10 tärkeintä barokkimaalausta

Barokki on aikakausi ja taiteellinen virtaus, joka esiintyi pääasiassa 1600-luvulla. Tällä taiteellisella tyylillä on lukuisia mestariteoksia, jotka on jaettu maailman parhaiden museoiden joukossa.

Tässä artikkelissa keskitymme barokkimaalaukseen ja pelastamme 10 hänen tärkeintä maalaustaan.

• Aiheeseen liittyvä artikkeli: "Mitä ovat 7 taidetta? Yhteenveto sen ominaisuuksista"

Barokkimaalaus

1600-luvulla syntyivät todelliset maalauksen mestarit. Taiteilijat, kuten Velázquez, Vermeer, Rubens tai Ribera, täyttivät taidehistorian sivuja monin tavoin. mestariteoksia, jotka ovat välttämättömiä tämän historiallisen ajanjakson ja taiteen kehityksen tuntemiseksi yleistä.

Kuten useimmat taiteen liikkeet, barokki ei ole yksittäinen tyyli.. Jokaisella alueella ja jokaisessa maassa oli omat ominaispiirteensä, joita ohjasivat sen oma taloudellinen, uskonnollinen ja sosiaalinen konteksti. Näin ollen, vaikka katolisissa maissa tämä tyyli toimi vastareformaation välineenä, alueilla Protestanteista tuli paljon intiimimpi ja henkilökohtaisempi, koska sitä edistivät kauppiaat ja porvaristot. kaupungit.

• Saatat olla kiinnostunut: "Barokin 4 tärkeintä ominaisuutta"

Barokin 10 päämaalausta

Seuraavaksi teemme lyhyen matkan 10 tärkeimmän barokkimaalauksen läpi.

1. Las Meninas, kirjoittanut Diego Velázquez (Museo del Prado, Madrid)

Se on luultavasti yksi eniten toistetuista kuvateoksista ja yksi maailman tunnetuimmista. Kangas tunnetaan nimellä Las Meninas, vaikka sen alkuperäinen nimi oli Felipe IV: n perhe. Se on epäilemättä yksi barokkimaalauksen ja yleensä taidehistorian mestariteoksia.

Se maalattiin vuonna 1656 Madridin Cuarto del Príncipe del Alcázarissa, ja se luo hämmästyttävän valon ja perspektiivin pelin. Taustalla peilistä heijastuneena näemme hallitsijoiden, kuningas Felipe IV: n ja hänen vaimonsa Marianan Itävallan rintakuvat. Kankaan vasemmalla puolella Velázquez ottaa omakuvan maalaustelineestä. Teoksen tulkinnat ovat olleet ja ovat edelleen hyvin vaihtelevia. Maalaatko kuninkaat, ja yhtäkkiä sinut keskeyttää pieni infantti Margarita, jonka seurassa ovat meninat ja hänen lähipiirinsä? Oli miten oli, maalaus upottaa katsojan täysin kohtaukseen, ikään kuin hän olisi toinen hahmo siinä.

2. Judith ja Holofernes, kirjoittanut Artemisia Gentileschi (Uffizi Gallery, Firenze)

Artemisia Gentileschin poikkeuksellinen työ on jo muutaman vuoden ajan saavuttanut ansaitsemansa paikan maalauksen historiassa. Judit ja Holofernes on yksi mestariteoksia paitsi hänen kuvakorpussa, myös barokkimaalauksessa yleensä.

Taiteilija edustaa meitä hetki, joka on kirjattu Raamattuun, jossa juutalainen sankaritar Judith mestaa pään Holofernesin, babylonialaisen kenraalin, joka haluaa hänet. Artemisia edustaa hetkeä raivokkaasti, joka jäädyttää hengityksesi. Monet kriitikot ovat halunneet nähdä tämän maalauksen karkeudessa kaiken sen raivon ja kärsimyksen jonka uhriksi hän joutui vähän ennen Capodimonten museossa säilytetyn maalauksen ensimmäisen version toteuttamista, Napoli. Joka tapauksessa upea chiaroscuro, sommittelu ja hahmojen dynaamisuus tekevät tästä teoksesta yhden barokkimaalauksen parhaista näytteistä.

• Aiheeseen liittyvä artikkeli: "Espanjan 7 parasta museota, joita et voi missata"

3. Tyttö lukee kirjettä avoimen ikkunan edessä, kirjoittanut Johannes Vermeer (Alte Meister, Dresden)

Vermeerin suuri ja samalla intiimi kuvauniversumi supistuu valitettavasti noin kolmeenkymmeneen tunnettuun teokseen. Tämä taiteellisen tuotannon niukkuus tekee tästä hollantilaisesta barokkitaiteilijasta taidemaalarin, jota ympäröi mysteerin sädekehä. Sen sisätilat olivat tuolloin valtavasti arvostettuja, vaikka ne myöhemmin unohdettiinkin ja 1800-luvun impressionistit väittivät ne vasta paljon myöhemmin.

Työ, joka koskee meitä edustaa täydellisesti maalarille ominaista kotimaisen läheisyyden universumia. Avoimesta ikkunasta sisään tulevan maitomaisen valon valaisemassa huoneessa nuori nainen keskittyy kirjeen lukemiseen. Hänen yksityinen maailmansa muuttuu saavuttamattomammaksi, koska emme voi fyysisesti saavuttaa sitä, koska etualalla oleva pöytä ja verho estävät meitä tekemästä sitä. Tämä kangas on kaunis esimerkki Alankomaista peräisin olevasta barokkimaalauksesta ja ennen kaikkea tämän ainutlaatuisen taiteilijan teoksissa olevasta vaikeasti havaittavista ja melkein aavemaisista hahmoista.

• Saatat olla kiinnostunut: "Renessanssin ja barokin väliset erot: kuinka erottaa ne toisistaan"

4. Asetelma, kirjoittanut Clara Peeters (Prado-museo, Madrid)

Asetelmien genreä ei ole arvostettu korkeasti taidehistoriassa, vaikka se onkin genre, joka vaatii suuria yksityiskohtia ja tietysti kiistatonta kykyä vangita tekstuureja ja pinnat. Genren mestariteos on epäilemättä tämä Asetelma taidemaalari Clara Peeters.

Siinä taiteilijan virtuositeetti ei käy ilmi ainoastaan ​​huolellisesta esittämisestä elementtejä, vaan omakuvasarjassa, jonka taidemaalari teki heijastuksena kannussa ja kuppi. Heijastuksen vangitseminen pinnalle vaati hienoa virtuositeettia, ja Clara tallentaa kuvakykynsä tämän resurssin avulla sekä tapa lunastaa roolisi taiteilijana miesten hallitsemassa ammatissa.

5. Pyhän Tuomaan epäuskoisuus, kirjoittanut Caravaggio (Schloss Sanssouci, Potsdam)

Raamatun teema pyhimyksen epäilystä ennen Kristuksen ylösnousemusta on koottu tähän teokseen vaikuttavalla naturalismilla. Pyhä Tuomas pistää sormen haavaan, jota Jeesus katsoo yhdeltä kyljestään. Kristus itse ohjaa kättään ja rohkaisee häntä uskomaan fyysisten todisteiden kautta siihen, mitä hän ei uskon kautta ole uskonut. Tätä kohtausta ei ollut koskaan nähty kerrottavana niin paljon, voisimme sanoa, karkeasti. Caravaggion ominainen realismi näkyy vartalon anatomiassa, ryppyissä, jotka uurtelevat otsaa. apostoleissa, likaisissa kynsissä, joita pyhä Tuomas itse esittelee, ja ennen kaikkea sormensa tunkeutumassa lihaan Kristus. Caravaggion teos on yksi parhaista esimerkeistä siitä, että barokki ei ole vain teatraalisuutta ja loistoa, vaan myös usein lähestyy todellisuutta yllättävällä naturalismilla.

• Aiheeseen liittyvä artikkeli: "Onko olemassa objektiivisesti parempaa taidetta kuin toinen?"

6. ristiinnaulittu kristus, kirjoittanut José de Ribera (hiippakunnan pyhän taiteen museo, Vitoria-Gasteiz)

Yksi vaikuttavimmista barokkimaalauksen ristiinnaulituista. Se on säilytetty Vitoria-Gasteizin pyhän taiteen hiippakunnan museossa, kadonneesta luostarista Santo Domingo, ja sitä pidetään yhtenä parhaista ristiinnaulitun Kristuksen esityksistä maalauksessa. Espanja. Neutraalia ja selvästi tummaa taustaa vasten, mikä vahvistaa ajatusta raamatullisesta pimennystä, joka seurasi Kristuksen kuolema, Jeesuksen hahmo nousee ristillä, valkoinen ruumis ja vääntynyt a pakko contrapposto. Ainoa valonlähde on hänen ruumiinsa, koska jopa puhdas kangas on samanvärinen kuin ristin puu, johon se on naulattu. Kohtaus näyttää vangitsevan hetken, jolloin Kristus katsoo ylös taivaaseen ja nurisee: ”Kaikki on ohi. Consumatum est”.

7. Lapset syövät viinirypäleitä ja melonia, kirjoittanut Bartolomé Esteban Murillo (Alte Pinakothek, München)

Olemme jo kommentoineet, että realismi on tyypillistä myös barokkitaiteelle. Hyvä esimerkki tästä on taidemaalari Bartolomé Esteban Murillon Münchenissä pidetty upea kangas, joka esittää kahta huonosti pukeutunutta lasta syömässä viinirypäleitä ja melonia. 1600-luvun Espanja tarjosi merkittäviä kontrasteja, ja köyhyys oli yleinen näky Madridin kaltaisten kaupunkien kaduilla. Tässä tapauksessa Murillo edustaa kahta ruokaansa keskittyvää poikaa. He eivät katso katsojaa; todellisuudessa he tuskin huomaavat läsnäoloamme. Samalla kun he syövät melonia ja viinirypäleitä (ehkä yksi harvoista ruoista, joita heillä on saatavilla useiden päivien ajan), he puhuvat rauhallisesti, minkä todistavat heidän katseensa. Likaiset paljaat jalat ja paljaat vaatteet lisäävät dramaattisen nuotin ihastuttavaan kohtaukseen.

8. Holvi kanssa Espanjan monarkian apoteoosi, kirjoittanut Luca Giordano (Prado-museo, Madrid)

Tämä fantastinen katto, joka on tehty 1600-luvun lopussa valefreskotekniikalla, on tällä hetkellä nähtävillä Madridin Prado-museon kirjastossa. Alun perin holvi kuului Buen Retiron palatsin vanhalle suurlähettilässalille, lepo- ja vapaa-ajan paikka, jonka Olivaresin kreiviherttua käski rakentaa kuningas Felipe IV: lle.

Kuten nimensä osoittaa, Suurlähettiläshalli oli monarkin vastaanottopaikka, joten sen katossa näkyvä ikonografia on latinalaisamerikkalaisen monarkian korotus. Giordano luo poikkeuksellisen sävellyksen, joka on täynnä mytologiasta peräisin olevia allegorioita ja symboleja. joka pyrki tuomaan esille Espanjan kruunun antiikin ja sen ylivoimaisuuden muihin kuninkaallisiin taloihin nähden Eurooppalainen.

9. kolme kiitos, kirjoittanut Rubens (Prado-museo, Madrid)

Ilmeisesti Rubens teki tämän kankaan, yhden kuuluisimmista töistään, omaksi ilokseen, mistä todistaa se tosiasia, että se oli hänen kuollessaan hänen henkilökohtaisessa kokoelmassaan. Itse asiassa vasemmanpuoleisen naisen piirteet ovat hyvin samankaltaisia ​​kuin hänen toisen vaimonsa, Helena Fourment, jonka kanssa Rubens meni naimisiin ollessaan vain 16-vuotias ja hän 50- kolme. Muinaisista ajoista lähtien, On tavallista löytää syy kihloihin liittyville armoille, joten ei vaikuta kohtuuttomalta olettaa, että taiteilija maalasi maalauksen kunnianosoituksena omalle linkkilleen. Kolme hahmoa seisoo ahkerasti ja yhdistävät kätensä eräänlaiseen tanssiin. Se on todellakin yksi taiteilijan tyylikkäimmistä ja aistillisimmista maalauksista.

10. katuva lampun magdaleena, kirjoittanut Georges de La Tour (Louvre-museo, Pariisi)

De La Tour on fantastinen taidemaalari, joka on kuuluisa sävellyksiensä hienosta chiaroscurosta, joka saadaan aikaan yhden tai useamman kynttilän hehkulla.

Tässä tapauksessa maalaus näyttää meille Maria Magdaleenan, joka on uppoutunut meditaatioon. Hänen katseensa on kiinnitetty hänen edessään palavan kynttilän tuleen, joka on maalauksen ainoa valonlähde, kuten taiteilijan teoksissa on tavallista. Pyhimys tukee toisessa kädessään päätään, kun taas toisessa, sylissään lepäävässä, hän pitää kalloa, katumuksen ja elämän ohimenevyyden symbolia, joka on niin tyypillistä barokille. Katuva Magdaleena-aihe oli hyvin yleinen 1600-luvulla. De La Tour itse teki tästä maalauksesta viisi versiota. Niistä kahdessa kallo on pöydällä ja tilavuudellaan piilottaa kynttilän tulen, mikä korostaa kohtauksen chiaroscuroa entisestään.