Claude Monet: Werke, Analyse und Bedeutungen

Claude Monet (1840-1926) war ein französischer Malervertreter des Impressionismus, der sowohl für seine bildnerische Erkenntnisse im Umgang mit Licht, wie das Gemälde geschaffen zu haben, das dem Namensgeber Bewegung.

Zusammen mit anderen Künstlern war Monet dafür verantwortlich, durch die Behandlung von Licht und das Studium der Farbwahrnehmung die Tür zur Originalität der plastischen Sprache zu öffnen. Lassen Sie uns in diesem Artikel einige seiner wichtigsten Werke kennenlernen.

1. Mittagessen im Gras, 1865-1866

Im Jahr 1863 zerstörten Kritiker Edouard Manet auf dem offiziellen Pariser Salon wegen seiner Arbeit Frühstück auf der Wiese. Claude Monet war jedoch von dem Stück fasziniert und beschloss, eine eigene Version als Hommage an den umstrittenen Maler zu machen. Monets hätte die ambitionierten Abmessungen von vier Metern Höhe und zwanzig Metern Länge. Es war zugleich eine Herausforderung.

Er begann zu malen Mittagessen im Gras im Jahr 1865, um am Salon von 1866 teilzunehmen. Seine prekäre Wirtschaft veranlasste ihn, das Projekt aufzugeben und musste es als Garantie für die Zahlung der Miete anbieten. Die Leinwand wurde aufgerollt und von ihrem vorübergehenden Besitzer aufbewahrt, bis Monet sie 1884 zurückholte. Aufgrund der deutlichen Verschlechterung musste es reduziert werden. Von der Arbeit sind nur noch zwei Fragmente erhalten: das mittlere und die linke Seite.

In der Szene stellt der Maler ein Picknick-Mittagessen in einer ungezwungenen und alltäglichen Atmosphäre dar. Er markiert Distanz zu Edouard Manet, entfernt den Akt und kleidet alle Charaktere, deren Kostüme ihren Lebensstil verraten. Die Charaktere sind sicherlich bürgerlich, die das Fest des Lebens feiern, ohne Skandal, ohne Bedeutung. Monet interessiert sich nicht mehr für thematische Kontroversen als für plastische Sprache.

Obwohl es nicht gelungen ist, das Originalstück vollständig zu erhalten, a Lernen Sie zum Mittagessen auf dem Gras. Der offensichtlichste Unterschied besteht in dem jungen Mann ohne Bart, der auf der Tischdecke sitzt. Diese Figur wird durch einen bärtigen Mann ersetzt, der wie eine Anspielung auf Gustave Coubert, einen realistischen Maler, aussieht sehr bewundert von Monet, der sich geruht hätte, ihn in seiner Werkstatt zu besuchen, als Monet in der Entwurf.

2. Camille mit grünem Kleid, 1866

Bild Camille mit grünem Kleid von Claude Monet wurde im Offiziellen Salon von 1866 ausgestellt und fand breite Akzeptanz, was Edourad Manet nicht gefiel, der, mit Monet verwechselt, irrtümlicherweise Glückwünsche erhielt. Außerdem war Manet 1863 in die Kritik geraten und der Offizielle Salon hatte ihn 1865 wegen seiner Malerei abgelehnt rejected Olympia.

In seinem Buch Impressionismus, Paul Smith vergleicht das Bild Camille mit grünem Kleid mit der arbeit Die Dame mit Handschuh von Carolus-Duran, einer Schülerin des Malers David und regelmäßiger Teilnehmer in royalistischen Kreisen in Paris. Obwohl das Stück von Carolus-Duran später als das von Monet ist, lässt Smith aus dem Vergleich schließen, dass Monet hatte einen wichtigen Teil der realistischen Bildsprache übernommen, die in der großen Halle weithin geschätzt wurde Offiziell. Daher wurde es zugelassen.

In seiner Analyse unterscheidet Smith, dass Monet das Kleid mit einer für Modeillustrationen typischen künstlichen Pose gemacht hat. Gleichzeitig hat es die Szene mit künstlichem Licht versorgt, um den Charakter zu akzentuieren. Monet enthüllt Elemente, die an die Lichter und Wärme von Coubert und die Linie von Manet erinnern, die großen Einfluss auf ihn ausübte.

3. Frauen im Garten, 1867

Paul Smith vergleicht die Leinwand Frauen im Garten von Monet mit Minerva und Danke von Charles Greyre, in dessen Werkstatt Monet einige Zeit arbeitete. Damit unterstreicht Smith die wahre Revolution der impressionistischen Generation.

Wie in der Kunst üblich, stellt Greyre eine Episode literarisch-narrativer Natur dar, die versucht, platonische Ideale zu verewigen von Schönheit und Güte durch die Darstellung des Mythos von Minerva, der Göttin der Weisheit, und der drei Grazien, Symbol der Schönheit. Im Inhalt abgelegt, wird die Technik des Malers unsichtbar, sodass das Motiv erstrahlt, ohne eine Spur seiner Linie zu hinterlassen.

Ein Jahr später fertigte Monet eine Leinwand an, die auch vier Frauen in einer pflanzlichen Umgebung darstellt, aber es werden gewöhnliche Frauen sein. Der Maler stellte keinen ewigen Wert dar, sondern einen flüchtigen und flüchtigen Moment, ein lustiges Treffen zwischen Freunden, die das bürgerliche Leben feiern. Sie sind das Symbol der neuen Mittelschicht, die ihren eigenen Wert aufbauen will.

Monet versteckt die Technik auf der Leinwand nicht. Im Gegenteil, er stellt sie aus, zeigt die Linie, lenkt die Aufmerksamkeit des Betrachters auf die plastische Sprache, die Greyre und alle traditionellen Maler bewusst verborgen haben.

Wie es für den keimenden Stil typisch war, nutzt Monet blaue und grüne Farben, um die Haut der Charaktere zu schattieren und zu modifizieren. Vor der Darstellung des intensiven Sommerlichts, das die Szene übernimmt. Wichtig wird dann die Bildsprache sein.

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4. La Grenouillére, 1869.

La Grenouillère Es ist eine Serie von verschiedenen maritimen Gemälden aus verschiedenen Blickwinkeln und Momenten. In dieser Leinwand beschäftigt sich Monet intensiv mit der Behandlung von Licht und seiner Wirkung auf Objekte. Es wird schnell zur vollen Form des Impressionismus geliefert.

Von der Arbeit zu frische LuftWas damals nur dank der Erfindung der Ölröhren möglich war, nutzte Monet eine hastige Linie, um den leuchtenden Eindrücken und der Vergänglichkeit des Augenblicks Leben einzuhauchen. Der Zuschauer begleitet die Szene als einer mehr. Es gibt kein moralisches Urteil, es gibt keine thematische Bedeutung. Das Interesse hat sich der plastischen Sprache zugewandt.

Renoir hat mit Monet eine Version dieser Szene gemacht.

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5. Mohnfeld, 1873

Im Jahr 1871 ließ sich Monet vorübergehend in Argenteuil nieder, wo er den Stil, den er entdeckt hatte, auch dank der Landschaften, die ihm diese Stadt bot, solide entwickelte. Ab dieser Phase ist die Arbeit Mohnfeld, ausgestellt in der Halle der Abgelehnten im Jahr 1874 zusammen mit 8 anderen Stücken.

In der Tabelle werden zwei durch schräge Linien getrennte Abschnitte unterschieden. Links überwiegt im Mohnfeld Rot, während rechts Blaugrün überwiegt. In der Szene wird das Mohnfeld von zwei Paaren Frau und Kind durchquert. Im Vordergrund sticht Monets Frau Camille und deren Sohn Jean hervor, die häufig Vorbilder für seine Bilder waren.

6. Impression der aufgehenden Sonne, 1872

Unter den Gemälden, die Monet in der Halle der Abgelehnten präsentierte, sorgte eines für einen echten Skandal: Impression der aufgehenden Sonne. Beeinflusst von der Arbeit des englischen romantischen Malers William Turner trug Monet dicke Pinselstriche auf, fast Flecken, die kaum auf Figuration hinweisen. Das Prinzip der Komplementarität der Farben macht seinen Eingang offen. Die nebeneinander platzierten Farben erzeugen die Wahrnehmung kompletter Farbtöne.

Die Atmosphäre sieht bewölkt aus und das Wasser scheint sich mit der Passage kleiner Boote zu bewegen. Fernab einer idyllischen Landschaft stellt Monet im Hintergrund einen industrialisierten Hafen dar, in dem Dampfmaschinen und andere Bauwerke in den Himmelsnebel eingreifen. Er hat nichts versteckt. Das Leben ist für den Maler da, um ihn darzustellen. Die Sonne, die diese Strukturen nicht berührt, hinterlässt ihre orangefarbene Spur auf den Wellen des Meeres.

Nach der Ausstellung von 1874 warf der Kunstkritiker Louis Leroy, ausgehend vom Namen des provokanten Liezo, Monet vor, sich auf einen bloßen "Impressionismus" zu beschränken. Mit größter Würde nahmen Monet und seine Generation diese Disqualifikation als Namen der Bewegung an.

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7. Serie Bahnhof Saint-Lazare, 1877

Um 1877 zog Monet nach Paris zurück und reagierte auf seinen Wunsch, ein Maler von ihm zu werden Zeit, statt die Alltagswelt der Industriestadt beiseite zu lassen, integriert sie sie in ihre Leinwände. Es wird der Bahnhof Saint-Lazare sein, der Monet die Möglichkeit gibt, die Leuchtkraft und Texturen des Dampfes weiter zu erkunden. Der Maler wird dem Bahnhof Saint-Lazare sieben Leinwände widmen.

Im Gegensatz zu anderen Serien, in denen Monet dieselbe Landschaft unter verschiedenen atmosphärischen Variablen darstellt, wie z Kathedrale von Rouen, auf Bahnhof Saint-Lazare Monet wird nicht nur unterschiedliche Atmosphären, sondern auch unterschiedliche Ziele, Einstellungen und Perspektiven des Lebens am Bahnhof darstellen.

8. Serie Heuhaufen, 1890-1891

Um 1883 zog Monet mit seiner neuen Partnerin Alice Hoschedé nach Giverny, nachdem Camille 1879 gestorben war. Dort widmet er sich der Erkundung der neuen Möglichkeiten, die ihm die lokale Landschaft bietet. Ohne es so zu planen, entwickelte er schließlich eine seiner bekanntesten Serien, Heuhaufen, die insgesamt 25 Leinwände umfasst. Monet gelingt es, die Lichtvielfalt, die jede Jahreszeit auszeichnet, auf den Weizenhaufen einzufangen.

Monets ästhetische Ambitionen wuchsen im Laufe der Zeit. Einige dieser Bilder wurden später im Studio retuschiert, um eine höhere Perfektion zu erreichen. In Wirklichkeit müsse er, so Paul Smith, nicht nur eine Lichtwirkung darstellen, sondern eine harmonische Komposition und eine ästhetisch einheitliche Serie schaffen.

9. Serie Kathedrale von Rouen, 1890-1894

In einer Zeit, in der Frankreich ein Wiederaufleben des Interesses an der Katholizität erlebte, widmet Monetet diese Serie zu entwickeln, die von der Kathedrale von Rouen in der französischen Region von inspiriert wurde Normandie.

Es war der Blick aus dem Fenster eines Ateliers, das er auf der anderen Straßenseite gemietet hatte. Die Serie umfasste mehr als dreißig Exemplare, von denen acht verkauft wurden, bevor sie ausgestellt wurden.

Neben der Leuchtkraft, einem charakteristischen Element seiner Arbeit, gelingt es Monet meisterhaft, die Porosität und Textur der Steinfassade des religiösen Gebäudes einzufangen.

10. Serie Parlament London, 1900 bis 1904

Während eines Aufenthalts in London mit seiner Frau Alice widmet sich Monet der Darstellung der Aussicht vom St. Thomas Hospital, die es ihm ermöglicht, die Themse und die umliegende Landschaft einzufangen. Die Serie der Londoner Parlament und auch die Charing Cross Bridge und die Waterloo Bridge.

In der Serie über ihn Londoner Parlament, gelingt es Monet, das mit dem charakteristischen Nebel der Stadt verwobene Gebäude darzustellen. Aber dieses Mal wird das Parlament fast eine Phantasmagorie sein, eine Silhouette, die sich vor einem aufgeladenen und wolkigen Hintergrund öffnet, in Schatten verwandelt. Es erinnert uns an die Werke von William Turner.

Jahre später tat er dasselbe im do Venedig Serie, das er zusammen mit seiner Frau in den Händen einer Gruppe von Kunstbegeisterten besuchte und in der er verschiedene Szenen der emblematischen Stadt festhielt.

11. Serie Seerosen, 1883-1924.

Während seines Aufenthalts in Giverny pflegte Monet einen wunderschönen Garten mit einer japanischen Brücke. Dieser Giverny-Garten war nicht nur Monets Hobby. Es war auch seine Inspirationsquelle, besonders in den letzten Jahren seines Lebens.

Im Laufe der Jahre entwickelte der Maler eine wahre Leidenschaft dafür, die Wunder seines Gartens auf seinen Leinwänden darzustellen: die Seerosen. Die Serie würde insgesamt 250 Leinwände erreichen, die heute in vielen Räumen und Galerien auf der ganzen Welt verteilt sind.

Teil von Seerosen Monets wurden um die Zeit des Ersten Weltkriegs gemalt. Obwohl Monet in einer privaten und ruhigen Welt war, erzählt uns Paul Smith, dass man von seinem Haus aus das Vorbeifahren der Züge mit der Munition hören konnte. Nach Ansicht des Forschers ist es möglich, diese Serie als Versuch des Malers zu interpretieren, die Welt zu erhalten, die der Krieg zu zerstören drohte.

Tatsächlich schenkte Monet einen Teil der Serie dem französischen Staat als Symbol des Friedens, kurz nach der Unterzeichnung des Waffenstillstands von Compiègne, der am 11. November 1918 unterzeichnet wurde. Dieses Exemplar, das heute im Orangeriemuseum aufbewahrt wird, gilt als "Sixtinische Kapelle des Impressionismus".

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