Onko olemassa objektiivisesti parempaa taidetta kuin toinen?

Me kaikki tiedämme, että taide, kuten niin monet asiat, on subjektiivista. Kuitenkin, Onko olemassa objektiivisesti parempaa taidetta kuin toinen? Voimmeko löytää taiteellisen tyylin tai ajan, jolloin sen taiteellinen ilmentymä on objektiivisesti katsottuna muita parempi?

Ehdotamme kävelyä taiteen historian läpi selvittääksemme, onko olemassa taidetta, joka on objektiivisesti parempi kuin toinen.

• Aiheeseen liittyvä artikkeli: "Humanististen tieteiden 8 alaa (ja mitä kukin niistä opiskelee)"

Onko objektiivisesti parempaa taidetta olemassa?

Joidenkin historian kausien aikana tähän on varmasti uskottu. Siksi renessanssin aikana kirjailijat, kuten Vasari, väheksivät goottilaista taidetta ja leimasivat sitä "barbaariseksi" taiteeksi (goottilainen taide, josta sen nimi tulee). Barokki oli myös yksi paljon herjatuista tyyleistä Ranskan vallankumouksen ja klassismin myötä. Mutta mikä syy näille pohdinnoille oli?

Syynä ei ollut mikään muu kuin mentaliteetin muutos ja sitä kautta ennakkoluulojen ilmaantuminen. Vasarin aikana renessanssi oli vallannut taiteen, joten kaikkea, mikä ei mahtunut "klassistiseen" visioon, pidettiin vähäpätöisenä, vähemmän kehittyneenä taiteena. Sama tapahtui vuosisatoja myöhemmin barokin ja erityisesti rokokoon kanssa. Ranskan vallankumoukselliset pitivät jälkimmäistä aateliston taiteena ja siksi taiteena, joka oli tuhottava.

Niin Missä määrin taiteelliset arvioinnit ovat ennakkoluulollisia?

• Saatat olla kiinnostunut: "Filosofian 10 haaraa (ja niiden pääajattelijat)"

Mutta mitä taide oikein on?

Tässä meidän on tehtävä selvennys. Mitä on taide? Määritelmä niin monimutkainen kuin se on monimutkainen (ja monimutkainen). Espanjan kuninkaallinen akatemia tarjoaa sanalle erilaisia ​​määritelmiä. Niiden joukossa ovat seuraavat: "Käyttökyky, kyky tehdä jotain" ja "Aktiivisuuden ilmentymä". jonka kautta todellista tulkitaan tai kuviteltua vangitaan plastisesti, kielellisesti tai ääneen". Uskomme, että toisessa mielessä RAE on osunut naulan päähän. Katsotaanpa sitä huolellisesti: "... jonka kautta todellista tulkitaan tai kuviteltua vangitaan." On selvää: taiteella on kaksi polkua: todellisuuden esittäminen (joskus tiukasti, kuten näemme myöhemmin) tai transsendenttisten käsitteiden ruumiillistuma. Lisäksi meidän on lisättävä, että molemmat asiat eivät ole ristiriidassa keskenään, vaikka ne saavat meidät uskomaan niin.

Omalta osaltaan maineikas E. H Gombrich, hänen kuuluisassa taidehistoria, aloittaa esittelynsä väittämällä, että "Taidetta ei todellakaan ole olemassa. On vain taiteilijoita. Nämä olivat kerran miehiä, jotka ottivat värillistä maata ja piirsivät karkeasti biisonin muotoja luolan seinille; nykyään he ostavat värinsä ja piirtävät opasteita metroasemille”. Ja sitten hän lisää: "Ei ole mitään pahaa kutsua kaikkia näitä toimintoja taiteiksi, kunhan otamme huomioon sen tällainen sana voi tarkoittaa monia eri asioita, eri aikoina ja paikoissa, ja niin kauan kuin huomaamme, että Taidetta, johon on kirjoitettu sana isolla A: lla, ei ole olemassa, koska taiteen, jolla on iso A, on olemukseltaan haamu ja idoli…”.

Toisin sanoen arvostetulle historioitsijalle, jos vain taiteilijoita on olemassa ja siksi ei ole taiteen ihannetta (että Taide iso kirjain, joka kommentoi), niin se tarkoittaa, että ei todellakaan ole olemassa parempaa tai huonompaa taiteellista tyyliä tai aikakautta muut. Tämän lyhyen matkan suorittamiseksi on erittäin hyödyllistä luottaa konkreettisiin esimerkkeihin. Tällä tavoin on paljon helpompi ymmärtää, mitä Gombrich tarkoitti sellaisella lausumalla.

• Aiheeseen liittyvä artikkeli: "Mitä ovat 7 taidetta? Yhteenveto sen ominaisuuksista"

Koostumus, muoto, perspektiivi

Otetaan esimerkkinä biisoni, jota Gombrich kommentoi. Teillä kaikilla on mielessä tyypillinen esihistoriallinen maalaus, joka on tehty luolan suojassa. Esitetään kysymys. Onko tämä esitys realistinen? Älä epäröi vastata, koska vastaus on "ei".

Biisonin maalannut taiteilija ei halunnut edustaa todellista biisonia, volyymineen, perspektiiveineen ja realistisine yksityiskohtineen. Itse asiassa ei ole lainkaan perspektiiviä; piirustus on täysin litteä (vaikka joissakin esimerkeissä voidaan havaita merkittäviä realismia). Joka tapauksessa tulos on sama: luolan seinälle tai katolle kuvattu eläin edustaa ideaa, konseptia, ei todellista biisonia.

Verrataanpa esihistoriallista biisonia 1800-luvun maalaukseen; Esimerkiksi, Angelus-rukous kentälläVitoriasta kotoisin oleva taidemaalari Ignacio Díaz Olano.

Huomaamme, että kankaalla taidemaalari on tehnyt huolellisen esityksen, käytännössä valokuvallisen, kahden härän anatomiasta. Volyymit ovat täydellisiä, perspektiivi on riittävä; meillä on tunne, että olisimme läsnä kohtauksessa, ikään kuin olisimme osa esitettävää hetkeä. Sanalla sanoen: Díaz Olano vangitsee fragmentin todellisuudesta.

Tässä vaiheessa esitämme kysymyksen. Onko Díaz Olanon joukkue objektiivisesti parempi? Resoluution, piirtämisen, perspektiivin ja tekniikan suhteen tietysti kyllä. Maalauksen perspektiivi, volyymit, realistiset sävyt; niillä ei ole mitään tekemistä sen tasaisen neutraalin värisen hahmon kanssa, jonka näimme luolan seinällä. Tarkoittaako tämä nyt sitä, että Díaz Olanon työ on yleisesti ottaen objektiivisesti parempi kuin esihistoriallinen biisoni? Vastaus olisi tässä tapauksessa epäilemättä "ei".

• Saatat olla kiinnostunut: "Filosofian 10 haaraa (ja niiden pääajattelijat)"

Ilmaisu, käsite, idea

Otetaan toinen esimerkki, joka valaisee erittäin hyvin, mitä tarkoitamme. Eikä se ole mikään muu kuin Teloitukset toukokuun 3, Goyasta.

Hyvä. Vertaa sitä nyt toiseen kuvauskohtaukseen: Torrijosin ja hänen seuralaistensa teloitus Malagan rannoillaKirjailija: Antonio Gisbert

Aloitetaan toisesta. Sisään Torrijos, kaikki on täydellistä. Jälleen, koostumuksella ei ole vikaa; ei perspektiiviä, ei tilavuuksia, ei piirustusta eikä tekniikkaa. Se on muodollisesti katsoen täydellinen kuva. Lisäksi Gisbert tuo töihinsä myös ilmettä: jos katsomme tarkasti, jokaisen kasvot ne, jotka aikovat kuolla, ilmaisevat erilaisia ​​tunteita, jotka vaihtelevat tuskallisimmasta pelosta kaikkein eniten hämmästyttävä.

Mennään nyt Goyan teloituksiin. Voimmeko sanoa, että Torrijos on muodollisesti ratkaistu paremmin? No, huolimatta Goyasta puhumisesta, vastaus on jälleen kerran "kyllä". Gisbertin kangas on valokuvallinen tilannekuvaTodellisen hetken vangitseminen elämässä. Taas ja niinkuin enkeli Díaz Olano, näyttää siltä, ​​että olemme rannalla Torrijosin ja hänen seuralaistensa kanssa. Itse asiassa se, mikä maalauksessa on todella jännittävää, on se, että näytämme kuuluvan joukkoon vankeja, jotka odottavat vuoroaan kuolla, kun otetaan huomioon katsojan näkymän sijainti. Mitä tulee kasvoihin, ei muuta sanottavaa; Gisbert teki muistiinpanoja uhrien alkuperäisistä muotokuvista ja tapasi myös vainajan sukulaisia ​​luodakseen uskollisesti uudelleen teloitettujen piirteet.

Jos nyt menemme Goyan maalaukseen, näemme, että kasvot eivät ole tunnistettavissa. Aluksi ranskalaiset (teloittajat) piilottavat kasvonsa, ikään kuin he häpeäisivät. Lisäksi useimmat ammutuista peittävät kasvonsa käsillään. Ne harvat, jotka näyttävät kasvonsa, näyttävät meistä pikemminkin karnevaali- tai painajaisenaamioilta kuin ihmisiltä. Yksilöllisiä ryhmittymiä ei ole; Goya maalaa terroria puhtaimmassa muodossaan.

Mennään sitten kysymykseen. Tarkoittaako tämä, että Gisbertin maalaus on objektiivisesti parempi kuin Goyan? Ilmiselvästi ei. Ja koska? Koska yksinkertaisesti Gisbertin aikomus toteuttaessaan omaansa Torrijos ei ollut sama kuin Goyalla, kun hän maalasi omansa teloitukset. Ensimmäinen halusi näyttää moitteettoman todellisuuden, kun taas toinen hän ilmaisi vihansa ja turhautumisensa harjan läpi. Gisbert ei kokenut Torrijosin ampumaryhmää; Lisäksi hän maalasi kuvan useita vuosikymmeniä myöhemmin. Goya eli toukokuun kohtalokkaita päiviä.

• Aiheeseen liittyvä artikkeli: "Mitä luovuus on? Olemmeko kaikki "neroja"?"

Akateemisuuden painolasti

1700-luvulta alkaen ja ennen kaikkea 1800-luvulla akateeminen taide (esim. Torrijos) pidetään maalauksen ja kuvanveiston huippuna. Täydellinen sommittelu, saumattoman perspektiivin resoluutio, oikea suhde merkkien välillä... tieteellisissä teoksissa ei itse asiassa ole muodollisia virheitä, joihin viitata.

Ei kuitenkaan vähemmän totta, että ilmaisu ja ajatus unohdettiin 1800-luvulla. Toisin sanoen "mitä" laimennettiin, ja vain "miten" jäi jäljelle. Hyvin päinvastoin kuin muut "taiteet" historiassa, missä yli kaiken vallitsi käsite, ajatus, jota esitettiin. Tämä on yksi syy siihen, miksi muun muassa keskiaikaista taidetta on suurelta osin halveksittu 1700-luvulta lähtien; hänen käsitteellinen, transsendenttinen tyylinsä ei sopinut vallitsevan akateemismin kanssa.

Jos haluamme arvostaa taideteosta oikein, meidän on pidettävä mielessä, että arvostuksessamme kannamme akateemisuuden painolastia. Ja ole varovainen, sillä emme tarkoita tällä, että akateeminen taide on huonoa, päinvastoin; mutta on totta, että meille on monien vuosien ajan opetettu, että ainoa "hyvä" taide on sellainen, joka kunnioittaa muun muassa näkökulman, volyymin ja koostumuksen muodollisia ohjeita asioita. Ja tämä tietysti saa meidät eksymään, emmekä pysty arvostamaan muita "taiteita", joilla on tietysti itsessään arvoa.

Koska teoksen arvostamiseen tarvittavat suuntaviivat eivät ole vain niitä, joita Akatemia on sanelenut meille vuosisatojen ajan. On muitakin, kuten ilmaisukyky, tunne ja idea jotka toisaalta ovat ne, jotka sanelivat muiden aikojen ja kulttuurien taiteen. Pitäisikö meidän uskoa, että romaaninen Madonna ja lapsi on "pahempi" kuin Praxitelesin Venus? Ei tietenkään. He ovat kahden käsitteen ja kahden hyvin, hyvin erilaisen maailman tyttäriä.

Kuitenkin, kuten kaikki taiteeseen liittyvä, päätös on jokaisen oma. Tässä artikkelissa ehdotamme vain erilaista ulkoasua ja ennen kaikkea sopivaa jokaiseen tiettyyn työhön; näkökulma, joka ottaa huomioon kontekstin, tekniset mahdollisuudet ja tekijän persoonallisuuden.