20 surreale Gemälde erklärt

Der Surrealismus war eine Avantgarde-Bewegung, die 1924 nach der Veröffentlichung des Surrealistisches Manifest von André Breton. Inspiriert von der Psychoanalyse suchte er durch Imagination und Automatismus die Darstellung des Unterbewusstseins in der Kunst. Künstler wie Salvador Dalí, Man Ray, Joan Miró und René Magritte begrüßten diese Bewegung.

Vor und nach dieser Avantgarde war das Surreale jedoch bei vielen Künstlern präsent Beschwörung der Traumwelt, Fantasie, Vorstellungskraft, Ereignisassoziationen und Improvisation. Dieser Artikel sammelt eine Liste von 20 surrealistischen Gemälden, von denen die meisten in die Bewegung eingeschrieben sind. Ebenfalls enthalten sind einige, die entweder einen Präzedenzfall geschaffen haben oder davon beeinflusst wurden.

1. Die Beständigkeit der Erinnerung, Salvador Dali

Bild Die Beständigkeit der Erinnerung von Salvador Dalí ist eine grundlegende Referenz des Surrealismus und insbesondere des Werks dieses Malers. Im Hintergrund sehen wir eine Landschaft, die uns an die Leonardeske Linie erinnert. Licht ist ein charakteristisches Element von Dalí. Im Vordergrund verkünden weiche Uhren die Relativität der Zeit. Der Raum wird auch durch gegenläufige Lichter relativiert. Auf der Oberfläche des Bilduniversums liegt eine formlose Figur. Manche sehen in ihren Zügen Dalís Gesicht.

2. Die Elefanten, Salvador Dali

Dalí überrascht auf dieser Leinwand mit der Bedeutung der Leere, die von zwei großen Elefanten mit extrem dünnen und langen Beinen wie Insekten eingerahmt wird. Damit steht die mit diesen Tieren verbundene Kraft einem Paradoxon gegenüber. Auf ihren Rücken schweben zwei eingestürzte Obelisken.

Es ist ein Hinweis auf Berninis Skulptur auf der Plaza de Minerva (Rom). Für das Barock war der Obelisk ein Symbol der Weisheit, und der Elefant war das Symbol für die Robustheit, die nötig ist, um ihn zu tragen. Auf der dalinianischen Leinwand unten sehen zwei anthropomorphe Figuren neben den Dickhäutern-Vorzeichen winzig und unbedeutend aus.

3. Der große Masturbator, Salvador Dali

Das ganze Gemälde folgt dem Programm des Surrealismus, das von den Theorien der Psychoanalyse, insbesondere des Unterbewusstseins und der Libido, genährt wird. Dalí zeigt einige wiederkehrende Symbole des Malers: Ameisen, ein Hummer, eine Meereslandschaft und ein Löwe sind einige davon. Die Szene ist eine komplexe sexuelle Allegorie, die Symbole der Begierde mit Symbolen der Reinheit (Lilie) vermischt und es ihr ermöglicht, ein Tabuthema ihrer Generation zu entlarven: Selbstgefälligkeit.

4. Weicher Aufbau mit gekochten Bohnen (Vorahnung des Bürgerkriegs), von Salvador Dalí

Weiche Konstruktion mit gekochten Bohnen oder Vorahnung des Bürgerkriegs es ist eine besonders bewegende Leinwand. Es präsentiert uns den gleichen Körper, der in zwei Hälften zerrissen ist, die sich dennoch gegenseitig anzugreifen scheinen. Auf dem Boden können Sie eine Handvoll gekochter Bohnen (Bohnen oder Bohnen) sehen, vielleicht ein Symbol für die Hungersnot, die in Spanien herrschte, vielleicht ein Symbol für die "Unverdaulichen" des Konflikts. Diese Darstellung eines zerstückelten Körpers ist die Allegorie des Bürgerkriegs.

Es könnte Sie interessieren:

• 11 unvergessliche Gemälde von Salvador Dalí.
• Die Beständigkeit der Erinnerung, von Salvador Dalí.

5. Der Verrat am Bild (Das ist kein Rohr) von René Magritte

René Magritte spielt auf dieser Leinwand mit der Zeichentheorie. Durch die Verwendung von Bildern und Worten erkennt er die Unzulänglichkeit des Zeichens gegenüber seinem Referenten: Die auf die Leinwand gemalte Pfeife ist keine echte Pfeife, aber auch das Wort "Pfeife" nicht. Bild und Wort sind nur Darstellungen, die die wahre Wirklichkeit ersetzen. Er versetzt dem Konzept der westlichen Kunst, das auf der Nachahmung der Natur basiert, einen theoretischen Schlag und steht an der Schwelle zur Konzeptkunst.

6. Die philosophische Lampevon René Magritte

Zwei Elemente dominieren die Komposition: ein Mann, der gleichzeitig eine Pfeife raucht, die sich über der Nase schließt; und eine brennende Kerze, die an einem Tisch schmilzt. Die Komposition scheint die "Selbstreferenzialität des Denkens" anzuklagen. Laut der Forscherin María Ángeles Arenal García in ihrer Arbeit mit dem Titel Magritte, der Jäger verlorener Ähnlichkeiten:

Der Raucher, der dem Betrachter einen erbärmlichen Blick des Selbstmitleids zuwirft, ist eindeutig Magritte, der uns durch die Anprangerung der Kreisförmigkeit seines Denkens offenbart indirekt die Fruchtbarkeit Ihrer Vorstellungskraft, die die Kraft hat, eine Kerze in eine bewegliche und morbide Form zu verwandeln, und das Rauchen eine Metapher für die Erforschung philosophisch.

7. Sohn eines Mannesvon René Magritte

Auf Sohn eines Mannes, Magritte hat einen Apfel zwischen das Gesicht der Figur und den Betrachter geschoben. Die Identität des Mannes bleibt verborgen. Der Apfel taucht in Magrittes Werk immer wieder auf, manchmal in Verbindung mit „der Idee“ und manchmal als Frucht der Erkenntnis und Freiheit, sowie die biblische Frucht, die die Erkenntnis des Guten und des Guten enthält falsch. Der Name des Werkes, Sohn eines Mannes, ist eine biblische Referenz.

Sie können auch mögen ...

• Surrealismus: Merkmale und Hauptkünstler.
• Avantgarde.

8. Sternwarte Stunde - Die Liebendenvon Man Ray

Man Ray beschäftigte sich mit Dadaismus und Surrealismus. In dieser Arbeit arbeitet er mit erotischen Elementen in Anspielung auf die Freudsche Psychoanalyse. Die Leinwand hat ihren halben Namen von dem Telefondienst, der die Uhrzeit des Observatoriums zur Verfügung stellt. Tatsächlich sehen wir im unteren Streifen das Observatorium, das Man Ray jeden Tag auf seinen Spaziergängen durch die Luxemburger Gärten betrachtete. Am Himmel schwebend sehen wir ein Lippenpaar, eine Allegorie der vereinten Liebeskörper. Damit wird die Fülle der Stunde oder Zeit der Liebe unterstrichen.

9. Shakespearesche Gleichung, Die zwölfte Nachtvon Man Ray

Man Ray präsentiert eine von Shakespeares Komödie inspirierte Leinwand Die zwölfte Nacht (Zwölfte Nacht), auch bekannt als Königsnacht. Verknüpfen Sie Objekte ohne offensichtliche Beziehung zueinander und erstellen Sie komplexe Fäden, wie z. B. die Beziehungen von Shakespeare-Figuren. Unter diesen Objekten ragen ein Straußenei und ein Phallusobjekt heraus, die zugleich Referenzen auf andere Arbeiten von Ray sind. Der Maler unterstreicht mit dieser Geste die Interferenzialität sowohl im Verhältnis von Literatur und Malerei als auch in der Malerei selbst.

10. Ich und das Dorfvon Marc Chagall

Marc Chagall lässt sich nicht auf eine bestimmte Bewegung eingrenzen. Sein Werk kann gewissermaßen als Vorläufer des Surrealismus angesehen werden, sofern es mit traumhaften und fantasievollen Elementen ausgestattet ist. Auf dieser Leinwand betrachtet ein grünes Gesicht eine Kuh, ein mütterliches Symbol. Abgerundet wird die Szene durch Bezüge zur alltäglichen Ordnung der Kindheit, verwoben in eine verträumte und farbenfrohe Atmosphäre.

11. Celebesvon Max Ernst

Max Ernst war ein Künstler, der auch zwischen Dadaismus und Surrealismus schwankte. In dieser Arbeit imitiert er die Technik des Collage indem sie die unterschiedlichen Texturen von Materialien darstellen und scheinbar zufällige Assoziationen herstellen. Der Hintergrund wandert zwischen einem Himmel und einem Meeresuniversum. Die elefantenähnliche Hauptfigur hat sexuelle Konnotationen, ebenso wie der rechte Turm, ein phallisches Symbol. Eine interpretative Hypothese legt nahe, dass die gehörnte Krone am Rumpf des Monsters und der weibliche Körper auf den Mythos der Vergewaltigung von Europa anspielen.

12. Katalanische Landschaft (Der Jäger), von Joan Miró

Joan Miró gilt aufgrund der Besonderheit seiner Methoden und seines Stils als einer der wichtigsten Künstler des Surrealismus. Dieses Werk zeichnet sich durch den Prozess der grafischen Synthese der Elemente aus, darunter ein katalanischer Bauer oder Jäger das in seinen Attributen zusammengefasst wurde: ein Dreieck mit Auge, Schnurrbart und Bart, eine Pfeife, ein Ohr und ein Barretina. Die restlichen Elemente zeigen eine trockene katalanische Landschaft und verweisen im unteren Teil auf die katalanische Tradition, die als Bestattung der Sardine bekannt ist.

Sie können auch mögen... Joan Miró: 20 Schlüsselwerke erklärt.

13. Mama, Papa ist verletzt!von Ives Tanguy

Ives Tanguy gehörte zum Kreis von André Breton und galt als abstrakter Surrealist. Auf dieser Leinwand präsentiert er eine desolate Szene mit unverhältnismäßigen und unverhältnismäßigen Figuren, die unsere Aufmerksamkeit beim Betrachten des Titels noch mehr auf sich ziehen: "Mama, Papa ist verletzt!". Dieses Wechselspiel zwischen den Worten und der bildnerischen Arbeit erzeugt beim Betrachter einen anderen mentalen Zustand, der zumindest beim schnellen Lesen keine Elemente auf der Leinwand zum Festhalten findet.

14. Die Unsichtbarenvon Yves Tanguy

Nach dem Zweiten Weltkrieg ging Tanguy in die Vereinigten Staaten. Beeinflusst von den Stilen und Kollektionen, die er traf, begann er, Figuren mit biomorphen Teilen und mechanischen Teilen auf Räume zu setzen, wie auf dieser Leinwand. Die Figuren sind wie Phantasmagorien auf einem vagen und trägen Raum aufgestellt. Experten zufolge wecken diese Zahlen die Sorge der Surrealisten dieser Zeit um die Wesen von eine andere Welt, ein Phänomen, das keine rationale Erklärung hat.

15. Autobiographie eines Embryosvon Eileen Agar

Eileen Agar ist eine britische Künstlerin. In dieser Arbeit berücksichtigt die Künstlerin die Postulate der surrealistischen Bewegung. Teilen Sie die Leinwand in vier Teile und ziehen Sie Reminiszenzen an griechische Kunst hinein. Wir werden auch Anspielungen auf afrikanische Kunst sehen, auf die Renaissance, also eine Beschwörung des kulturellen Erbes, wie es von der Tate Modern in London, der Beschützerin dieses Stücks, definiert wurde. Wir sehen auch Figuren, die wie Zellen und Elemente der biologischen Welt aussehen.

16. Was das Wasser mir gebracht hatvon Frida Kahlo

Frida Kahlo war eine mexikanische Malerin, die mit dem Surrealismus in Verbindung gebracht wurde, obwohl sie sich selbst nicht so wahrnahm. So oder so, die Leinwand Was das Wasser mir gebracht hat es war genau diejenige, die ihm diesen Beinamen von André Breton selbst, Kurator seiner ersten Ausstellung in New York, eingebracht hat. Diese Leinwand gibt einen Überblick über die persönliche Geschichte von Frida Kahlo: ihre kulturellen und angestammten Wurzeln, ihre Krankheiten, ihre Ideen und ihre Sexualität.

Es könnte Sie interessieren: Frida Kahlo: Biografie, Gemälde, Stil und Sätze der mexikanischen Künstlerin.

17. Die kaputte Säulevon Frida Kahlo

Die kaputte Säule Es ist eine Leinwand von Frida Kahlo, die körperliches Leiden darstellt. Sie wurde nicht nur Opfer von Kinderlähmung und Fibromyalgie, sondern die Künstlerin erlitt in ihrer Jugend einen Unfall, der schwere Wirbelsäulenverletzungen verursachte. Frida Kahlo repräsentiert dieses Leiden in diesem Selbstporträt, in dem der halbnackte Oberkörper geöffnet ist, um zu zeigen eine alte Säule in Trümmern, während sein Körper mit kleinen Schmerzen belastet ist, die die Nägel.

18. Exquisite Leiche

Surrealisten praktizierten häufig eine der Literatur entlehnte Technik namens "exquisite Leiche". Eine exquisite Leiche besteht aus Folgendem: Eine Person macht eine spontane Zeichnung (Automaten) auf einem Segment des Papiers. Danach faltet er das Papier, um die Zeichnung zu verbergen, und gibt es an einen anderen Teilnehmer weiter, der im nächsten Abschnitt dasselbe tun muss. Am Ende wird das Papier entfaltet und ein Stück mit mehreren Figuren enthüllt, die zusammen die Mechanismen des Unterbewusstseins offenbaren. Dieses Exemplar, das wir präsentieren, weist charakteristische Elemente des Malers und Tänzers Valentine Hugo auf, der schwarze Hintergründe verwendete. Aber es ist ein kollektives Stück, an dem verschiedene Persönlichkeiten wie André Breton beteiligt waren.

19. Augen auf den Tischvon Remedios Varo

Remedios Varo ist ein spanisch-mexikanische Maler, der stark vom Surrealismus beeinflusst ist. In diesem Gemälde sehen wir das fantasievolle Spiel, das die Augen von seiner Wimpernbrille trennt. Die Elemente befinden sich auf einem Tisch, der auf einer Oberfläche mit Gras geringer Dichte schwimmt. Die Augen scheinen von außen auf die Instrumente zu blicken, die ihre Mängel beheben sollen. Währenddessen sieht der Betrachter eine unwirkliche Brille, deren aufgesetzte Wimpern mit räumlichem Unsinn spielen.

20. Den Erdmantel besticken, von Remedios Varo

Den Erdmantel besticken es ist die zentrale Tafel einer Arbeit von Remedios Varo, die Teil eines Triptychons ist. Dies wird mit den Szenen vervollständigt, die als. bekannt sind Richtung Turm Ja Die Flucht. Offenbar spielt die Szene auf die Zeit an, als Remedios Varo im Kloster webte, während ein anderer las. Der Faden entspringt einer mysteriösen Quelle im Zentrum der Komposition. Der Stoff entkommt den Grenzen des Turms und durchdringt die Welt mit seiner kreativen Kapazität.