wieder aufgreifen. Ich a. C.). Zu dieser Zeit beginnt auch die Intellektualisierung des Künstlers, der mehr als nur ein Handwerker zu sein beginnt.

Die Renaissance beginnt in Florenz zu Beginn des 15. Jahrhunderts mit Werken wie den Türen des Baptisteriums oder der prächtigen Kuppel, die Brunelleschi für die Kathedrale entwarf., dessen Durchmesser seit dem Bau des Pantheons im ersten Jahrhundert n. Chr. nicht mehr erreicht wurde. C. Die Architekten suchen Inspiration in den Konstruktionen der Antike, während die Maler in deren Abwesenheit suchen Modelle (Pompeji und Herculaneum wurden noch nicht entdeckt) sind von den Fresken inspiriert, die die Domus Aurea schmücken Nero.

Doch die wichtigste Neuerung der Renaissance war die mathematische Perspektive, kodifiziert durch Leon Battista Alberti (1404-1472) in seiner Abhandlung De pictura, für die er sich auf die Ideen von stützte Brunelleschi. Von da an wird die Malerei danach streben, ein offenes Fenster zur Welt zu sein, in dem die Perspektive durch einen einzigen Fluchtpunkt erreicht wird, in dem alle Linien zusammenlaufen.

4. Barock

In den letzten Jahren des 16. Jahrhunderts ist die Renaissance völlig erschöpft und stattdessen Es tritt der Manierismus auf, der sich in der Malerei durch eine Dehnung und Stilisierung des Bildes auszeichnet Figuren. Doch zu Beginn des folgenden Jahrhunderts begann eine neue ästhetische Strömung im gegenreformatorischen Europa Einzug zu halten: der Barock.

Man kann sagen, dass der Barock das Kind der Gegenreformation der katholischen Kirche ist, die ein Ausdrucksmittel für ihren Glauben brauchte.. Ziel war es, die Gläubigen in der römischen Kirche zu halten und sie an der Abwanderung zum Luthertum zu hindern. Die barocke Sprache ist also ein Spiegelbild dieses Willens; In der Malerei werden Emotionen durch die Darstellung von Leid gefördert. Die bizarren Heiligenlegenden, gegen die die Protestanten predigten, werden eliminiert und die Heiligenfiguren werden mit ihren Attributen dargestellt. Die Religion wird auf das Volk herabgestuft und in alltäglichen Szenen tauchen biblische Figuren auf, deren Vorbilder direkt der Realität entnommen sind.

In der Architektur kann man sagen, dass der Barock vor allem in Frankreich immer noch sehr klassizistisch ist. Das Schloss von Versailles ist ein großartiges Beispiel für diesen eleganten französischen Klassizismus. Andererseits, und wie es in allen Stilrichtungen üblich ist, bringt jedes Gebiet einen anderen Barock hervor: in den Vereinigten Provinzen zum Beispiel, wo es keinen gibt und zur katholischen Kirche und wo die Mäzene das Bürgertum der Städte sind, entsteht ein intimes Gemälde, dessen größter Vertreter Johannes Vermeer ist.

5. Rokoko

Das Rokoko wird fälschlicherweise als Erweiterung des Barock betrachtet und ist ein echter Ausdruck der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts, des Zeitalters der Aufklärung. Hand in Hand mit aufgeklärten Philosophen zelebriert dieser Stil die Süße des Lebens, Intimität, Wohnkomfort und alles Schöne im Alltag.

Deshalb sind Rokoko-Motive fröhlich, festlich und überhaupt nicht dramatisch: pastorale, idyllische, maskerade, galante, kokette Szenen usw. In einem Wort: Das Rokoko ist die Lebensfreude, die Lebensfreude der wohlhabenden Klassen des Ancien Regime.

6. Neoklassizismus

Der Neoklassizismus markiert in vielerlei Hinsicht einen Bruch mit dem Rokoko. Diese ästhetische Strömung, die wie ihre Vorgängerin auch in Frankreich auftaucht, ist der perfekte Ausdruck für die neue Französische Republik: ein nüchterner, strenger, harmonischer und republikanischer Stil. Der Neoklassizismus ist natürlich von der klassischen Kunst inspiriert. In der Malerei bevorzugt er grandiose und feierliche Themen, die dem Volk als Vorbild für Tugend dienen; Ein gutes Beispiel dafür sind die Gemälde von Jacques-Louis David (1748-1825), dem großen neoklassizistischen Maler. Andererseits ist die neoklassizistische Architektur praktisch eine Nachahmung antiker griechischer und römischer Tempel; Man muss nur die Madeleine-Kirche in Paris betrachten, um dies zu erkennen.

Der neoklassizistische Stil erlebte seinen Höhepunkt während der napoleonischen Ära, da seine römische und kriegerische Ästhetik sehr gut zu dem Reich passte, das der große Korse geschaffen hatte.. Nach dem Sturz Napoleons wurden neoklassizistische Formen obsolet und blieben trotz der Tatsache, dass ihre Ästhetik sehr lebendig blieb (insbesondere in Architektur) im gesamten 19. Jahrhundert, in den ersten Jahrzehnten des Jahrhunderts die ersten Ausdrucksformen der Romantik.

7. Die Romantik

In der Kunstgeschichte ist es üblich, dass ein Stil zum Teil als Reaktion auf den vorherigen Stil entsteht. Und obwohl nichts schwarz oder weiß ist und diese Aussage viele Nuancen aufweist, finden wir Belege dafür in Fällen wie der Geburt der Romantik. Während der Neoklassizismus zunächst eine Apotheose des Republikanischen und später des Römischen Reiches mit all dem war Trotz der Disziplin, die dies impliziert, wurde die Romantik als Rechtfertigung der menschlichen Subjektivität und damit der menschlichen Subjektivität geboren Individuell. Kunst wird nie wieder, zumindest ausschließlich, als etwas angesehen werden, das der Macht unterworfen ist; Es ist der Künstler, der kreiert, es ist er selbst, der den künstlerischen Ausdruck entstehen lässt. Der authentische Schöpfer ist gegen die Akademie und alle korsettierten Normen, die die Kunst ersticken.

Alle nachfolgenden Strömungen, die den kreativen Individualismus verherrlichen, trinken aus der Romantik: die Präraffaeliten, die Symbolisten, die Expressionisten und natürlich die Surrealisten.. Im letzteren Fall erforschen sie bis zum Äußersten die Tiefen der menschlichen Psyche, etwas, das die romantische vor hundert Jahren, als sie Traumwelten darstellten, schrecklich, voller Gespenster, Gräber und Bilder der Frucht der Delirium. Andererseits legt die romantische Strömung großen Wert auf das Heimatland und die Nation, solange sie bestehen besteht aus Individuen, die entscheiden, und neigt dazu, die Vergangenheit von Nationen zu idealisieren und in sie umzuwandeln Legende.

8. Realismus und Naturalismus

Um 1850 beginnt die Romantik zu erlöschen. Es ist die Zeit des Positivismus, des technologischen Fortschritts, der zweiten industriellen Revolution. In den Städten wachsen Fabriken und die elenden Menschen, die unter unmenschlichen Bedingungen leben, vermehren sich. Dann beginnt die Kunst, die von der Romantik proklamierten Idealwelten zu vergessen und sich für soziale Probleme und Konflikte zu interessieren.

Sowohl in der bildenden Kunst als auch in der Literatur ist die soziale Denunziation das wiederkehrende Thema. Hungernde Arbeiter, die wie Geister die Fabriken verlassen; zerlumpte und schmutzige Kinder; Prostituierte, Bettler, Wäscherinnen, junge Menschen ohne Zukunft. Der Realismus ist also der sozialen Realität verpflichtet..

Später führt das wachsende Interesse an der Psychologie dazu, dass sich die realistische Strömung hin zum Naturalismus entwickelt, der Objektivität und Beobachtung auf die Spitze treibt. Der naturalistische Künstler, der in der Literatur hervorragend durch Émile Zola (1840-1902) repräsentiert wird, sieht Realität als Forschungslabor, in dem Lebewesen auf der Grundlage der Reize der Welt agieren Hälfte. In dieser hochwissenschaftlichen Kunst gibt es daher keinen Platz für Subjektivität, geschweige denn für Schönheit an sich.

9. Die Strömungen des Ästhetizismus

Als Reaktion auf diese zur Wissenschaft gewordene Kunst, die die Schönheit der Welt ignoriert, traten Ende des 19. Jahrhunderts eine Reihe von Strömungen auf, die die Kunst um der Kunst willen proklamierten. Dies ist der Fall bei der präraffaelitischen Bruderschaft, der Dekadenz, dem Parnassianismus, dem Symbolismus und dem Jugendstil, der in hispanischen Ländern besser als Modernismus bekannt ist.

Wir können hier nicht auf alle diese Strömungen eingehen, aber wir können auf ihre Gemeinsamkeiten hinweisen: eine starke Abneigung gegen Positivismus, gegen technischen Fortschritt, gegen Fabriken, gegen wissenschaftlichen Fortschritt als Kastrator der Schönheit. Daher werden alle diese ästhetischen Strömungen zur Kunst als alleinigem Schöpfer der Schönheit zurückkehren wollen.

10. die Avantgarde

Auch hier können wir nicht über alle Avantgarden sprechen, die sich in den letzten Jahren des 19. Jahrhunderts und den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts verbreiteten, aber wir werden zumindest versuchen, sie beim Namen zu nennen. Die offiziellen Avantgarden erscheinen zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Die erste davon gilt als Fauvismus, eine Strömung, die Farbe als Mittel des subjektiven Ausdrucks und nicht als Nachahmung der Realität schätzte. Nach den Fauves, die 1905 ihre erste Ausstellung veranstalteten, Die Avantgarde folgte so schnell aufeinander, dass sich einige von ihnen überschnitten: Expressionismus, Futurismus, Kubismus, Dadaismus, Surrealismus ...

Die Avantgarde ist das Hauptmerkmal der Kunst des 20. Jahrhunderts. Es handelt sich um eine Reihe von Bewegungen, die gegen die etablierten Normen verstoßen, um Gruppen von Künstlern mit besonderen Merkmalen gängige, die sich zu einer Art Bildschule zusammenschließen, meist mit einem grundlegenden ideologischen Manifest. Derzeit leben wir in einer neuen Ära der Individualität, die künstlerische Strömungen hervorbringt verschwimmen und zersplittern in tausend Teile, sodass wir kaum von Strömungen sprechen können, sondern von Künstler. Aber ist es vielleicht so, dass es tief im Inneren (und wie Gombrich sagte) nicht immer so war?