Τα 10 κύρια καλλιτεχνικά ρεύματα: ποια είναι αυτά;

Ο Γκόμπριχ είπε στη μεγάλη του Ιστορία της Τέχνης ότι η τέχνη δεν υπάρχει, μόνο καλλιτέχνες. Σε ένα βαθμό αυτό είναι πέρα ​​για πέρα ​​αληθινό, αφού ο κάθε δημιουργός εκφράζεται από τον δικό του κόσμο, μοναδικό και αμεταβίβαστο. Ωστόσο, δεν είναι λιγότερο αλήθεια ότι οι καλλιτέχνες δεν μπορούν να ξεφύγουν από την εποχή τους. Κάθε καλλιτεχνική έκφραση, λοιπόν, υπόκειται σε ένα συγκεκριμένο πλαίσιο και, όσο κι αν ο καλλιτέχνης προσπαθεί να αποσυνδεθεί, παραμένει υπόκειται σε αυτό σε μεγαλύτερο ή μικρότερο βαθμό.

Στη συνέχεια, θα κάνουμε μια πρακτική περίληψη των βασικών καλλιτεχνικών ρευμάτων στην ιστορία της τέχνης. Αυτό το άρθρο είναι απλώς ένα βασικό περίγραμμα. Ας θυμηθούμε ότι τίποτα δεν είναι μαύρο ή άσπρο και ότι υπάρχει ένας τεράστιος αριθμός αποχρώσεων. Όλοι οι πολιτισμοί και όλες οι εποχές έχουν εκφράσει την τέχνη με κάποιο τρόπο.

Είναι δύσκολο να συνοψίσουμε σε ένα τόσο μικρό άρθρο τα ουσιαστικά χαρακτηριστικά όλων αυτών, αλλά θα προσπαθήσουμε να τα δώσουμε μια επισκόπηση που μπορεί να είναι πρακτική όταν πρόκειται για την κατανόηση της εξέλιξης της τέχνης μέσα από την ιστορία. Ως ένα σημείο, πες το

Εστιάσαμε το άρθρο στη δυτική τέχνη, αφού είναι εντελώς αδύνατο να συνοψίσουμε την καθολική καλλιτεχνική έκφραση σε τόσο λίγο χώρο.. Ελπίζουμε να σας φανεί χρήσιμο.

• Σας προτείνουμε να διαβάσετε: «Γιατί δημιουργήθηκε η τέχνη; Ένα ταξίδι στην ιστορία»

Τι είναι καλλιτεχνικό ρεύμα;

Τα καλλιτεχνικά ρεύματα (γνωστά και ως καλλιτεχνικά κινήματα) είναι το σύνολο των δημιουργιών που μοιράζονται το πλαίσιο και μια σειρά από αισθητικά χαρακτηριστικά, καθώς και ιδεολογικούς στόχους προσδιορίζεται. Ακολουθώντας αυτόν τον ορισμό, θα μπορούσαμε να ονομάσουμε καλλιτεχνικό ρεύμα και την τέχνη που δημιούργησαν οι μεγάλοι αρχαίοι πολιτισμοί, όπως η Αίγυπτος, η Ελλάδα ή η Μεσοποταμία.

Ωστόσο, αυτό δεν είναι απολύτως σωστό. Στους προαναφερθέντες πολιτισμούς δεν υπήρχε άλλη δυνατότητα δημιουργίας. ήταν η γνήσια έκφραση του πολιτισμού στο σύνολό του, επομένως είναι κάπως επικίνδυνο να το ονομάσουμε καλλιτεχνικό ρεύμα. Ως εκ τούτου, πρόκειται να ξεκινήσουμε το ταξίδι μας από τους τελευταίους αιώνες του Μεσαίωνα, όταν το διαφορετικό τα πολιτιστικά κινήματα αρχίζουν να διαδέχονται γρήγορα το ένα το άλλο για να κορυφωθούν στο μωσαϊκό των στυλ που εμφανίστηκαν τον δέκατο ένατο αιώνα και στον εικοστό

1. το ρομανικό

Το Romanesque είναι ίσως το πρώτο πλήρως ευρωπαϊκό στυλ, με ορισμένα πολύ συγκεκριμένα παγκόσμια χαρακτηριστικά.. Και, αν και είναι αλήθεια ότι δεν ήταν τόσο ομοιογενές στυλ όσο άλλες μεταγενέστερες τάσεις, όπως το μπαρόκ ή το Ο ρομαντισμός, είναι αλήθεια ότι σε όλα τα γεωγραφικά πλάτη της Ευρώπης μοιράζεται μια σειρά από στοιχεία που τον καθιστούν λίγο-πολύ στυλ συμπαγής.

Το Romanesque εμφανίστηκε γύρω στον 11ο και 12ο αιώνα στη Βουργουνδία. συγκεκριμένα, στο αβαείο του Cluny. Από εκεί εξαπλώθηκε στην υπόλοιπη Ευρώπη, όπου η κάθε περιοχή την έλουζε με τα δικά της χαρακτηριστικά. Δεν μπορούμε να κάνουμε μια πλήρη ανάλυση του τι είναι το Romanesque, αλλά μπορούμε να συνοψίσουμε ότι, αρχιτεκτονικά, περιλαμβάνει ρωμαϊκά κατασκευαστικά στοιχεία (εξ ου και η το όνομα που του δόθηκε τον 19ο αιώνα) και ότι οι βάσεις του είναι η ημικυκλική αψίδα, ο θόλος και ο βουβωνικός θόλος, μεταξύ πολλών άλλων στοιχείων εποικοδομητικός.

Το αρχιτεκτονικό ρωμανικό υπακούει στην ανάγκη για ενοποίηση της λειτουργίας στην Ευρώπη και την εμφάνιση των λεγόμενων προσκυνηματικών εκκλησιών, με πολύ συγκεκριμένη δομή. Σε ρομανικά κτίρια, η γλυπτική συνήθως υποτάσσεται στην αρχιτεκτονική, και βρίσκουμε μεγαλύτερη αφθονία γλυπτικής διακόσμησης στα τύμπανα και στα αρχιβολτάκια των θυρών.

Από την άλλη πλευρά, η ρωμανική ζωγραφική βασίζεται σε βυζαντινές εικόνες που ήρθαν από την Ανατολή με τις Σταυροφορίες, καθώς και σε μινιατούρες Μοζαραβίας. Είναι ιερατικοί πίνακες, πολύ μη ρεαλιστικοί, που κύριος στόχος τους ήταν να μεταδώσουν ένα μήνυμα και όχι να αντιγράψουν την πραγματικότητα. Για το λόγο αυτό, στους ρωμανικούς εικονιστικούς χώρους δεν υπάρχει ούτε προοπτική ούτε όγκος και τα γήινα στοιχεία αναμειγνύονται με τον παράδεισο και την κόλαση, που χωρίζονται δεόντως από ρίγες φωτεινών χρωμάτων.

2. το γοτθικό

Το επόμενο πλήρως ευρωπαϊκό στυλ ήταν το γοτθικό. Ιδιαίτερα ομοιόμορφο ήταν το λεγόμενο Διεθνές Γοτθικό, το οποίο αναπτύχθηκε τον δέκατο τέταρτο αιώνα και ανέκτησε το βυζαντινό χρυσό υπόβαθρο με ιδανικά στυλιζαρισμένες μορφές. Στο γοτθικό, οι παραστάσεις αρχίζουν να διαποτίζονται από την πραγματικότητα και οι φιγούρες τείνουν να γίνονται πιο ανθρώπινες. Είναι η εποχή των πόλεων, της φασαρίας του εμπορίου, των μεγάλων καθεδρικών ναών. Οι Γοτθικές Παρθένες αρχίζουν να είναι πραγματικές μητέρες, πολύ απομακρυσμένες από τις Θεοτόκους Παρθένες ή Παρθένες του θρόνου, ιερατικές, που δεν αλληλεπιδρούσαν με το Παιδί. Από την άλλη, ο Εσταυρωμένος, ζωγραφικός και γλυπτικός, πολιτογραφείται και αρχίζει να δείχνει πόνο.

Το πιο χαρακτηριστικό στοιχείο του γοτθικού είναι φυσικά οι καθεδρικοί ναοί. Η αρχιτεκτονική γλώσσα αυτών των κτιρίων είναι πολύ νέα. Παρόλα αυτά, ο Giorgio Vasari, τον 16ο αιώνα, περιέγραψε αυτές τις κατασκευές ως «βάρβαρες» (γοτθικές). Τα ιπτάμενα στηρίγματα και τα στηρίγματα πολλαπλασιάζονται, σχεδιασμένα να δίνουν σταθερότητα σε ένα ολοένα και πιο ψηλό κτίριο με περισσότερα ανοίγματα (τα θαυμάσια γοτθικά βιτρό παράθυρα). Είναι σημαντικό να θυμόμαστε ότι, με τον ίδιο τρόπο όπως το ρωμανικό, τα γοτθικά κτίρια ήταν εντελώς πολυχρωμία, γεγονός που υλοποιεί τη μεγάλη αγάπη που ένιωθε ο Μεσαίωνας για τους χρωματικούς τόνους αναμμένο.

3. Η αναγέννηση

Αν και ο κλασικός πολιτισμός δεν ξεχάστηκε τον Μεσαίωνα, είναι κατά την εποχή της Αναγέννησης ανακτήσει συνειδητά τις κλασικές επιταγές, όπως οι πραγματείες αρχιτεκτονικής του Ρωμαίου Βιτρούβιου (1ος αιώνας). Εγώ α. ντο.). Είναι επίσης αυτή την εποχή που ο καλλιτέχνης διανοείται, ο οποίος αρχίζει να θεωρείται κάτι περισσότερο από απλός τεχνίτης.

Η Αναγέννηση ξεκινά στη Φλωρεντία στις αρχές του 15ου αιώνα, με έργα όπως οι πόρτες του Βαπτιστηρίου ή ο υπέροχος τρούλος που σχεδίασε ο Brunelleschi για τον καθεδρικό ναό., του οποίου η διάμετρος δεν είχε επιτευχθεί από την κατασκευή του Πάνθεον τον πρώτο αιώνα μ.Χ. ντο. Οι αρχιτέκτονες αναζητούν έμπνευση στις κατασκευές της αρχαιότητας, ενώ οι ζωγράφοι, ελλείψει μοντέλα (η Πομπηία και το Herculaneum δεν είχαν ακόμη ανακαλυφθεί) είναι εμπνευσμένα από τις τοιχογραφίες που διακοσμούν το Domus Aurea στο Νέρωνας.

Ωστόσο, η πιο σημαντική καινοτομία της Αναγέννησης ήταν η μαθηματική προοπτική, κωδικοποιημένη από Ο Leon Battista Alberti (1404-1472) στην πραγματεία του De pictura, για την οποία βασίστηκε στις ιδέες του Brunelleschi. Από εκεί και πέρα, η ζωγραφική θα επιδιώκει να είναι ένα παράθυρο ανοιχτό στον κόσμο, όπου η προοπτική επιτυγχάνεται μέσα από ένα ενιαίο σημείο εξαφάνισης όπου συγκλίνουν όλες οι γραμμές.

4. Μπαρόκ

Τα τελευταία χρόνια του 16ου αιώνα, η Αναγέννηση έχει εξαντληθεί εντελώς και, αντ' αυτού, Εμφανίζεται ο μανιερισμός, ο οποίος στη ζωγραφική χαρακτηρίζεται από επιμήκυνση και σχηματοποίηση του φιγούρες. Αλλά στις αρχές του επόμενου αιώνα μια νέα αισθητική τάση άρχισε να κυριαρχεί στην Ευρώπη της αντιμεταρρύθμισης: το μπαρόκ.

Μπορούμε να πούμε ότι το μπαρόκ είναι το παιδί της Αντιμεταρρύθμισης της Καθολικής Εκκλησίας, που χρειαζόταν ένα όχημα έκφρασης για την πίστη της.. Ο στόχος ήταν να κρατηθούν οι πιστοί στη Ρωμαϊκή Εκκλησία και να τους αποτραπεί από τη μετανάστευση στον Λουθηρανισμό. Η γλώσσα του μπαρόκ είναι, λοιπόν, μια αντανάκλαση αυτής της θέλησης. Στη ζωγραφική το συναίσθημα προωθείται μέσω της απεικόνισης του πόνου. Οι παράξενοι θρύλοι των αγίων, εναντίον των οποίων κήρυτταν οι Προτεστάντες, εξαλείφονται και οι ιερές μορφές αναπαρίστανται με τις ιδιότητες τους. Η θρησκεία υποβιβάζεται στους ανθρώπους και οι βιβλικοί χαρακτήρες εμφανίζονται σε καθημερινές σκηνές, των οποίων τα μοντέλα προέρχονται απευθείας από την πραγματικότητα.

Στην αρχιτεκτονική, μπορεί να ειπωθεί ότι το μπαρόκ εξακολουθεί να είναι πολύ κλασικιστικό, ειδικά στη Γαλλία. Το Παλάτι των Βερσαλλιών είναι ένα εξαιρετικό παράδειγμα αυτού του κομψού γαλλικού κλασικισμού. Από την άλλη πλευρά, και όπως συμβαίνει συνήθως σε όλα τα στυλ, κάθε περιοχή γεννά ένα διαφορετικό μπαρόκ: στις Ηνωμένες Επαρχίες, για παράδειγμα, όπου δεν υπάρχει και στην Καθολική Εκκλησία και όπου οι προστάτες είναι οι αστοί των πόλεων, αναπτύσσεται μια οικεία ζωγραφική, της οποίας ο μέγιστος εκπρόσωπος είναι ο Johannes Vermeer.

5. ροκοκό

Το ροκοκό, που αντιμετωπίζεται λανθασμένα ως προέκταση του μπαρόκ, είναι μια γνήσια έκφραση του πρώτου μισού του 18ου αιώνα, της Εποχής του Διαφωτισμού. Χέρι-χέρι με φωτισμένους φιλοσόφους, αυτό το στυλ γιορτάζει τη γλυκύτητα της ζωής, την οικειότητα, την άνεση στο σπίτι και όλα όσα είναι όμορφα στην καθημερινή ζωή.

Γι' αυτό τα μοτίβα του ροκοκό είναι χαρούμενα, γιορτινά, καθόλου δραματικά: ποιμενικές, βουκολικές, μασκαράδες, γαλαντόμοι, φλερτ κ.λπ. Με μια λέξη: το ροκοκό είναι η χαρά της ζωής, η χαρά της ζωής, των πλούσιων τάξεων του παλαιού καθεστώτος.

6. Νεοκλασικισμός

Από πολλές απόψεις, ο νεοκλασικισμός σηματοδοτεί τη ρήξη με το ροκοκό. Αναδυόμενο επίσης στη Γαλλία, όπως και ο προκάτοχός του, αυτό το αισθητικό ρεύμα είναι η τέλεια έκφραση για τη νέα Γαλλική Δημοκρατία: ένα νηφάλιο, λιτό, αρμονικό και ρεπουμπλικανικό στυλ. Ο νεοκλασικισμός εμπνέεται φυσικά από την κλασική τέχνη. Στη ζωγραφική, προτιμά τα μεγαλεπήβολα και επίσημα θέματα, τα οποία χρησιμεύουν ως πρότυπο αρετής για τους ανθρώπους. σπουδαία παραδείγματα αυτού είναι οι καμβάδες του Jacques-Louis David (1748-1825), του μεγάλου νεοκλασικού ζωγράφου. Από την άλλη πλευρά, η νεοκλασική αρχιτεκτονική είναι πρακτικά μια μίμηση αρχαίων ελληνικών και ρωμαϊκών ναών. αρκεί να αναλογιστεί κανείς την Εκκλησία της Madeleine στο Παρίσι για να το συνειδητοποιήσει.

Το νεοκλασικό ύφος έζησε το ζενίθ του κατά την εποχή του Ναπολέοντα, αφού η ρωμαϊκή και πολεμική του αισθητική ταίριαζε πολύ στην αυτοκρατορία που είχε δημιουργήσει ο Μεγάλος Κορσικανός.. Μετά την πτώση του Ναπολέοντα, οι νεοκλασικές μορφές έγιναν απαρχαιωμένες και, παρά το γεγονός ότι η αισθητική τους παρέμεινε πολύ ζωντανή (ειδικά, αρχιτεκτονική) σε όλο τον 19ο αιώνα, στις πρώτες δεκαετίες του αιώνα οι πρώτες εκφράσεις του Ρομαντισμός.

7. Ο ρομαντισμός

Στην ιστορία της τέχνης είναι σύνηθες ένα στυλ να γεννιέται εν μέρει ως απάντηση στο προηγούμενο στυλ. Και, παρόλο που τίποτα δεν είναι μαύρο ή άσπρο και υπάρχουν πολλές αποχρώσεις σε αυτή τη δήλωση, βρίσκουμε όντως στοιχεία για αυτό σε περιπτώσεις όπως η γέννηση του ρομαντισμού. Ενώ ο νεοκλασικισμός ήταν μια αποθέωση του δημοκρατικού, πρώτα, και της ρωμαϊκής αυτοκρατορίας, αργότερα, με όλα τα πειθαρχία που αυτό συνεπάγεται, ο ρομαντισμός γεννήθηκε ως δικαίωση της ανθρώπινης υποκειμενικότητας και, επομένως, της άτομο. Η τέχνη δεν θα ιδωθεί ποτέ ξανά, τουλάχιστον αποκλειστικά, ως κάτι υποκείμενο στην εξουσία. είναι ο καλλιτέχνης που δημιουργεί, είναι ο εαυτός του που γεννά την καλλιτεχνική έκφραση. Ο αυθεντικός δημιουργός είναι ενάντια στην Ακαδημία και σε όλες τις κορεσμένες νόρμες που στραγγαλίζουν την τέχνη.

Όλα τα μετέπειτα ρεύματα που εξυψώνουν τον δημιουργικό ατομικισμό πίνουν από τον ρομαντισμό: οι Προραφαηλίτες, οι Συμβολιστές, οι Εξπρεσιονιστές και, φυσικά, οι Σουρεαλιστές.. Στην περίπτωση του τελευταίου, εξερευνούν τα βάθη της ανθρώπινης ψυχής στο όριο, κάτι που η ρομαντικά πριν από εκατό χρόνια όταν αναπαριστούν κόσμους ονείρου, τρομερούς, γεμάτους φαντάσματα, τάφους και εικόνες καρπό του παραλήρημα. Από την άλλη, το ρομαντικό ρεύμα δίνει μεγάλη σημασία στην πατρίδα και στο έθνος, όσο είναι αποτελείται από άτομα που αποφασίζουν και τείνει να εξιδανικεύει το παρελθόν των εθνών και να το μετατρέπει σε θρύλος.

8. ρεαλισμός και νατουραλισμός

Γύρω στο 1850, ο ρομαντισμός αρχίζει να λήγει. Είναι η εποχή του θετικισμού, των τεχνολογικών προόδων, της Δεύτερης Βιομηχανικής Επανάστασης. Στις πόλεις μεγαλώνουν εργοστάσια και πολλαπλασιάζονται οι άθλιοι που ζουν σε υπάνθρωπες συνθήκες. Τότε είναι που η τέχνη αρχίζει να ξεχνά τους ιδανικούς κόσμους που διακηρύσσουν οι ρομαντικοί και ενδιαφέρεται για κοινωνικά προβλήματα και συγκρούσεις.

Τόσο στις πλαστικές τέχνες όσο και στη λογοτεχνία, το επαναλαμβανόμενο θέμα είναι η κοινωνική καταγγελία. Πεινασμένοι εργάτες που φεύγουν από τα εργοστάσια σαν φαντάσματα. κουρελιασμένα και βρώμικα παιδιά. ιερόδουλες, ζητιάνοι, πλύστρες, νέοι χωρίς μέλλον. Ο ρεαλισμός δεσμεύεται, λοιπόν, στην κοινωνική πραγματικότητα..

Αργότερα, το αυξανόμενο ενδιαφέρον για την ψυχολογία κάνει το ρεαλιστικό ρεύμα να εξελίσσεται προς τον νατουραλισμό, ο οποίος φέρνει την αντικειμενικότητα και την παρατήρηση στα άκρα. Ο φυσιοδίφης καλλιτέχνης, που στη λογοτεχνία εκπροσωπείται θαυμάσια από τον Émile Zola (1840-1902), βλ. πραγματικότητα ως ερευνητικό εργαστήριο, όπου τα πλάσματα δρουν με βάση τα ερεθίσματα του Ήμισυ. Σε αυτήν την άκρως επιστημονική τέχνη, δεν υπάρχει επομένως θέση για την υποκειμενικότητα, πολύ περισσότερο για την ίδια την ομορφιά.

9. Τα ρεύματα του αισθητισμού

Ως απάντηση σε αυτή την τέχνη που έχει γίνει επιστήμη και που αγνοεί την ομορφιά του κόσμου, μια σειρά από ρεύματα εμφανίστηκαν στα τέλη του 19ου αιώνα που διακήρυξαν την τέχνη για την τέχνη. Αυτή είναι η περίπτωση της προ-ραφαηλικής αδελφότητας, της παρακμής, του παρνασσιανισμού, του συμβολισμού και του Art Noveau, πιο γνωστά στις ισπανικές χώρες ως Μοντερνισμός.

Δεν μπορούμε να μιλήσουμε για όλα αυτά τα ρεύματα εδώ, αλλά μπορούμε να επισημάνουμε τι κοινό έχουν: μια έντονη αποστροφή στον θετικισμό, στην τεχνολογική πρόοδο, στα εργοστάσια, στην επιστημονική πρόοδο ως ευνουχιστή της ομορφιάς. Επομένως, όλα αυτά τα αισθητικά ρεύματα θα θέλουν να επιστρέψουν στην τέχνη ως αποκλειστικός δημιουργός της ομορφιάς.

10. οι εμπροσθοφυλακές

Και πάλι, δεν μπορούμε να μιλήσουμε για όλες τις πρωτοπορίες που πολλαπλασιάστηκαν τα τελευταία χρόνια του 19ου αιώνα και τις πρώτες δεκαετίες του 20ού αιώνα, αλλά τουλάχιστον θα προσπαθήσουμε να τις ονομάσουμε. Οι επίσημες πρωτοπορίες εμφανίζονται στις αρχές του 20ου αιώνα. Το πρώτο από αυτά θεωρείται ο Φωβισμός, ένα ρεύμα που εκτιμούσε το χρώμα ως μέσο υποκειμενικής έκφρασης, όχι ως μιμητή της πραγματικότητας. Μετά τους Fauves, που πραγματοποίησαν την πρώτη τους έκθεση το 1905, οι πρωτοπορίες διαδέχονταν η μία την άλλη τόσο γρήγορα που μερικές από αυτές επικαλύπτονταν: εξπρεσιονισμός, φουτουρισμός, κυβισμός, ντανταϊσμός, σουρεαλισμός...

Η πρωτοπορία είναι το κύριο χαρακτηριστικό της τέχνης του 20ου αιώνα. Είναι μια σειρά από κινήματα που έρχονται σε αντίθεση με τα καθιερωμένα πρότυπα, ομάδες καλλιτεχνών με χαρακτηριστικά κοινές που ενώνονται για να σχηματίσουν ένα είδος εικονογραφικής σχολής, συνήθως με βασικό ιδεολογικό μανιφέστο. Επί του παρόντος, ζούμε σε μια νέα εποχή ατομικότητας που δημιουργεί καλλιτεχνικά ρεύματα θολώνουν και κατακερματίζονται σε χίλια κομμάτια, οπότε δύσκολα μπορούμε να μιλήσουμε για ρεύματα, αλλά για καλλιτέχνες. Μήπως όμως, κατά βάθος (και όπως είπε ο Gombrich) δεν ήταν πάντα έτσι;