19 διάσημα έργα τέχνης και οι περιέργειές τους

Διάσημα έργα τέχνης στην ιστορία έχουν τη δύναμη να συναρπάζουν και να διεγείρουν την περιέργεια των ανθρώπων από τη στιγμή που αποκτούν αναγνώριση και προβολή.

Πολλές από αυτές τις ιστορίες έχουν ιστορίες και περίεργα γεγονότα που πολλές φορές δεν γνωρίζουν το μεγάλο κοινό.

Επίσης, επιλέγουμε εμβληματικά και γνωστά έργα και εντοπίζουμε κάποιες περιέργειες γύρω τους.

1. Pietá, από τον Michelangelo (1498-1499)

Ένα από τα πιο διάσημα γλυπτά από την ιστορία της τέχνης και Αποκαθήλωση, που αντιπροσωπεύει το Virgem Maria com Jesus sem vida em seus braços.

Ένα γλυπτό μπορεί να δει κανείς στη Βασιλική του Σάο Πέδρο, όχι στο Βατικανό, και κατασκευάστηκε μεταξύ 1498 και 1499 από την Αναγέννηση Μιχαήλ Άγγελο.

Μια περιέργεια που λίγοι γνωρίζουν για το έργο και ότι είναι ο μόνος που δολοφονήθηκε από τον καλλιτέχνη. Το Seu nome μπορεί να διαβαστεί σε μια φέξα που διασχίζει ή peito de Virgem Maria, όπου διαβάζεται: MICHEA [N] GELVS BONAROTVS FLORENT [INVS] FACIEBAT. Μια μετάφραση της φράσης λέει: Michelangelo Buonarroti, ή Florentine, fez.

Ο καλλιτέχνης με περιλαμβάνει μόνο ότι δεν έχω παραδοθεί ποτέ. Στο assinatura ocorreu σε μια στιγμή raiva, pois τρέχαμε καυχημένοι ότι η συγγραφή θα ήταν άλλου ατόμου, λόγω της μικρής ζωής του Μιχαήλ Άγγελου.

Assim, για να διευκρινίσει αυτούς τους dúvidas, ή η ιδιοφυΐα αποφάσισε να σηματοδοτήσει τον θόλο του σε γλυπτική, σήμανση - ή επίσης στην ιστορία.

2. Μόνα Λίζα, από τον Ντα Βίντσι (1503-1506)

Ο πιο διάσημος πίνακας στον κόσμο είναι επίσης μερικά έργα με πιο περίεργα και μυστηριώδη γεγονότα. Μόνα Λίζα (Η Μόνα Λίζα, στα ιταλικά) είναι μια μικρή πλατεία 77 x 53 εκ. που βρίσκεται στο Μουσείο του Λούβρου, στο Παρίσι.

Ζωγραφισμένο από τον Λεονάρντο Ντα Βίντσι μεταξύ 1503 και 1506, αυτό το λάδι σε ξύλο εμφανίζει ένα πορτρέτο μιας νεαρής γυναίκας με αινιγματικό olhar και sorriso.

Το 2015 μπορέσαμε να μελετήσουμε με υψηλή τεχνολογία για να επαληθεύσουμε τα διάφορα στρώματα μελανιού και επιβεβαιώθηκε ότι Δεν υπάρχει καμία αλήθεια, τέσσερα διαφορετικά πορτρέτα στο έργο, τρία από αυτά φικκαράμ κρυμμένα πίσω από τη Μόνα Λίζα που βλέπω μαθαίνουμε.

Η εξαιρετικά ενδιαφέρουσα περιέργεια που αποκαλύφθηκε είναι η ίδια μελέτη που, σε αντίθεση με αυτό που φανταζόσασταν, ο Ντα Βίντσι ζωγράφισε μερικές από τις εικόνες και τις εικόνες, αλλά η τρέχουσα ζωγραφική δεν είναι αισθητή.

Είμαι, επίσης, ένα πανί, που δεν έτρωγα το seculo XX, το 1911. Σε ορισμένες περιπτώσεις ο ζωγράφος Pablo Picasso τέθηκε σε αναστολή, αλλά είναι επίσης γνωστό ότι ένας πρώην αξιωματούχος είχε αποσυρθεί στο έργο του μουσείου και μπήκε στον πειρασμό να το πουλήσει. Ασίμ, ανέκαμψε στο ύφασμα.

Υπάρχουν πολλές εικασίες και ιστορίες που περιβάλλουν τη Μόνα Λίζα ή που συνέβαλαν ακόμη περισσότερο στη φήμη της.

Διάβασα επίσης: Mona Lisa, του Da Vinci: ανάλυση και εξήγηση.

3. O Scream, από τον Munch (1893)

Ή κραυγή Πρόκειται για έργα τέχνης daquelas που γίνονται εικόνα μιας ιστορικής στιγμής και, περισσότερο από αυτό, μεταφράζει έναν πολύ συγκεκριμένο τύπο συναισθήματος: αγωνία.

Νορβηγικά μαλλιά ζωγραφισμένα Edward Munch το 1893, με 4 πιθανές εκδόσεις.

Οι ειδικοί επιβεβαιώνουν ότι η τρομοκρατημένη μορφή που βλέπουμε στο κέντρο της εικόνας θεωρείται ως έμπνευση για μια περουβιανή μαμά που είναι παρούσα σε μια έκθεση του 1850 στο Παρίσι.

Ένας καμβάς εκδόθηκε επίσης από την Εθνική Πινακοθήκη του Όσλο, στη Νορβηγία. Ή το roubo ocorreu το 1994 και οι κλέφτες tiveram στο ousadia deixar ένα μη τοπικό δίχτυ ευχαριστώντας για την έλλειψη ασφάλειας. Όχι τον επόμενο χρόνο η εργασία ανακτήθηκε και η ασφάλεια της γκαλερί ενισχύθηκε.

Για να μάθετε περισσότερα: O Grito, από τον Munch: έννοια και ανάλυση.

4. David, από τον Michelangelo (1512)

Outra διάσημο γλυπτό της δυτικής τέχνης είναι Δαβίδ, επίσης από τον Μιχαήλ Άγγελο. Ένα τεράστιο κομμάτι κατασκευάστηκε με μασίφ μάρμαρο, ύψους άνω των 5 μέτρων και βάρους 5 τόνων.

Το έργο βρίσκεται στο Galeria da Academia, στην Ιταλία, και αποτελεί έμβλημα της Ιταλικής Αναγεννησιακής περιόδου.

Μερικά περίεργα γεγονότα θα συμβούν ως peça, όπως το γεγονός ότι δέχτηκα επίθεση από πυρκαγιά το 1512, προκαλώντας κάποιες ραβδώσεις.

Στον πρώτο στόχο του δέκατου έκτου αιώνα, ο Ντέιβιντ δέχθηκε επίθεση από αντικείμενα κατά τη διάρκεια διαμαρτυρίας ενάντια στο χέρι του για τα κατάγματα, τα οποία αποκαταστάθηκαν.

Περισσότερο επίσης το 1991 από ένα πιο παράλογο περιστατικό, ένα γλυπτό sofreu μια επίθεση. Ένας Ιταλός καλλιτέχνης σκότωσε σκόπιμα ή έχασε τον Δαβίδ, σπάζοντας δύο δάχτυλα.

Με επαφή, η επίσκεψη στο πρώτο έργο του Μιχαήλ Άγγελου είναι δυνατή μόνο με προηγούμενο πρόγραμμα.

Εγκρίνετε τις γνώσεις σας σε: Ανάλυση του γλυπτού David από τον Michelangelo.

5. Moça με ένα άλμα της pola, από τον Vermer (1665)

Ένα πιο γνωστό έργο του Ολλανδού Johannes Vermeer é Moça με ένα άλμα από την Περόλα, 1665.

Η φήμη του είναι τεράστια και ο πίνακας κέρδισε τους κινηματογράφους το 2003 ως ταινία που λέει με φανταστικό τρόπο πώς η διαδικασία δημιουργίας του υφάσματος και η σχέση μεταξύ του ζωγράφου και του μοντέλου.

Όμως λίγη πραγματικότητα είναι γνωστή σχετικά με το θέμα, ακριβώς ότι η εμπνευσμένη μούσα ήταν ένας νεαρός άνδρας που απεικονίστηκε με ηρεμία και ορισμένο αισθησιασμό, παρατηρούμενος στα μισά ανοιχτά χείλη της.

Ένα κόσμημα που κρέμεται στο orelha του θα ξεχωρίζει στο ύφασμα για να αποκαλύψει μια παρόμοια λάμψη όπως είναι παρούσα σε εμάς και σε εμάς.

Είναι επίσης περίεργο να παρατηρήσουμε ότι, στην πραγματικότητα, ο ζωγράφος δεν εισάγεται σε μια εικόνα που συνδέει το αχλάδι με τον λοβό της νεαρής γυναίκας. Ο Assim, ή εγώ πηδώντας μπροστά, ένα υπερφυσικό χαρακτηριστικό, καθώς μια λαμπρή σφαίρα οργώνεται μέσα και έξω από την όραση. Μπορούμε ακόμη και να συγκρίνουμε ή να προσθέσουμε στον πλανήτη μας όταν δεν υπάρχει χώρος.

Ένας πίνακας είναι εικονικός που συγκρίνεται με Μόνα Λίζα, κερδίζοντας την κατάσταση ως "Ολλανδική Μόνα Λίζα."

Διαβάστε περισσότερα em: Ανάλυση του Moça με τον Brinco de Pérola.

6. Ή στοχαστής, από τον Ροντέν (1917)

Στη γλυπτική Ή στοχαστής, από τον Γάλλο Auguste Rodin, είναι ένα από τα σπουδαία έργα του ΧΧ αιώνα.

Ολοκληρώθηκε το 1917, αρχικά δημιουργήθηκε για να συνθέσει το A porta do Inferno, ένα έργο που ενσωματώνει πολλά γλυπτά και δημιουργήθηκε σε φόρο τιμής στο ποίημα του Ντάντε Αλιγκερίι, Α.

Ως διαδοχή αυτού του γλυπτού ειδικά, το foram feitas novas verses. Oo todo, ο γλύπτης έκανε μια δωδεκάδα "νέων στοχαστών".

Ο αρχικός Oome θα ήταν ο ποιητής, σε σχέση με τον Alighieri, αλλά ως φιγούρα που δεν απεικονίζεται ως συγγραφέας, μετακόμισε στον O στοχαστή.

O καλλιτέχνης tinha consciência δίνει ιδιοφυΐα στο έργο του και το chegou για να επιβεβαιώσει:

Ή τι σκέφτεται ή μένου στοχαστής και τι σκέφτεται όχι μόνο ως εγκέφαλος, ως sobrancelhas, ως μακρινά ρουθούνια και συμπιεσμένα χείλη, περισσότερο σαν κάθε μυ των χεριών, των πλευρών και των ποδιών σας, όπως μια κλειστή γροθιά και ή δύο δάχτυλα πα.

Για πιο λεπτομερή ανάλυση, διαβάστε: Ω στοχαστής, από τον Αύγουστο Ροντέν.

7. Abaporu, από την Tarsila do Amaral (1928)

Όταν ένας διάσημος Βραζιλιάνος πίνακας βλάπτει, σχεδόν όλοι προέρχονται από το Abaporu, από την Tarsila do Amaral.

Εικόνα από την πρώτη φάση του μοντερνισμού στη Βραζιλία, ένας καμβάς σχεδιάστηκε το 1928 και προσφέρθηκε από την Tarsila στον σύζυγό της Oswald de Andrade ως δώρο.

Συγκρίνοντας τη ζωγραφική με τη γλυπτική O στοχαστής, βλέπουμε εμφανή semelhança στη θέση του σώματος των μορφών. Με την έκδοση, συσχετίζει δύο έργα, όπως ο Abaporu, με ένα είδος «επανεγγραφής» του γλυπτού του Ροντέν.

Από την άλλη πλευρά, ο καλλιτέχνης είπε σε συνέντευξή του το 2019 ότι το σπίτι της Ταρσίλα είχε έναν μεγάλο κεκλιμένο καθρέφτη. Επίσης, η δυσανάλογη φιγούρα που εμφανίζεται θα ήταν μια αυτοπροσωπογραφία του καλλιτέχνη, ο οποίος τοποθετήθηκε μπροστά ή κοίταξε και παρατήρησε τα πιο τεράστια συλλυπητήρια, εις βάρος του κεφαλιού.

Ούτως ή άλλως, το ύφασμα έγινε σύμβολο του «ανθρωποφαγισμού», ενός κινήματος που προσπάθησε να ενισχύσει τον βραζιλιάνικο πολιτισμό.

Ένας πίνακας έχει τα περισσότερα πρόσωπα της ιστορίας και είναι αμφίβολος σε ένα πλαίσιο της βραζιλιάνικης κουλτούρας, αξίας 45 έως 200 χιλιάδων δολαρίων.

Διαβάστε περισσότερα em: Έννοια του Abaporu.

8. Μια εμμονική da memória, του Σαλβαδόρ Νταλί (1931)

Ένας διάσημος σουρεαλιστής καμβάς Η επιμονή δίνει μνήμη, από τον Ισπανικό Σαλβαδόρ Νταλί, παρουσιάζει μια παράλογη εικόνα που λιώνει θρησκείες, μορφές και μύγες, έχει σχήμα σώματος και δημιουργείται ένα ασυνήθιστο τοπίο.

Με μειωμένες διαστάσεις (24 x 33 cm), μεγάλωσε το 1931 σε μόλις πέντε ώρες κατά τη διάρκεια μιας δημιουργικής δοκιμής του καλλιτέχνη.

Μου λέει ότι ο Ντάλι είχε φάει τον Κάμεμπερτ εκείνη την ημέρα που ήταν άρρωστος. Όταν η γυναίκα του διασκεδάζει με φίλους, ή ένας καλλιτέχνης αποφάσισε να πάει σπίτι.

Εντούτοις, δεν είναι ατελιέ ότι είναι ένας πίνακας που έγινε ένα από τα πιο σημαντικά του κινήματος της ευρωπαϊκής εμπροσθοφυλακής.

Για να μάθετε περισσότερα σχετικά με την ανάλυση αυτής της εργασίας, διαβάστε: Ένα εμμονικό da memoria, του Νταλί.

9. Ολυμπία, από τον Manet (1863)

Ένα άλλο εικονίδιο της ευρωπαϊκής τέχνης είναι Ολυμπία, feito από τον Édouart Manet το 1863. Ένας καμβάς, που δείχνει μια γυναίκα δεμένη και τον επιχειρηματία της που έχει ζωγραφίσει λουλούδια, σκανδαλώθηκε την κοινωνία της εποχής.

Μια reação ocorreu devido à maneira ως γυναίκα απεικονίστηκε, και όχι επειδή ήταν ντυμένη. O olhar απευθείας από την Ολυμπία καταδεικνύει υπεροψία και σταθερότητα που συγκλονίζει το κοινό. Αλίμονο, ή δεν επιλέχτηκε για το έργο ήταν συνηθισμένο στις πόρνες της εποχής στο Παρίσι, ή αυτό υποδηλώνει ότι ένα πρόσωπο ήταν μια πόρνη της υψηλής κοινωνίας.

Ή μοίρα να αγνοούμε τα λουλούδια, πιθανό δώρο ενός πελάτη, και να βλέπουμε ή να βλέπουμε το confere ainda περισσότερο ousadia.

Η Έμπορα απεικονίστηκε ως ευγενική, ένας νεαρός άνδρας ήταν μοντέλο, όχι εγώ ήμουν ο Βικτωρίνος Μουρέντ. Ποζάρει για διάφορους καλλιτέχνες στο κύκλωμα, sobretudo, Manet. Ή περίεργο είναι ότι η Βικτορίνα ήταν επίσης καλλιτέχνης, έχοντας ζωγραφίσει μερικές φωτογραφίες, αλλά δεν είχε επιτυχία στην καριέρα του και εξασκούσε όλα τα χαμένα υφάσματα.

Ως κοινή ιστορία της τέχνης, αυτό είναι ένα παράδειγμα μιας γυναίκας που μαλακώνει ως καλλιτέχνης, αλλά το ganhou ξεχωρίζει ως μοντέλο, έχω το σώμα μου αιώνιο σε μερικά από τα πιο διάσημα υφάσματα του Édouard Μανέτ.

Ο πίνακας βρίσκεται επί του παρόντος στο Museu d'Orsay, στο Παρίσι.

10. Μαμάν από τον Μπουρζουά

Ένας Γάλλος καλλιτέχνης Louise Bourgeois δημιούργησε διάφορα γλυπτά aranhas από δύο χρόνια 90. Μερικά από αυτά είναι γνωστά στο κοινό της Βραζιλίας για διαμονή για πολλά χρόνια στο πάρκο Ibirapuera, ενσωματώνοντας τη συλλογή του MAM (Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης του Σάο Πάολο).

Καθώς οι διάσημοι aranhas είναι σημαντικοί για το έργο των αστών, το pois σχετίζεται με την παιδική του ηλικία και με τα lembranças της αποκατάστασης των tapeçarias της χώρας του.

Além disso, συμβόλιζε το mãe του. Ο καλλιτέχνης περιγράφει το mãe da next maneira: "Ήταν σκόπιμη, έξυπνη, υπομονετική, ηρεμιστική, προσεκτική, λεπτή, λεπτή, απαραίτητη, καθαρή και χρήσιμη quanto uma aranha".

Ο Foram έφτιαξε αρκετούς στίχους του aranhas, που λεβάμ ή nome από τον Maman, που σημαίνει "mãe".

11. Vênus de Milo (περίπου δεύτερος αιώνας π.Χ.). ΝΤΟ)

Θεωρείται σύμβολο της κλασικής ελληνικής τέχνης, γλυπτικής Βένος ντε Μίλο Βρέθηκε από τον Γιώργο Κεντρότα, ένα ελληνικό camponês, το 1820 στο νησί της Μήλου, όχι στο Αιγαίο Πέλαγος.

Περιστασιακά υπήρχε και ένας Γάλλος ναυτικός Olivier Voutier, ο οποίος ενθάρρυνε τον Γιώργο να σκάψει τα ψάρια.

Οι ανασκαφές βρέθηκαν εκτός από άλλα θραύσματα, όπως ένας άντρας που εξασφάλιζε ένα maçã και δύο πυλώνες με αρσενικές προτομές.

Depois de negotções, έργο δύο Γάλλων και επί του παρόντος μέρος του Μουσείου του Λούβρου, στο Παρίσι.

Η Γαλλία έζησε μέσα από μια περίοδο επανεκτίμησης της κλασικής κουλτούρας grego και ενθουσιασμού με την απόκτηση ενός τέτοιου λειψάνου.

Η εποχή της ανακάλυψής της βρέθηκε στη βάση της με επιγραφή ως το κείμενο: «Alexandre, filho de Menides, πόλη της Αντιόκειας, φέτος ένα κράτος».

Η Antioquia ήταν μια τουρκική πόλη που ιδρύθηκε σε έναν κοσμικό απόστολο ή μια ελληνική κλασική περίοδο. Assim, ο Vênus de Milos δεν είναι ένα γλυπτό αρχικά της Grécia Antiga.

Εν τω μεταξύ, οι Γάλλοι ήταν πολύ απογοητευμένοι με την πιθανότητα του συντάκτη και ο διευθυντής του Μουσείου του Λούβρου προσέλαβε ειδικούς για να αναλύσει το έργο. Επιβεβαιώνεται ότι με βάση το γλυπτό ενσωματώθηκε αργότερα και ότι η Αφροδίτη είχε γλυπτεί από τον Πραξιτέλη, έναν διάσημο Έλληνα γλύπτη στην αρχαιότητα. Με βάση τις γαλλικές τρίχες, αποκλείστηκε.

Αργότερα, οι νέες μου μελέτες, επιβεβαιώθηκαν ότι το γλυπτό ενός μωρού ήταν δημιουργία του Alexandre de Menides.

Αυτό το άγαλμα ήταν κατασκευασμένο από μάρμαρο, ύψους 2 μέτρων και βάρους περίπου 1 τόνου.

Διάβασα επίσης: Ανάλυση του γλυπτού Vênus de Milo.

12. Fonte, αποδίδεται στον Duchamp (1917)

Το 1917 εγγράφηκα σε μια αίθουσα έκθεσης γλυπτών Fonte, μια πορσελάνη mictorio assinado com ή nome R. Γκαφατζής.

Προκάλεσε όμως σκάνδαλο, αλλά αμφισβητήθηκε ότι δεν μπορούσε να ανυψωθεί στην κατάσταση της τέχνης. Επίσης, έγινε ένα από τα πιο διάσημα και σημαντικά έργα του κινήματος του Ντάντα, δίνοντας νέες εξελίξεις στη σύγχρονη τέχνη και, αργότερα, στη σύγχρονη τέχνη.

Μεγαλύτερη περιέργεια από ό, τι όλοι γνωρίζουμε ότι η ιδέα αυτού του έργου μπορεί να μην ήταν από τον Marcel Duchamp, έναν καλλιτέχνη Γάλλοι που ανέβηκαν στη φήμη pela criação da peça, και sim ενός καλλιτέχνη φίλου της γερμανικής βαρόνης Elsa von Freytag Λόρρινγκβεν.

Αυτές οι εικασίες θα προκύψουν από επιστολές του ίδιου του Duchamp που επιβεβαιώνει:

Ο Uma das minhas φίλοι που έδιναν το ψευδώνυμο του Richard Mutt μου έστειλαν μια πορσελάνη ουρινόλη ως γλυπτό. Καθώς δεν υπήρχε τίποτα άσεμνο, δεν υπήρχε κανένας λόγος να το ξανασκεφτούμε.

13. Μια έναστρη νύχτα, του Βαν Γκογκ (1889)

Μερικοί από τους πιο αναπαραγόμενους πίνακες της σύγχρονης εποχής Μια έναστρη νύχτα, του Ολλανδού Βίνσεντ Βαν Γκογκ.

Βαμμένο το 1889, ένας καμβάς 73 x 92 cm εμφανίζει ένα νυχτερινό τοπίο με έναν τεράστιο σπειροειδή κινούμενο ουρανό, υποδηλώνοντας τη συναισθηματική αναταραχή που βιώνει ο καλλιτέχνης.

Η εργασία σχεδιάστηκε κατά τη διάρκεια ή κατά τη διάρκεια του χρόνου που δεν ήταν οικειοθελώς στο ψυχιατρικό νοσοκομείο του Το Saint-Rémy-de-Provence e απεικονίζει μια άποψη του janela de seu quarto σε συνδυασμό με στοιχεία φαντασία.

Assim, ή vilarejo και μια μικρή εκκλησία που παραπέμπει στην Ολλανδία στην οποία πέρασε τη νεολαία της.

Μελέτες δείχνουν ότι το άτομο που εκπροσωπήθηκε εκθέτει δύο αστέρια στην ακριβή θέση εκείνη τη στιγμή, αποδεικνύοντας μεγάλη γνώση της αστρονομίας.

Διαβάστε περισσότερα em: Ένα μοναδικό αστέρι του Βαν Γκογκ.

14. Ως meninas, Velásquez (1656)

Να ζωγραφίσει Ως μενού, από τον διάσημο Ισπανό ζωγράφο Diego Velázquez, γεννήθηκε το 1656 στο Museo do Prado, στο Madri.

Μια εικόνα δείχνει τη βασιλική οικογένεια του μονάρχη Filipe IV και εντοπίζει διάφορα περίεργα στοιχεία που προσδίδουν uma εκπληκτική και πρωτότυπη ατμόσφαιρα, οδηγώντας τον θεατή να φανταστεί μια ολόκληρη αφήγηση γύρω από δύο προσωπικότητες.

Αυτό το καινοτόμο έργο, το Pois ασχολείται με την προοπτική ενός χρησιμοποιημένου τρόπου, δημιουργώντας ένα περιβάλλον με πολλά σχέδια. Επιπλέον, εντοπίζει τη φιγούρα του ίδιου του καλλιτέχνη σε μια αυτοπροσωπογραφία που δεν πληροί τις προϋποθέσεις και εμφανίζεται με υπεροπτικό τρόπο, σε μια αναζήτηση για αναγνώριση της αφθονίας.

Το δείπνο δείχνει μικρή πριγκίπισσα Μαργαρίτα στο κέντρο με τις κυρίες της παρέας και φιγούρες δικαστικής ψυχαγωγίας, όπως το κουτάβι και τα άτομα με ελλείψεις στην άμεση πλευρά.

Ο βασιλικός οίκος απεικονίζεται σε έναν μικρό καθρέφτη στο πλάι της πόρτας.

Εξαιρετικά ενδιαφέρουσα ερώτηση που προτείνει ο καμβάς για ποια σειρά ή θέμα της ζωγραφικής του Velázquez μέσα στον δικό του πίνακα.

Για καλύτερη κατανόηση του υφάσματος, διαβάστε: Ως μενού, από τον Velázquez: análise da obra.

15. O beijo, από τον Klimt (1908)

Ένα από τα πιο δημοφιλή έργα παγκοσμίως που εκτυπώνει διάφορα αντικείμενα αυτή τη στιγμή Ή μπεζ, από τον Αυστριακό Gustav Klimt.

Παράγεται το 1908, ο καμβάς απεικονίζει την αγάπη ενός σπιτιού και μέρος της νέας χρυσής φάσης του καλλιτέχνη, ο οποίος χρησιμοποιεί φύλλα χρυσού ως δύο υλικά.

Ωστόσο, βλέπουμε ότι ο μανδύας που καλύπτει τις μορφές εμφανίζεται κυκλικός, ορθογώνιος και μικρά σημεία διαφορετικών χρωμάτων.

Ως έμπνευση για μια τέτοια τυποποίηση, είδα εικόνες αιμοπεταλίων αίματος, που μελετήθηκαν με μικροσκόπιο εκείνη την εποχή, όταν οι επιστήμονες γοητεύτηκαν με το πόσο ακάλυπτα δεν εμφανίστηκαν.

Χρόνια πριν από τη δημιουργία υφασμάτων ή καλλιτέχνη, είχε δημιουργήσει έργα εμπνευσμένα από θέματα ιατρικής.

Επίσης, είναι δυνατό να προσδιοριστεί η επιθυμία του Κλίμτ να ενωθεί ή να ρομανθεί το θέμα με την υλοποίηση του ανθρώπινου σώματος.

Για περισσότερες πληροφορίες, διαβάστε: Quadro O beijo, από τον Gustav Klimt.

16. Salvator Mundi, αποδίδεται στον Λεονάρντο Ντα Βίντσι (περίπου 1500)

Ένα πιο αμφιλεγόμενο έργο που αποδίδεται στο Da Vinci είναι ένα tela Salvator mundi, που απεικονίζει τον Ιησού Χριστό στο αναγεννησιακό στυλ.

Παρά το γεγονός ότι υπάρχουν αντιπαραθέσεις σχετικά με τη συγγραφή του πίνακα, αυτή είναι η πιο ακριβή δουλειά που έχει πουληθεί ποτέ στο leilão. Η αξία της πληρωμής για λάδι σε καμβά ήταν 450 χιλιάδες δολάρια το 2017.

Προς το παρόν δεν είναι γνωστό ακριβώς πού βρίσκεται ο πίνακας, αλλά αγοράστηκε από έναν Σαουδάραβο πρίγκιπα. Όταν αποκτήθηκε, η ιδέα ήταν ότι θα εκτίθεται στο Μουσείο του Λούβρου του Αμπού Ντάμπι ή ότι δεν θα συμβεί. Ο Χοτζ εικάζει ότι υπάρχουν δύο πλοία πρίγκιπα στο νησί.

17. O πλυντήριο καφέ, Portinari (1934)

Ή πλυντήριο καφέ είναι ένας πίνακας του Cândido Portinari από το 1934. Στο δείπνο, ανίχνευσε τη φιγούρα ενός εργάτη στο χωράφι με το enxada, τα μεγάλα γυμνά πόδια του, μια λεβούρα καφέ και έναν τρόμο που κόβει το τοπίο.

Είναι ένα από τα πιο αντιπροσωπευτικά έργα του διάσημου Βραζιλιάνου ζωγράφου και έχει τη συνεργασία του εργαζομένου Nilton Rodrigues, ο οποίος επίσης ποζάρει για άλλα υφάσματα, όπως το Mestiço e Café.

Παρά τη χαμηλή ποιότητα του βίντεο, αξίζει να δώσετε ένα τμήμα της συνέντευξης του 1980 με τον Globo Reporter ως πρώην Λαυραντόρ.

Για να μάθετε περισσότερα διαβάστε: Ανάλυση του πλυντηρίου καφέ, από το Portinari.

18. Ο καλλιτέχνης είναι παρών, από τη Μαρίνα Αμπράμοβιτς (2010)

Μία από τις πιο επιτυχημένες παραστάσεις των καλλιτεχνών Servia Marina Abramović και The Artist is Present, στη μετάφραση Ο καλλιτέχνης είναι παρών.

Πραγματοποιήθηκε το 2010 στο MoMA (Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Νέας Υόρκης), το έργο είναι μια δράση που η Μαρίνα είναι παρούσα σε μια έκθεση με το καλλιτεχνικό της κοστούμι.

Παραμένει καθισμένος μυρίζοντας σταθερά για τους επισκέπτες, οι οποίοι στέκονταν μπροστά της.

O σταματήστε την παράσταση και τον λόγο για το οποίο κερδίσατε το έργο όταν συμμετέχει ο πρώην σύντροφος σας (και επίσης ένας καλλιτέχνης), τοποθετώντας τον πρόσωπο με πρόσωπο με τη Μαρίνα.

Dois já não tinham mais contato, αλλά για 12 χρόνια είμαστε εραστές και συνεργάτες σε διάφορες δουλειές. Assim, μια σύνδεση μεταξύ τους, οι olhares και οι χειρονομίες για το εγγεγραμμένο και συναισθηματικό κοινό.

19. Série Silhueta, από την Ana Mendieta (1973-1980)

Η Άννα Μεντίτα (1948–1985) ήταν μια σημαντική κουβανέζικη καλλιτέχνης. Η παραγωγή του ξεκίνησε τη δεκαετία του '70 και το πεδίο του atuação δεν ήταν η τέχνη του σώματος και η παράσταση, η γλωσσολογία της σύγχρονης τέχνης, για τον εντοπισμό θεμάτων που σχετίζονται με τον φεμινισμό.

Το πιο διάσημο έργο του καλλιτέχνη ήταν μια σειρά Silhhouettes, στην οποία χρησιμοποιεί το σώμα της για να ενσωματωθεί στη φύση, επιδιώκοντας να χαρακτηρίσει το γυναικείο σώμα της όχι τον κόσμο και επίσης μια πνευματική σύνδεση ως τα πάντα.

Μια περιέργεια που σχεδιάζουμε εδώ όχι συγκεκριμένα για αυτήν τη σειρά, και μόνο για τον ίδιο τον καλλιτέχνη. Η Ana trazia ενισχύει τις σκέψεις σχετικά με το σώμα της βίας κατά μιας γυναίκας και ειρωνικά πιο σωστές σε αμφίβολες περιστάσεις, κάτι που υποδηλώνει θηλυκότητα.

Το 1985, ένας νεαρός καλλιτέχνης πέθανε από μια ταξιαρχία με τον σύζυγό της ή τον καλλιτέχνη Carl Andre. Το 34ο μέρος για να περπατήσετε στο Morava. Στο θάνατο καταγράφηκε ως αυτοκτονία, αλλά υπάρχουν ισχυρές ενδείξεις ότι ο Carl έχει εξαντληθεί. Ο σύζυγος σκοτώθηκε 3 χρόνια μετά και αθωώθηκε.

Μπορείτε επίσης να σας ενδιαφέρει:

• Σημαντικά έργα τέχνης ao longo da historia
• Οι πιο διάσημοι πίνακες στον κόσμο
• Ιστορία της Τέχνης: ένας χρονολογικός οδηγός για την κατανόηση των καλλιτεχνικών περιόδων