Realismi taiteessa: ominaisuudet, alkuperä ja esimerkit

Taide on luonnostaan ​​inhimillinen ilmaisu. Juuri tästä syystä ja sen poikkeuksellisen kulttuurisen monimuotoisuuden vuoksi, joka on aina ollut olemassa, jokainen aikakausi ja jokainen yhteisö on harjoittanut taiteellista luomista eri tavoin mukauttaen taidetta omiin ilmaisutarpeisiinsa ja viestintää.

Taide ei ole aina pyrkinyt matkimaan todellisuutta; ei ainoastaan ​​1900-luvun avantgardissa, se koki huomattavan poikkeaman siitä, mutta se ei myöskään löydämme realismia muinaisen Egyptin tai lännen kaltaisten sivilisaatioiden taiteellisessa ilmaisussa keskiaikainen. On kuitenkin ollut kulttuureja ja historiallisia hetkiä, joissa luonnon jäljittely oli tärkeintä ja ajatus oli täysin alisteinen todellisuuden esittämiselle.

Miten realismi on syntynyt taiteessa? Mikä on ollut kehityssi? Tässä artikkelissa yritämme piirtää kierroksen eri taiteellisten ilmenemismuotojen ja niiden realismin asteen läpi.

Mitä realismi on taiteessa?

On tärkeää erottaa kaksi käsitettä: realismi taiteellisena suuntauksena ja realismi taideteoksen ominaisuutena.

. Siten, kun ensimmäinen on plastinen ja kirjallinen liike, joka rajoittuu vuosikymmeniin 1840-1880, realismi taideteoksen ominaisuus liittyy teoksen esittämään realismin asteeseen, nimittäin: perspektiivi, mittasuhteet, tilavuudet, tila, jne

Näin kaikki realistiset teokset eivät kuulu realismin virtaan, samoin kuin kehystetty teos tässä osassa sen ei tarvitse esittää realistisia ominaisuuksia (vaikka jälkimmäinen ei ole yleisin).

Realismin ominaisuudet 1800-luvun taiteellisena virtana

Realismiliike syntyi Ranskassa ja merkitsi selkeää vastausta edeltäjäänsä, romantiikkaan. Tällä tavalla, kun jälkimmäinen sai inspiraationsa legendaarisista teemoista ja toi ihmisten tunteet paroksismiinsa, Realismi ehdotti radikaalia käännettä ja suuntasi katseensa ympäröivään päivittäiseen todellisuuteen. Tästä realistisesta näkemyksestä aiheista tuli naturalismin (realismin "pimeän" pojan) myötä synkkä alamaailman ja ihmiskunnan synkimpien tilanteiden tutkiminen. Jotkut tämän virran tärkeimmistä kuvallisista edustajista ovat Jean-François Millet ja kirjallisella alalla Émile Zola, jota pidetään naturalismin isänä.

Meillä on siis se, että realismi ja naturalismi XIX-luvun taiteellisten virtausten suhteen tutkivat teemoja liittyvät arkeen ja siirtyvät pois motiiveista, jotka eivät perustu ympäristön empiiriseen havainnointiin taiteilijasta. Tästä syystä sekä toinen että toinen (erityisesti naturalismi) edustavat usein teollisen vallankumouksen mukanaan tuoman sosiaalisen epävarmuuden hapanta tuomitsemista.

Toisaalta realismi taideteoksen ominaisuutena liittyy, kuten olemme jo todenneet, sen muodollisiin ominaisuuksiin. Tämän esimerkin avulla se on melko selvää: renessanssin teos, joka ylpeilee matemaattisella näkökulmalla ja kunnioittaa lukuvolyymit on muodollisesti realistinen teos, mutta se ei ole mitenkään sidottu nykyhetkeen 1800-luvun realisti

• Aiheeseen liittyvä artikkeli: Mitkä ovat 7 taidetta?

Mistä lähtien realismia on esiintynyt taiteessa?

Jo ensimmäisistä taiteellisista ilmenemismuodoista (ns. rock art) löydämme piirteitä, joita voisimme harkita realistinen. Koska huolimatta siitä, että Altamiran biisoneissa ja Lascaux'n (Ranska) luolissa esitellyissä hevosissa emme löydä mitään viitteitä näkökulmasta tai aidosta halusta esittää todellista kohtausta, löydämme epätavallisia yksityiskohtia esityksestä eläimet.

Tästä huolimatta emme voi vielä puhua realistisesta taiteesta, koska luolamaalaukset Yleensä ne esittävät ilmeisen kaavamaisen kuvan ja liittyvät pikemminkin taiteeseen käsitteellinen. Itse asiassa laajasti ottaen ihmiskunnan taide ei koskaan ollut tiukasti realistista ennen vuoden syntymistä renessanssi, lukuun ottamatta tietysti kreikkalaista ja roomalaista taidetta.

Egyptistä löydämme jälleen äärimmäisen käsitteellisen taiteen: konsepteja ja ideoita ja jopa kohtauksia yritetään ilmaista päivittäiset toimet noudattavat selkeitä konventioita, joilla ei ole mitään tekemistä todellisuuden mimeettisen esityksen kanssa ympärillä. Muinaisen Egyptin taiteessa kohtaukset on järjestetty vaakasuoriksi vyöhykkeiksi, eikä esityksen elementeillä ole realistista järjestystä.. Lisäksi jokaisesta elementistä valittiin tärkeimmät osat, joten kasvot olivat profiilissa, silmät ja vartalo edessä ja jalat sivussa. Tämä ei totellut mitään todellisuutta ja oli yksinomaan alisteinen halulle edustaa kunkin elementin tunnistetuimpia osia.

Eli egyptiläiset "muovasivat" todellisuutta omalla tavallaan. Niilin laakson taiteilijat noudattivat tiukasti edustetun yksilön tärkeyteen liittyvää mittakaavajärjestelmää. Siten samassa kohtauksessa ja samalla tasolla löydämme jotkut hahmot paljon suurempia kuin toiset. Tämä kokoero ei johdu mistään näkökulmayrityksestä, vaan pikemminkin liittyy (muuten, erittäin tiukkaan) hierarkiaan. Egyptiläiset: jumalaa esitetään aina paljon suurempina kuin faarao, tämä on aina paljon suurempi kuin hänen vaimonsa ja lapsensa, jne

Tämä käsitteellinen esitys saadaan takaisin keskiaikaiseen taiteeseen, kuten tulemme näkemään myöhemmin. Mutta muinaisten sivilisaatioiden taiteen ja keskiajan välillä oli lyhyt sulku realistisesta taiteesta: kreikkalainen taide ja roomalainen taide, josta keskustelemme alla.

• Saatat olla kiinnostunut: "10 uteliaisuutta kuuluisista taideteoksista"

"Realistinen" sulku: Kreikka ja Rooma

Arkaainen kreikkalainen taide liittyi läheisesti tapaan esittää idän kansoja, erityisesti Egyptiä. Kuitenkin VI vuosisadalla a. c. jokin alkoi muuttua. Se on niin kutsuttu klassinen kreikkalainen aikakausi, jolloin rohkaistaan ​​todellisuuden kanssa yhdenmukaisempiin plastisiin esityksiin.

Kreikkalaisten kasvava kiinnostus ihmisen anatomiaa kohtaan on saanut alkunsa veistoksesta, joka jäljittelee tarkasti luontoa. on kreikkalainen mimesis, yritys vangita todellisuus sellaisena kuin se on, noudattaen siten suhteellisuus-, tilavuus- ja symmetriakriteereitä.

Huolimatta äärimmäisen realistisista marmorin ja pronssin anatomeista, älkäämme kuitenkaan unohtako, että samaan aikaan nämä teokset tottelivat sitä, mitä he ymmärsivät "ihanteelliseksi kauneudeksi". Toisin sanoen, vaikka kreikkalaisen kuvanveiston jumalat ja jumalattaret ovat anatomisesti täydellisiä, ne edustavat prototyyppejä, eivät konkreettisia, tunnistettavissa olevia henkilöitä.

Tätä varten meidän on odotettava Roomaa, jossa yksilöllisyys saavuttaa muotokuvan kautta aavistamattomia korkeuksia. Toisaalta, Pompejista löydetyt freskot, erityisesti ne, jotka vastaavat niin kutsuttua toista ja neljättä Pompeilainen tyyli, näyttää realismia, jota ei löydy uudelleen länsimaisesta maalauksesta ennen kuin XV vuosisadalla.

Nämä maalaukset pysyivät piilossa vuosisatojen ajan, ja ne hautautuivat Vesuviuksen purkauksen tuottaman tuhkan jäänteisiin. Paradoksaalista kyllä, katastrofi mahdollisti jäännösten säilyttämisen käytännössä ehjinä raunioiden löytämiseen asti 1700-luvulla. Löytäjien yllätys oli valtava, sillä heidän silmiensä edessä oli hienolaatuisia maalauksia ja vieläkin yllättävämpää realismia.

Niin kutsutun toisen pompeilaisen tyylin freskoissa ne on todellakin esitetty ikkunan läpi. kuvitteellisia erittäin pitkälle kehitettyjä arkkitehtonisia näkökulmia, jotka todella näyttävät "avaavan" tilan Seinä. Samaa tekniikkaa käytti vuosisatoja myöhemmin Masaccio freskossaan Kolminaisuus, firenzeläisestä Santa Maria Novellasta, joka hämmästytti hänen aikalaisiaan, koska se näytti avaavan reiän kirkon seinään.

keskiaikainen muovi

Masaccion työ oli aikansa hyvin innovatiivista; Ajatelkaamme, että Pompeian freskoista lähtien ei ole yritetty luoda näin selvän realismin tilaa. Rooman valtakunnan viimeisiä vuosia seurannut keskiaikainen taide on yleisesti (emme voi jäädä tässä kaikkiin tyyleihin ja ilmenemismuotoihin) kaavamaista ja äärimmäisen käsitteellistä.

Samalla tavalla kuin egyptiläiset, keskiaikaiset taiteilijat eivät edustaneet todellisia tiloja ja elementtejä, vaan ilmaisivat maalauksen ja kuvanveiston kautta sarjan käsitteitä ja ideoita. Elementit, kuten symmetria ja volyymi, menetetään tämän tyyppisessä työssä., mutta ei, kuten monet ovat väittäneet (ja valitettavasti väittävät edelleen), koska "he eivät tienneet maalata", vaan koska heidän tavoitteenaan näitä teoksia esitellessä ei ollut luonnon matkiminen.

Romaanisesta "ilmaisukyvyttömyydestä" on monia aiheita; ilmaisuttomuus, joka ei ole sellaista, minkä voi nopeasti ymmärtää, jos tarkkaan harkitsee joitain säilyneitä reliefejä. Sillä vaikka romaaninen plastiikkataide (ja keskiaikainen taide yleensä) on äärimmäisen käsitteellistä (kuten egyptiläinen plastiikkataide), ei ole totta, että siltä puuttuisi ilmaisu. Ongelmana on, että heidän ilmaisumuotonsa ei ole meidän monet tavat, joilla romaanisten taiteilijoiden oli vangittava tunteita ja tunteita, eivät vastaa nykyistä kieltämme.

Toisaalta monet romaanisen taiteen teoksista ovat täynnä yksityiskohtia, jotka voivat ilmetä syksyllä tunikan taitokset (kaaviomainen, mutta usein hyvin yksityiskohtainen) tai viimeisten pöytäliinaa koristavat reunukset Illallinen.

Perspektiivin saavuttaminen

1500-luvun alussa Filippo Brunelleschi merkitsi virstanpylvään taiteen historiassa perustamalla menetelmän matemaattiselle tai lineaariselle perspektiiville. Hieman myöhemmin Alberti kirjoitti Brunelleschin uudet teoriat töihinsä kuvasta (1435). Siitä lähtien länsimainen taide rakennetaan näille ohjeille, joita pidetään "hyvän" maalauksen perustana.

Niin, Italialainen renessanssi yritti koko 1400-luvun ja osan 1500-luvusta toistaa lineaarista perspektiiviä kuvatöissään.. Tämä perspektiivi saavutetaan perustamalla katoava kohta, josta kaikki maalauksen tilaa rakentavat linjat tulevat esiin. Tämä tuottaa optisen illuusion, joka antaa aivoille syvyyden tunteen.

Niin kutsuttu flaamilainen renessanssi elää rinnakkain Italian niemimaan renessanssin kanssa, joka on toinen suuria vallankumouksia maalauksessa, jotka tässä tapauksessa toteuttivat Flanderin taiteilijat 1700-luvulla. XV. Nämä "flaamilaiset primitiivit" varustivat teoksiinsa syvyyttä peräkkäisten tasojen ja Ennen kaikkea he asettivat virstanpylvään kuvallisessa realismissa toistamalla kaikki sen yksityiskohdat esineitä. Sanotaan, että Jan van Eyckin maalauksissa kaikki esiin tulevat kasvilajit voidaan luetteloida yksityiskohtien runsauden ansiosta.

Italialainen matemaattinen näkökulma oli kuitenkin nykyajan länsimaisen taiteen suuri voittaja, ja 1500-luvulta lähtien realismi leimahti eurooppalaista maalaustaidetta. Barokkitide on äärimmäisen realistista taidetta, sillä vaikka sillä on (melko) maine ylevänä ja erittäin tunteellisena taiteena, se varaa myös paikkansa. todellisuuden esittämiseen: vanhoja miehiä, joilla on ryppyjä, hampaattomat kasvot, lapset likaisilla jaloilla, hedelmien asetelmia vangittuina poikkeuksellisilla realismi…

Paluu taiteellisen realismin alkuperään

Realistinen taide hallitsi länsimaista taidekuvaa 1800-luvun puoliväliin asti, jolloin ensimmäiset katkokset "perinteiseen" taiteeseen ilmestyivät.. Impressionistit, esteettiset virtaukset ja myöhemmin fauves, kyseenalaisti, mikä 1400-luvulta lähtien oli vakiintunut "hyvän" taiteen kiistattomaksi perustaksi.

1900-luvun avantgarde on siis eräänlainen paluu alkuperään. Avantgarde-taiteilijat, jotka haluavat etääntyä akateemisesta ja virallisesta taiteesta, etsivät uusia ilmaisutapoja ja löytävät heidät "realismin" tuhosta; toisin sanoen perspektiivi, suhteet, koostumuksen koherenssi. Sanalla sanoen tiukka todellisuuden jäljitelmä.

Tunnettu on tapaus Picasso, jonka piirustukset muistuttavat usein mozarabialaisia ​​miniatyyrejä tai kubisteja, jotka samalla tavalla kuin mitä Egyptiläiset yli kaksituhatta vuotta sitten rikkoivat realistisen näkemyksen esineistä ja toistivat ne täysin subjektiivinen.

Hyperrealismi ja uudet realistiset virrat

Usein eri virtaukset ja taiteelliset ilmaisut reagoivat toisiinsa. Olemme jo maininneet johdannossa, kuinka 1800-luvun realistiliike oli vastaus aikaisempien vuosikymmenten romantiikkaan. No, tällä hetkellä löydämme taiteellisesta panoraamasta virtauksen, joka nostaa kuvallisen realismin aavistamattomiin rajoihin; viittaamme niin kutsuttuun hyperrealistiseen virtaan.

Hyperrealismi syntyi 1900-luvun lopulla, osittain vastauksena plastiikkataiteen käsitteelliselle ja abstraktille suuntaukselle.. Tämä virtaus vie luonnon jäljitelmän maksimaaliseen ilmaisuun, mikä muuttaa sen maalaukset valokuvauksiksi (itse asiassa sitä kutsutaan myös fotorealismiksi). Sävellysten terävyys on sellainen, että se on usein katsojalle todella ylivoimaista; Huijaajista ei tietenkään ole pulaa, jotka kutsuvat sitä yksinkertaiseksi todellisuuden jäljittelijäksi.

Kysymys kuuluu: pitäisikö taiteen kopioida luontoa, kuten muinaiset kreikkalaiset väittivät mimeesissään, vai onko sillä "velvollisuutta" tarjota jotain uutta? Jos lähdetään siitä perustasta, että jäljitelmä ei koskaan ole tarkka kopio todellisesta asiasta (koska se on aina kulkee taiteilijan seulan läpi), meidän pitäisi ehkä kysyä itseltämme, onko "taide realistinen".