Die Pariser Schule und 5 ihrer wichtigsten Künstler

Sie sind als „Schule von Paris“ bekannt, aber in Wirklichkeit gründeten sie keine Schule. Unter diesem Namen sind mehrere Künstler zusammengefasst, die ihre Werke in der Zwischenkriegszeit in Paris schufen und mit unterschiedlichen Bewegungen in Verbindung standen.. Sie stellten keine zusammenhängende Gruppe dar und folgten auch nicht einmal ähnlichen künstlerischen Leitlinien; Jeder von ihnen war ein freier und leidenschaftlicher Schöpfer, der sich oft der Atmosphäre der Pariser Boheme widmete. Im heutigen Artikel sprechen wir über die berühmte „Pariser Schule“ und 6 ihrer wichtigsten Künstler.

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Was ist die „Pariser Schule“?

Unter der „Pariser Schule“ versteht man eine heterogene Gruppe von Künstlern (Maler, Bildhauer, Designer etc.) der zwischen den Kriegen, also vom Ersten Weltkrieg bis zum Beginn des Zweiten Weltkriegs, in Paris lebte Zweite. Insbesondere ist die Dauer der Schule normalerweise auf die Jahre 1915 und 1940 begrenzt, die Jahre, die die große Tragödie der Kriege markieren.

Die meisten dieser Künstler kannten sich, da viele von ihnen Einwanderer waren, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts in die französische Hauptstadt kamen und sich gegenseitig halfen und unterstützten. Üblicherweise sind die Jahre 1905 und 1906 für ihre Ankunft bekannt; Dies sind Schlüsseljahre, in denen die Anziehungskraft, die das kulturelle Aufbrausen der Stadt mit sich bringt, nicht nachlässt gleichgültig gegenüber einer Vielzahl junger Europäer, die sich sehr für die aufregendsten aktuellen Ereignisse in der Welt interessieren Von der Kunst.

Die meisten dieser jungen Menschen kommen aus Osteuropa, werden aber den größten Teil ihres Lebens in Frankreich, ihrem Gastland, verbringen. Aber Was haben all diese Künstler der Pariser Schule gemeinsam? Nichts, es sei denn, es ist seine Liebe zur Kunst, zum Bohème-Leben und dem Zufall in Zeit und Raum.. Jeder verfolgt seinen eigenen Stil und hält sich an eine Bewegung, daher ist der Name Schule eigentlich etwas recht Ungenaues.

Wichtige Künstler im Paris der Zwischenkriegszeit

Viele dieser Künstler sind unsterbliche Namen. Amedeo Modigliani, Jules Pascin, Chaïm Soutine, Robert und Sonia Delaunay, Olga Sacharoff … und natürlich der brillante Pablo Picasso, der seltsamerweise normalerweise nicht in die Liste aufgenommen wird, obwohl er zur gleichen Zeit wie er durch Paris zog Gefährten. Vielleicht liegt der Grund darin, dass andere begannen, sich einen Platz in der Welt zu schaffen In der Kunstwelt der französischen Hauptstadt waren Picasso, Braque und Matisse in ihrer jeweiligen Heimat bereits wahre Monster Stile.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts hatte sich Paris zu einem der größten Kreativzentren Europas entwickelt.. Die Vielzahl der Galerien und die zahlreichen Händler und Sammler zogen aufstrebende Künstler an, so in den Jahren vor dem Während des Ersten Weltkriegs versammelten sich junge Menschen aus aller Welt in der Stadt des Lichts mit dem gemeinsamen Wunsch, in der Welt der Kunst erfolgreich zu sein.

Seine Arbeit wird oft in den Hintergrund gedrängt. Viele von ihnen wurden im Pariser Nachtleben berühmt und waren in turbulente Episoden rund um Alkohol, Prostituierte und Drogen verwickelt. Was man gemeinhin als „Bohème-Leben“ bezeichnet. Und das Paris der Zwischenkriegszeit hatte viel davon.

Als nächstes stellen wir Ihnen 6 Künstler vor, die normalerweise zur Liste hinzugefügt werden Maler der Pariser Schule, die alle einen ganz unterschiedlichen kreativen Charakter besitzen aber sie haben zweifellos einen gewissen gegenseitigen Einfluss erfahren. Mal sehen.

1. Amedeo Modigliani, der „Verdammte“

Um die Wahrheit zu ehren, teilt der Italiener den Beinamen mit einigen anderen Kollegen, darunter Sie, Chaïm Soutine und Jules Pascin, authentische Enfants terribles der Pariser Boheme Zwischenkriege. Der Spitzname passt jedoch besonders gut zu Modigliani, da er mit der französischen Aussprache seiner Verkleinerungsform übereinstimmt, wie ihn seine engen Freunde kannten: Modì (maudit, verflucht).

Modigliani wurde 1884 in Livorno geboren und kam 1906 nach Paris, gerade als das neue Jahrhundert gerade begann und die pulsierende Stadt voller Freude und Lebensfreude war.. Es ist die Zeit der Belle Époque und die französische Hauptstadt bietet eine unbestreitbare Anziehungskraft für junge Europäer, die sich in der Kunstwelt einen Namen machen wollen.

Zunächst wollte Modigliani Bildhauer werden, doch das Material war zu teuer für sein ärmliches Portemonnaie. Darüber hinaus ist er aufgrund der Tuberkulose, an der er schon in jungen Jahren litt, besonders anfällig für Marmorstaub. Amedeo gab die Idee auf, sich der Bildhauerei zu widmen, und beschloss, den Weg der Malerei einzuschlagen, eine Facette, in der er am Ende seines Lebens, seiner produktivsten Zeit, hervorstechen würde. Mit seinem unverwechselbaren Stil, inspiriert von Stammesstatuetten und -masken (die er in den Jahren betrachtete und bewunderte). Museum der Männer) schuf er eine Reihe hervorragender Porträts, unter denen die von Jeanne Hébuterne (1898-1920), seiner letzten Muse und seiner letzten großen Liebe, hervorstechen.

Über seine Arbeit hinaus ist Modigliani wegen seines rauen, von Alkohol, Sex und Haschisch überschwemmten Daseins in die öffentliche Wahrnehmung gelangt. Sein früher Tod im Alter von nur 35 Jahren beendete eine vielversprechende Karriere, die gerade zu beginnen begann.. Jeanne Hébuterne, die ebenfalls Malerin war, beging einen Tag später Selbstmord.

2. Chaïm Soutine, der Maler des Fleisches

Wir meinen „Fleisch“ nicht im lüsternen Sinne des Wortes, sondern im prosaischsten Sinne, den Sie sich vorstellen können. Und obwohl Soutine andere Genres kultiviert hat, ist er berühmt für seine Stillleben, bestehend aus ausschließlich für Rind- und Hühnerstücke, die der Maler auf den Märkten und in den Metzgereien von eifrig suchte Paris.

Ein gutes Beispiel für seine seltsame Faszination für fleischige Überreste ist seine Malerei gehäuteter Ochse, wo die Überreste des Tieres im Gewirr loser Pinselstriche kaum sichtbar sind. Es scheint übrigens, dass der Maler das Fleisch so lange in seinem Atelier aufbewahrte, dass es stark zu riechen begann und die gesamte Nachbarschaft alarmierte.

Soutine wollte Maler werden, aber sein Wunsch war in einer russisch-orthodoxen jüdischen Familie, in der jegliche Darstellung verboten war, schwer zu verwirklichen. Sein Vater war mit seinem Traum natürlich nicht einverstanden, und so musste der junge Chaïm im Alter von nur sechzehn Jahren nach Minsk auswandern, um bildende Kunst zu studieren und eine Karriere als Künstler aufzubauen.

Nach Abschluss seines Studiums, das ihn auch nach Vilnius führte, kam er 1913 in das quirlige Paris, wo er sich in Montparnasse niederließ und sich mit dem anderen „Verdammten“, Amedeo Modigliani, anfreundete. Soutines Werk mit ausgeprägtem Expressionismus erlangte in den 1920er Jahren große Berühmtheit, und 1937 fanden wir einige seiner Werke auf der Ausstellung unabhängiger Künstler.

Der Einmarsch der Nazis in Paris und der Zweite Weltkrieg erfüllen ihn mit Sorge, denn erinnern wir uns daran, dass Soutine Jude ist. Angesichts dieser Bedrohung beschließt der Maler, wegzulaufen und seine Gaststadt zu verlassen. Er lässt sich in einer kleinen Stadt in der Nähe von Tours nieder, wo er versucht, unbemerkt zu bleiben, doch die Angst vor dem Vormarsch der Nazis hält ihn in Atem und verschlechtert seinen Gesundheitszustand erheblich. 1943 wurde er wegen eines perforierten Geschwürs operiert und starb während der Operation.

3. Robert und Sonia Delaunay, die Kraft der Farbe

Die Ehe des Franzosen Robert Delaunay (1885–1941) und der Ukrainerin Sarah Sophie (Sonia) Stern (1885–1979) wurde nicht nur geschlossen eine solide Verbindung, die auf Liebe und absoluter Komplizenschaft basierte, aber auch eines der effektivsten Tandems in der Geschichte der USA darstellte Kunst. Und beide widmeten sich ganz der Kunst und waren zwei der großen Förderer des Abstraktionismus und der Gegenüberstellung von Farben..

Robert hat den Begriff erfunden Gleichzeitigkeit um sich genau auf die Tatsache zu beziehen, kleine nebeneinander liegende Töne anzuwenden, die zusammen für das menschliche Auge eine Farbharmonie bilden. Diese Idee steht in engem Zusammenhang mit dem reinen Abstraktionismus (wie er von Kandinsky propagiert wurde), bei dem Farben wie im Takt perfekter Musik über die Leinwand „tanzen“.

Sonia und Robert lernten sich durch Wilhelm Uhde kennen, in dessen Galerie sie 1908 erstmals ausgestellt hatte. Der junge ukrainische Einwanderer hatte Uhde aus Vernunft geheiratet, um einer Rückkehr nach Russland zu entgehen (denken Sie daran, dass die Ukraine in jenen Jahren zum Russischen Reich gehörte). Sie verliebte sich jedoch sofort in Robert und 1910 ließ sich Sonia von Uhde scheiden, um Delaunay zu heiraten..

Sonia Delaunay war nicht nur Malerin, sondern widmete sich mit gleicher Leidenschaft der Gestaltung von Objekten, die alle in fröhlichen Farben gehalten waren, und sogar der Gestaltung von Werbeplakaten. Seit sie die Werke des Fauvisten Matisse sah, war der Künstlerin klar, dass ihr Ausdrucksmittel immer die Farbe sein würde. Durch ihn schufen sie und ihr Mann brillante, lebendige Werke, die die Entwicklung der abstrakten Kunst tiefgreifend beeinflussten. Die Delaunays sind zweifellos ein Schlüsselpaar im künstlerischen Panorama des 20. Jahrhunderts.

4. Jules Pascin, der andere „Verdammte“

Ernest Hemingway porträtierte ihn in einem der Kapitel von Paris Was a Party, dem Werk, das er dem Pariser Boheme-Leben zwischen den Kriegen widmete. Der Name des Kapitels ist ziemlich aussagekräftig: Mit Pascin im Dôme. Der Autor erzählt von einer Nacht im berühmten Café Montparnasse, wo er sieht, wie Jules Pascin am Arm zweier Models davongeht.

Und die Figur des Künstlers war in den Pariser Vororten wohlbekannt. Mit seiner unzertrennlichen Melone war er als „Der Prinz von Montparnasse“ bekannt.Er konkurrierte mit seinem Ruhm mit Modigliani selbst, mit dem er übrigens auch den Beinamen „der Verdammte“ teilte.

Der in Bulgarien geborene und seit 1905 in Paris lebende Pascin, mit bürgerlichem Namen Julius Mordecai Pincas, versuchte es schon sehr früh Er erlangte durch seine großartigen Zeichnungen und Aquarelle, die meist Figuren darstellten, einen Platz in der künstlerischen Welt feminin. Eines seiner Vorbilder war seine Geliebte und spätere Frau Hermine David, mit der er seit 1907 ein gemeinsames Dach und Leben teilte.

Der gequälte und unruhige Pascin fühlte sich jedoch hinsichtlich seines Talents unsicher. Alkohol war ein regelmäßiger Begleiter seines Lebens und depressive Zustände waren häufig. Am 2. Juni 1930, am Vorabend der Eröffnung einer vielversprechenden Einzelausstellung, schnitt sich Pascin in seinem Atelier in Montmartre die Pulsadern auf und erhängte sich..

5. Olga Sacharoff, die katalanische Avantgarde

In Wirklichkeit war sie eine adoptierte Katalanin und wurde 1889 in Tiflis geboren. Allerdings hatte die georgische Künstlerin stets eine besondere Verbindung zu Katalonien, wo sie sich nach dem Ende des Bürgerkriegs dauerhaft niederließ und wo sie 1967 starb. Seine Liebe zu seinem Gastland spiegelt sich in den zahlreichen Gemälden wider, die er über die katalanische Folklore malte, eine Darstellung der Traditionen des Landes im reinsten naiven Stil..

Doch vor Spanien hatte sich der Maler in Paris niedergelassen, dem künstlerischen Ziel schlechthin in den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts. Wir schreiben das Jahr 1911 und Olga landet nach einem kurzen Aufenthalt in München in der französischen Hauptstadt, wo sie den deutschen Expressionismus und auch den Fotografen Otto Lloyd kennenlernt, der später ihr Ehemann wird. In Paris kommt Olga mit der Avantgarde in Kontakt, von der sie absolut fasziniert ist. insbesondere mit dem synthetischen Kubismus, dem er in seinen ersten Jahren stilistisch folgte.

Nach Ausbruch des Ersten Weltkriegs suchen Olga und ihr Mann ähnlich wie Robert und Sonia Delaunay Zuflucht im im Konflikt neutralen Spanien. Die Schwärmerei für Barcelona ist augenblicklich und nach einem zweiten Aufenthalt in Paris (wohin sie gehen, als der Spanische Bürgerkrieg ausbricht) kehren Olga und Otto nach Barcelona zurück. Das Haus des Paares wird zum Zentrum lebhafter Zusammenkünfte in Barcelona, ​​​​einem Ort, den der Künstler nie wieder verlassen würde..