Edvard Munch: 20 hiilgavat teost ekspressionismi isa mõistmiseks

Edvard Munch on Norra maalikunstnik, mis asub üleminekul 19. sajandist 20. sajandini ja mida peetakse ekspressionismi isaks. Tema paljude jaoks skandaalne töö äratas noorte kunstnike ja spetsialiseerumata avalikkuse imetlust. Need tehti kindlaks kiire industrialiseerimise ja valitseva mehhanismi põhjustatud ärevusega.

Väljakujunenud kunstnike jaoks oli skandaali põhjus Munchi tehnilises vabaduses. Konservatiivsete sektorite jaoks lähtus see asjaolust, et maalikunstnik käsitles avalikult selliseid teemasid nagu seks, armastus ja ennekõike haigus ja surm, tema suured kinnisideed.

Tema stiil oli ainulaadne tänu sellele, et see lõi autentset ja originaalset keelt, mis tuleneb vabalt dialoogimisest postimpressionismi, juugendi ja avangardiga. Sellepärast, kuigi Munch avas ekspressionismi uksed, ei saa teda üheski liikumises sildistada. Heites pilgu tema olulisematele töödele, saame aru, miks on Munch ainulaadne ja kordumatu kunstnik.

1. Karje, 1893

Karje Kõige rohkem skandaali vallandas Munchi töö ja sellest hoolimata peetakse seda täna Mona Lisa kaasaegse kunsti. See esindab androgüünset isikut, kelle nägu väljendab pärast karjumist kuulmist või lausumist maksimaalse ilmega ängi. Järelikult tajub subjekt maailma lainetava ja rabava massina. Keegi peale Munchi polnud seda kunstis varem teinud.

Lavastus loodi pärast perioodi, mil üks tema õdedest vangistati enesetapukatse eest, mis viitab mõnele seosele selle episoodiga. Uudishimulik fakt Karje on see, et Munch tegi neli versiooni, mille vahel olid väikesed erinevused, mis on maalikunstis väga levinud tava. Kuulsaim versioon on 1893. aasta versioon, mis varastati 1994. aastal ja mis paranes peagi pärast seda.

2. Ärevus, 1894

Jah Karje See on individuaalse meeleheite kuvand Ärevus see on kollektiivse ängi väljendus, mille Munch Norra hinges haarab. Seetõttu pole Munch kunstnik, kes piirdub individuaalsete ebamugavuste registriga, vaid on tundlik üldise ebamugavuse suhtes mõjutas 19. sajandi lõpu ühiskonda, mille ümberkujundamine on palju kiirem kui tema võime töödelda muudatused.

Lõuend Ärevus See põhineb kahel varasemal Munchi maalil. Maastik, kus näeme Ärevus on lõuendist taastunud Karje. Tegelased on seevastu võetud Pärastlõuna Karl Johani tänaval. Varasematest kaadritest elementide võtmise strateegia on Munchis korduv. Maalikunstnik mitte ainult ei kujuta stseene, vaid neid moodustavad elemendid on mõeldud nende enda sümboliteks.

3. Haige tüdruk, 1885-1886

Haige tüdruk vastab Munchi loomingu varajasele stiilile, lähenedes impressionismile. Lõuendil on kujutatud tuberkuloosi surivoodil Munchi noorem õde Sophie. Selleks ajaks oli noor naine olnud umbes 15-aastane.

Nagu talle kombeks, esitas Munch sellest laulust erinevaid versioone, mis olid tema jaoks püsiv valu ja süütunde allikas. Selle põhjuseks oli asjaolu, et maalikunstnik, kes oli 13-aastaselt põdenud tuberkuloosi, tundis, et pidi oma õe asemel surema.

4. Armastus ja valu (vampiir), 1893

Munch pani sellele teosele pealkirja Armastus ja valu. Selles esindas ta naist, kes embas süles lebavat meest, otsides justkui lohutust. Kuigi Munch ei avaldanud kunagi teose isiklikku tähendust, räägib algne pealkiri palju. Kui see tükk aga avaldati, tekitas see tohutu skandaali.

Inimesed nägid temas sadomasohhistlikke märke ja tõlgendasid, et naine hammustas oma väljavalitut kaela vampiirina. Sellest tulenevalt hakati maali tuntama kui Vampiir. Selline oli skandaal, et aastaid hiljem oli see üks paljudest Norra natside okupatsiooni ajal tsenseeritud Munchi maalidest.

5. Madonna, 1894

Kast tuntud kui Madonna see kandis algselt pealkirja Armastaja naine või Naine, kes armastab. Nimetage teos ümber Madonna see on kahtlemata provokatsioon. Munch tootis sellest tükist vähemalt viis teadaolevat versiooni.

Kunstnik esitab naist nii, nagu oleks see ikoon, edastamaks jumaldustunnet, et tema ilu ja seksuaalsus ärkavad. Tema pead ümbritsev punane oreool vihjab armastuse ja valu suhetele isegi seksuaalakti lõpuleviimise ajal.

See hüpotees on õigustatud, kuna Munch tegi graveeritud versiooni, mille raami hulka kuulusid spermatosoidide dekoratiivsed motiivid, mis koonduvad makabrilisele lootele. Kokkuvõtteks võib öelda, et maal on sümbol eluringist, mis läbib seksuaalsust, sigimist ja surma.

6. Tuhk, 1894

Tuhk Seda peetakse joonte keermestamise ja värvimise tõttu üheks Munchi suurima esteetilise iluga teoseks. Kompositsioonis näeme musta värvi meest, pimeduse ja surma värvi. Mees on nurgas eksinud, justkui häbi nägu varjates, käed vastu pead. See tuletab meile meelde põlatud meest Armastus ja valu (vampiir).

Tema selja taga tõstab käed ka puhtavärvilises ja punase pihikuga kirguvärviga naine. Tema nägu väljendab kurbust ja muret. Kirgude loor on rebenenud.

Kujutise ja pealkirja suhe viitab paradoksile: kui kirg ära tarbida, see hajub. Kirgude tuli jätab ainult tuha. Kuid lisaks tekitavad tegelaste žestid süütunnet ja meeleheidet. See näitab, et sündmus rikub moraalikoodeksit. Kas see on abielurikkumine? Kas see oli vägistamine? Selle peab dešifreerima vaataja.

7. Puberteet, 1894-1895

Peal Puberteet, Munch kujutab täiesti alasti noort teismelist. Noor naine on kardetava näoga ja varjab oma eraelulisi osi. Rohkem kui tagasihoidlikkuse ja süütuse sümbol on žestid hirmu ja repressioonide sümbol seksuaalsus, mida Munch nooruses kannatas, arvestades isa usulist rangust ja konteksti ajastu.

Stseeni salapärast meeleolu kinnitab taustal olev lahti mõtestamatu vari, mis näeb välja nagu mingi kummitav fantasmagooria. Selle varajase Munchi teose tähtsus seisneb selles, et see tähistab muutuspunkti "impressionistliku" löögi ja tehnika vabastamise vahel kunstniku psühholoogilise maailma teenistuses.

8. Autoportree sigaretiga, 1895

Autoportree sigaretiga See on üks Munchi kuulsamaid teoseid, aga ka tema kõige tuntum autoportree tema tehtud paljude seas. Lõuendil demonstreerib autor mõistmist ja absoluutset meisterlikkust tehnikast valguse kuma kujutamiseks pimeduse ja suitsu keskel.

Seejuures loob Munch peaaegu salapärase atmosfääri, mis juhib tähelepanu tema näole ja käele. Nägu tundub olevat hämmingus ja üllatunud, samal ajal kui käsi, lisaks sigareti hoidmisele, tõuseb südame tasemele. Kui nägu on subjekti sisemise identiteedi märk, mida mõjutab emotsionaalne ebastabiilsus, on käsi plastikakunstniku sümbol.

9. Surm toas, 1895

Lapsepõlves nägi Edvard Munch, et paljud pereliikmed surid tuberkuloosi: mõned juhtumid on tema ema ja isa. Surm toas esindab oma pere kannatusi noorema õe Sophie kaotuse korral, keda me ei näe. Autori geenius on suunata vaataja tähelepanu pigem emotsionaalsetele kannatustele kui surmale.

Mees, kes palvetades käed üles tõstab, on tema isa, tõsine protestantlik usund. Seinale toetunud mees arvatakse olevat Munch, kes pöörab stseenile selja (surm, kiindumus ja usk), vaadates samal ajal otse oma varju. See toob esile asjaolu, et iga pereliige kannatab eraldi.

10. Kaks inimest (üksildased), 1896

Lõuend Kaks inimest see pole midagi muud kui üksinduse allegooria. Selles näeme identiteedita meest ja naist, seljaga vaataja poole, mõtisklemas inertse silmapiiri üle. Nende kahe vahel näib olevat ületamatu vahemaa.

Teos, nagu paljud teisedki Munchi autorid, oli kajastatud mitmeid kordi ja erinevates tehnikates. Nii teema kui ka selle esitamise viis kinnitavad kunstniku ärevat, üksildast ja depressiivset iseloomu.

11. Suudlus, 1897

Suudlusaastast 1897 on üks maali versioonidest, mida tuntakse kui Suudlus akna tagaautor Munch ise. Silma jääb viis, kuidas maalikunstnik kaht kujundit esindas. Nad näevad välja nagu üks keha, nende vahel ei ole eraldusjooni. Tegelastel puudub identiteet, omad piirid.

Tegelaste sulandumist ei saa romantiliselt lugeda, kuna stseeni tume ja raske õhkkond viitab ka surma lähedusele. Selle sarja tekitatud mõju oli selline, mis inspireeris kuulsat teost Suudlusautor Gustav Klimt.

See võib teile huvi pakkuda: Analüüs Suudlusautor Gustav Klimt.

12. Viljakus, 1898

Lõuendil Viljakus alates Munchist näeme rase naist, püsti, kes kannab puu rikkalikke vilju. Tema ees kontrastib mees, istuv, hargnenud ja kummardunud. Tema kõrval on näha kukkunud keppi. Mehe ja puu vahel on järjepidevus, sest esimene toetub jalale puu tüvel.

Puud võiks tõlgendada elupuuna. Oks on aga maha lõigatud, millest on järele jäänud vaid känd. Vilja kandmiseks on puu kärbitud, tükeldatud.

Radikaalsemad tõlgendused viitavad sellele, et Munch väljendab laste saamise tagasilükkamist. Tema viljad tähistaksid tema viljade lõppu. Tõlgendus põhineb asjaolul, et maal maaliti siis, kui Munch oli silmitsi võimalusega abielluda Tulla Larseniga - see kohustus ei olnud kunagi lõpule viidud.

13. Kohtumine ruumis, 1898

Peal Kohtumine ruumis näeme kosmoses graviteerivat meest ja naist. Teos kujutab endast erootilist hetke, mida piiritlevad mitte ainult kehad ja žestid, vaid ka joonte ümber liikuvad spermatosoidid. Näod on üksteisest kauged. Naine näib peaaegu ükskõikne. Mees näib olevat toimetatud. Tükk näitab autori tehnilist mitmekülgsust, samuti sümboleid ja väljendusressursse.

14. Elutants, 1899

Elutants see on elu ja armastuse etappide metafoor. See on välistseen, mille taustaks on Norra järve kohal sügav sinine taevas. Taevas näeme põhjapoolset päikest ja selle peegeldust vees - üht sümbolit, mida maalikunstniku maalides järjekindlalt korratakse.

Esiplaanil näeme sama naist kolmes etapis: vasakul valges noor neiu. Paremal üksildane must riietatud naine. Keskel naine ja tema mees tantsivad, nagu maailma polekski olemas. Kleidi punane värv sümboliseerib elu ja kirge. Paar võiks olla Tulla Larsen ja Munch.

Nende ümber tantsivad teised tegelased. Mustas naise taga nähakse groteski meest, kes on valmis naist väärkohtlema. Selle töö tähtsus seisneb selles, kuidas Munch suudab oma sisemise ängi keerukuse edasi anda eluetappide ümber, mille ta piirab armastusega.

15. Marati surm, 1907

Oma elu jooksul pühendus Munch sellele, et valmistada sellest erinevaid versioone Marati surm. Nende versioonide hulgas esitame ühe, mis tehti 1907. aastal. Marat oli 18. sajandi Prantsuse ajakirjanik ja poliitik, kelle mõrvatas Charlotte Corday.

Tundub, et sarjas on Munch ise meessoost referents, kinnitades seeläbi ideed, et maalikunstnik tundis end naiste ohvrina. Esteetilisest vaatepunktist paistab teos silma joonte kasutamise kui värvimise vormina. See on omamoodi rayonism, mis murdub kõverjoone modernistliku stiiliga ja tihedate värviliste pindade kasutamisega.

16. Suplejad mehed, 1907

Suplejad mehed de Munch paistab silma elava ja elava iseloomu poolest, mis on vastuolus paljude tema lõuendite lainetava ja pimeda atmosfääriga. Stseen kujutab meestegruppi alasti rannas, kus Munch veetis taastumisperioodi.

Munch näitab nii anatoomilise joonistamise oskust kui ka värvimise oskust. Rakendatud tehnikat toidavad impressionistlikud ja rayonistlikud põhimõtted ning mõnes aspektis näib see dialoogi fauvismiga.

17. Päike, 1909-1911

Päike on Oslo ülikoolist leitud Edvard Munchi monumentaalne seinamaaling. Selles uurib Munch uusi plastilisi keeli, mis lähendavad teda abstraktsele avangardile, eriti rühma Der Blaue Reiter esindajale Kandinskyle ja lüürilisele abstraktsioonile.

Sümboolika saavutab siin maksimaalse väljenduse. Päikesest saab jumaliku metafoor, mis kiirgab oma valgust maailmale ja puhastab teadmatuse varjud. Selle teosega demonstreerib Munch veel kord oma loomingulist vabadust, mis seletab, miks teda ei saa sildistada ühes stiilis ega liikumises. Munch ilmutab end unikaalse kunstnikuna pidevas uuenduses.

Samuti võite olla huvitatud: Ekspressionism: omadused, teosed ja autorid.

18. Galopeeriv hobune, 1912

Kaadris Galopeeriv hobune, näeme hobust, kes tõmbab lumekelgu, pardal mees. Pilkupüüdev detail on rajal, mis paistab silma, et see on mängu jaoks liiga kitsas.

Hobuse hirmunud väljendus ja tee ääres olevate inimeste meelelaad annavad mõista peatset ohtu. Parempoolsed lapsed üritavad põgeneda, samal ajal kui vasakpoolsed täiskasvanud ootavad enne kolimist kõhklematult. See on uus lähenemine hirmu ja ärevuse teemale, nii et see on autoris olemas.

19. Töötajad lumes, 1913

Edvard Munch oli tundlik ka teda ümbritseva sotsiaalse reaalsuse suhtes. Selle tõestuseks on erinevad maalid, mis ta töötajate kohta tegi, näiteks see lõuend Töötajad lumes.

Esiplaanil esindab Munch kolme vaataja ees seisvat töötajat, kelle labidad on tugipunkt. Neis on tunda tugevust, aga ka väsimust ja vananemist.

Keskuses asetatud töötaja tõstetud rusikas annab eelarvamuse nõudest või nõudest. Tundub, et need kolm meest on käes. Nende kolme tegelase taga jätkavad teised töötajad oma tööd, unustamata kunstniku ja ühiskonna pilku.

20. Autoportree kella ja voodi vahel, 1940-1943

Autoportree kella ja voodi vahel see on maal Munchi viimasest loomingust. Munch kasutas lõuendit surma läheduse sümboliseerimiseks, asetades oma kuju vanaisa kella ja voodi vahele. Kell tähistab aja peatamatut kulgu ja voodi surma kui lõplikku voodit kui igavest puhkust.

Üks detail paistab silma vastandina: kui kell on antiikse kujundusega, on voodikate moodsa geomeetrilise kujundusega. Sellega väljendab Munch südametunnistust aegade dramaatilise muutuse kohta, mida ta pidi elama.

Munchi taga saab eristada teatud tüüpi ruumi, kus vihjatakse tema kunstielu referentsteoste olemasolule, millele ta on pühendanud kõik oma jõupingutused.

Vaata ka: Raami analüüs Karje autor Edvard Munch.

Biograafia

Edvard Munch on Norra maalikunstnik ja graafik, kes sündis 12. detsembril 1863 ja suri 23. jaanuaril 1944.

Juba väiksest peale pidi ta tegelema haiguste ja surmaga. Esimest korda nõudis tuberkuloos oma ema Laura Cathrine Munchi elu, kui poiss oli vaid 5-aastane. Hiljem põhjustas ta oma noorema õe Sophie surma; tema onude oma ja aastaid hiljem isa Christian Munchi oma. Isegi Edvard Munch ise põdes seda haigust 13-aastaselt.

Need sündmused viisid maalikunstnikku hirmsasse haiguste ja haiguste terrorisse. surma ning kannatas seetõttu kogu elu ärevuse ja depressiooni all, mis määras tema päringud kunstiline.

Munch alustas inseneriõpinguid 1879. aastal, kuid loobus peagi sellest karjäärist, et pühenduda maalimisele. 19. sajandi Prantsuse kunst mõjutas teda tänu Pariisi-reisidele. Umbes 1890 hakkas ta seda projekti maalima Elu friis, tema enda kogemustele tuginedes maaliseeria, mis kujutab inimese elu erinevaid verstaposte.

Ehkki tema töö oli alguses skandaali allikas, sai see lõpuks olulise koha tema riigi ja Euroopa muuseumides. Pärast Natside okupeerimist Natsis, umbes 1940. aastal, tsenseerisid sissetungijad Munchi maale ja eemaldati need eksponaatidelt.

Kuid 1942. aasta tähistas tema lõplikku rahvusvahelist pühitsemist sellega, et ta oli New Yorgis näituse objekt, tunnustades tema viljakat kunstilist tööd. Kaks aastat hiljem suri Munch täielikus üksinduses.