Edvard Munch: 20 loistavaa teosta ekspressionismin isän ymmärtämiseksi

Edvard Munch on norjalainen taidemaalari, joka sijaitsee 1800-luvun ja 1900-luvun välillä, ja häntä pidetään ekspressionismin isänä. Hänen työnsä, skandaali monille, herätti nuorten taiteilijoiden ja ei-erikoistuneen yleisön ihailua. Nämä tunnistettiin nopean teollistumisen aiheuttamasta ahdistuksesta ja vallitsevasta mekanismista.

Vakiintuneille taiteilijoille skandaalin syy oli Munchin teknisessä vapaudessa. Konservatiivisille sektoreille se perustui siihen tosiasiaan, että taidemaalari käsitteli avoimesti aiheita, kuten sukupuoli, rakkaus ja ennen kaikkea sairaus ja kuolema, suuria pakkomielteitään.

Hänen tyylinsä oli ainutlaatuinen sen ansiosta, että se loi autenttisen ja omaperäisen kielen, seuraus vapaasta dialogista postimpressionismin, jugendtyylin ja avantgarden kanssa. Siksi, vaikka Munch avasi ekspressionismin oven, häntä ei voida leimata missään liikkeessä. Katsomalla hänen tärkeimpiä teoksiaan ymmärrämme, miksi Munch on ainutlaatuinen ja toistamaton taiteilija.

1. Huuto, 1893

Huuto Munchin työ vapautti eniten skandaalia, ja silti sitä pidetään nykyään Mona Lisa nykytaiteen. Se edustaa androgeenista henkilöä, jonka kasvot ilmaisevat ahdistuksensa maksimaalisessa ilmeessä kuultuaan tai huutamalla. Kohde kokee näin ollen maailman aaltoilevana ja voimakkaana joukkona. Kukaan muu kuin Munch ei ollut tehnyt sitä aikaisemmin taiteessa.

Näytelmä suunniteltiin sen ajanjakson jälkeen, jolloin yksi hänen sisaristaan ​​vangittiin itsemurhayrityksestä, mikä viittaa johonkin yhteyteen jaksoon. Utelias tosiasia Huuto on se, että Munch teki neljä versiota, joiden välillä oli pieniä eroja. Tunnetuin versio on vuodelta 1893, joka varastettiin vuonna 1994 ja toipui pian sen jälkeen.

2. Ahdistus, 1894

Joo Huuto Se on yksilöllisen epätoivon kuva Ahdistus se on kollektiivisen ahdistuksen ilmaisu, jonka Munch vangitsee norjalaisessa sielussa. Siksi Munch ei ole taiteilija, joka rajoittuu yksittäisten epämukavuuksien rekisteriin, mutta on herkkä yleiselle epämukavuudelle joka vaikuttaa 1800-luvun lopun yhteiskuntaan, jonka muutos on paljon nopeampaa kuin sen kyky prosessoida muutoksia.

Kangas Ahdistus Se perustuu kahteen aikaisempaan Munch-maalaukseen. Maisema, jossa näemme Ahdistus on palautettu kangasta Huuto. Hahmot puolestaan ​​on otettu Iltapäivä Karl Johan -kadulla. Strategia elementtien ottamiseksi edellisistä kehyksistä on toistuva Munchissa. Maalari paitsi "edustaa" kohtauksia, mutta ne muodostavat elementit suunnitellaan omiksi symboleiksi.

3. Sairas tyttö, 1885-1886

Sairas tyttö vastaa Munchin teoksen varhaista tyyliä, joka lähestyy impressionismia. Kankaalla on kuvattu Munchin nuorempi sisar, Sophie, hänen tuberkuloosinsa kuolleessa sängyssä. Siihen aikaan nuori nainen oli noin 15-vuotias.

Kuten hänen tapansa, Munch esitti eri versioita tästä kappaleesta, mikä oli hänelle pysyvä tuskan ja syyllisyyden lähde. Tämä johtui siitä, että taidemaalari, joka oli kärsinyt tuberkuloosista 13-vuotiaana, tunsi olevansa kuollut sisarensa sijaan.

4. Rakkaus ja kipu (vampyyri), 1893

Munch antoi tälle teokselle nimen Rakkaus ja kipu. Siinä hän edusti naista, joka halasi miehen, joka makaa sylissään, ikään kuin etsisi mukavuutta. Vaikka Munch ei koskaan paljastanut teoksen henkilökohtaista merkitystä, alkuperäinen otsikko puhuu paljon. Kun tämä kappale paljastettiin, se kuitenkin aiheutti valtavan skandaalin.

Ihmiset näkivät hänessä sadomasokistisia merkkejä ja tulkitsivat, että nainen puri rakastajansa kaulaa vampyyrina. Tämän seurauksena maalausta alettiin kutsua nimellä Vampyyri. Tällainen oli skandaali, että vuosia myöhemmin tämä oli yksi monista Munchin maalauksista, jotka sensuroitiin natsien miehityksen aikana Norjassa.

5. madonna, 1894

Laatikko tunnetaan nimellä madonna se nimettiin alun perin Rakastaja nainen tai Nainen, joka rakastaa. Nimeä työ uudelleen madonna se on epäilemättä provokaatio. Munch tuotti ainakin viisi tunnettua versiota tästä kappaleesta.

Taiteilija edustaa naista ikään kuin ikoni, välittäen palvonnan tunteen, jonka hänen kauneutensa ja seksuaalisuutensa herättävät. Pään halo, joka ympäröi hänen päänsä, viittaa rakkauden ja kivun väliseen suhteeseen, jopa seksuaalisen tekon aikana.

Tämä hypoteesi on perusteltu, koska Munch teki kaiverretun version, jonka kehykseen sisältyi siittiöiden koristeellisia motiiveja, jotka yhtyvät makabraan sikiöön. Lopuksi, maalaus on symboli elinkaaresta, joka kulkee seksuaalisuuden, lisääntymisen ja kuoleman läpi.

6. Tuhkaa, 1894

Tuhkaa Sitä pidetään yhtenä teoksista, joilla on Munchin suurin esteettinen kauneus johtuen viivojen langasta ja väristä. Koostumuksessa näemme miehen mustana, pimeyden ja kuoleman värisenä. Mies on kadonnut nurkkaan, ikään kuin piilottaen kasvonsa häpeään, kätensä päähänsä. Se muistuttaa meitä masentuneesta miehestä Rakkaus ja kipu (vampyyri).

Hänen takanaan nainen valkoisessa mekossa, puhtaudenvärinen ja punaisella vartalolla, intohimon värinen, nostaa myös kätensä. Hänen kasvonsa ilmaisevat surua ja huolta. Intohimon verho on revitty.

Kuvan ja otsikon suhde viittaa paradoksiin: kun intohimo kuluu, se hajoaa. Intohimon tuli jättää vain tuhkaa. Mutta lisäksi hahmojen eleet herättävät syyllisyyttä ja epätoivoa. Tämä paljastaa, että tapahtuma rikkoo moraalilakia. Onko se aviorikos? Oliko se raiskausta? Sen on oltava katsojan, joka tulkitsee sen.

7. Murrosikä, 1894-1895

Päällä Murrosikä, Munch kuvaa täysin alastomia nuoria teini-ikäisiä. Nuorella naisella on pelottavat kasvot ja hän piilottaa yksityiset osansa. Eleet ovat enemmän kuin vaatimattomuuden ja viattomuuden symboli, eleet ovat pelon ja sortamisen symboli seksuaalisuus, jota Munch kärsi nuoruudessaan, kun otetaan huomioon isänsä uskonnollinen kurinalaisuus ja konteksti aikakausi.

Kohtauksen salaperäinen tunnelma vahvistaa taustalla olevan salaamattoman varjon, joka näyttää eräänlaiselta ahdistavalta fantasmagorialta. Tämän Munchin varhaisen teoksen merkitys on siinä, että se edustaa muutoskohtaa "impressionistisen" aivohalvauksen ja taiteilijan psykologisen maailman palvelevan tekniikan vapauttamisen välillä.

8. Omakuva savukkeella, 1895

Omakuva savukkeella Se on yksi Munchin tunnetuimmista teoksista, ja se on myös hänen tunnetuin omakuva monien tekemiensä joukossa. Kirjoittaja osoittaa kankaalla ymmärryksen ja täydellisen hallinnan tekniikasta, joka edustaa valon hehkua pimeyden ja savun keskellä.

Näin tehdessään Munch rakentaa melkein salaperäisen ilmapiirin, joka kiinnittää huomion hänen kasvoihinsa ja käteensä. Kasvot näyttävät hämmentyneiltä ja yllättyneiltä, ​​kun taas käsi savukkeen pitämisen lisäksi nousee sydämen tasolle. Jos kasvot ovat kohteen sisäisen identiteetin merkki, johon emotionaalinen epävakaus vaikuttaa, käsi on muovitaiteilijan symboli.

9. Kuolema huoneessa, 1895

Lapsuudessaan Edvard Munch näki monet perheenjäsenet kuolevan tuberkuloosiin: hänen äitinsä ja isänsä ovat joitain tapauksia. Kuolema huoneessa edustaa perheensä kärsimystä nuoremman sisarensa Sophien menetyksen yhteydessä, jota emme näe. Kirjoittajan nero on keskittää katsojan huomio emotionaalisiin kärsimyksiin eikä kuolemaan.

Mies, joka nostaa kätensä rukoilevasti, on hänen isänsä, vakava protestanttinen uskonto. Seinälle nojaavan miehen uskotaan olevan Munch, kääntäen selän näyttämölle (kuolema, kiintymys ja usko) katsellen suoraan omaa varjoaan. Se korostaa, että jokainen perheenjäsen kärsii erikseen.

10. Kaksi ihmistä (yksinäiset), 1896

Kangas Kaksi ihmistä se ei ole muuta kuin yksinäisyyden allegoria. Siinä näemme miehen ja naisen, jolla ei ole identiteettiä, selkä katsojalle katsellen, miettimässä inerttiä horisonttia. Näiden kahden välillä näyttää olevan ylitsepääsemätön etäisyys.

Teos, kuten monet muutkin Munch, käsiteltiin useita kertoja ja eri tekniikoilla. Sekä teema että tapa esittää se vahvistavat taiteilijan ahdistuneen, yksinäisen ja masentavan luonteen.

11. Suudelma, 1897

Suudelma, vuodelta 1897, on yksi maalauksen versioista, joka tunnetaan nimellä Suukko ikkunan takanaMunch itse. Tapa, jolla taidemaalari edusti kahta kuvaa, erottuu. Ne näyttävät yhdeltä kappaleelta, eikä niiden välillä ole jakolinjoja. Hahmoilta puuttuu identiteetti, omat rajat.

Hahmojen sulautumista ei voida lukea romanttisesti, koska kohtauksen tumma ja raskas ilmapiiri viittaa myös kuoleman läheisyyteen. Tämän sarjan tuottama vaikutus oli sellainen, että se inspiroi kuuluisaa teosta Suudelmakirjoittanut Gustav Klimt.

Se voi kiinnostaa sinua: Analyysi Suudelmakirjoittanut Gustav Klimt.

12. Hedelmällisyys, 1898

Kankaalle Hedelmällisyys Munchista näemme raskaana olevan naisen, pystyssä, kantamassa puun runsaita hedelmiä. Hänen edessään mies istuu, harjaantunut ja kumartunut, kontrastit. Kaatunut keppi näkyy hänen vieressään. Miehen ja puun välillä on jatkuvuus, koska ensimmäinen lepää jalkansa puun rungossa.

Puu voidaan tulkita elämän puuksi. Haara on kuitenkin katkaistu, josta jäljellä on vain kanto. Hedelmien tuottamiseksi puu on karsittu, paloiteltu.

Radikaalimpien tulkintojen perusteella Munch ilmaisee hylkäävänsä lapset. Hänen hedelmänsä edustaisivat hänen hedelmiensä loppua. Tulkinta perustuu siihen, että maalaus maalattiin, kun Munch kohtasi mahdollisuutta mennä naimisiin Tulla Larsenin kanssa, mikä sitoumus ei koskaan toteutunut.

13. Tapaaminen avaruudessa, 1898

Päällä Tapaaminen avaruudessa näemme miehen ja naisen gravitaation avaruudessa. Teos edustaa eroottista hetkeä, jonka rajaavat paitsi kehot ja eleet, myös siittiöille viittaavat viivat hahmojen ympäri. Kasvot ovat kaukana toisistaan. Nainen näyttää melkein välinpitämättömältä. Mies näyttää vapauttaneen. Teos näyttää tekijän teknisen monipuolisuuden, symbolit ja ilmaisuvoimat.

14. Elämän tanssi, 1899

Elämän tanssi se on metafora elämän ja rakkauden vaiheille. Se on ulkoilma, jonka taustalla on syvän sininen taivas Norjan järven yli. Taivaalla näemme pohjoisen auringon ja sen heijastumisen vedessä, joka on yksi symboleista, jota toistetaan jatkuvasti taidemaalarin maalauksissa.

Etualalla näemme saman naisen kolmessa vaiheessa: nuori tyttö valkoisella vasemmalla. Oikealla yksinäinen nainen pukeutunut mustaan. Keskellä nainen ja hänen miehensä tanssivat ikään kuin maailmaa ei olisi. Mekon punainen symboloi elämää ja intohimoa. Pari voisi olla Tulla Larsen ja Munch.

Heidän ympärillään muut hahmot tanssivat. Mustan naisen takana näkyy groteski mies, joka on valmis hyväksikäyttämään naista. Tämän työn merkitys on tapassa, jolla Munch onnistuu välittämään sisäisen ahdistuksensa monimutkaisuuden elämänvaiheiden ympärillä, jonka hän rajoittaa rakastamaan.

15. Maratin kuolema, 1907

Elämänsä aikana Munch omistautui tekemään erilaisia ​​versioita Maratin kuolema. Näiden versioiden joukossa esitämme yhden, joka on valmistettu vuonna 1907. Marat oli 1700-luvun ranskalainen toimittaja ja poliitikko, jonka Charlotte Corday murhasi.

Sarjassa näyttää olevan Munch itse miespuolisena referenssinä, mikä vahvistaa ajatusta siitä, että taidemaalari tunsi olevansa naisten uhri. Esteettisestä näkökulmasta työ erottuu viivojen käytöstä väritysmuotona. Se on eräänlainen rayonismi, joka rikkoo kaarevan viivan modernistisen tyylin ja tiheiden värillisten pintojen käytön.

16. Uimarit miehet, 1907

Uimarit miehet de Munch erottuu vilkkaasta ja elinvoimaisesta luonteestaan, joka on vastoin monien hänen kankaidensa aaltoilevaa ja pimeää tunnelmaa. Kohtaus kuvaa joukko miehiä alastomalla rannalla, jossa Munch vietti jakson.

Munch osoittaa taitojaan anatomisesta piirtämisestä sekä väritaitoa. Toteutettua tekniikkaa ravitsevat impressionistiset ja rayonistiset periaatteet, ja joilta osin se näyttää olevan vuoropuhelua fauvismin kanssa.

17. Aurinko, 1909-1911

Aurinko on Edvard Munchin monumentaalinen seinämaalaus, joka löytyy Oslon yliopistosta. Tässä Munch tutkii uusia muovikieliä, jotka tuovat hänet lähemmäksi abstraktia avantgardea, etenkin Der Blaue Reiter -ryhmän edustajaa Kandinskyä ja lyyristä abstraktiota.

Symbolismi saavuttaa tässä maksimaalisen ilmaisunsa. Aurinko muuttuu metaforaksi jumalalliselle, joka säteilee valonsa maailmaan ja tyhjentää tietämättömyyden varjot. Tällä teoksella Munch osoittaa jälleen luovuuttaan, mikä selittää, miksi häntä ei voida merkitä yhdellä tyylillä tai liikkeellä. Munch paljastaa itsensä ainutlaatuisena taiteilijana jatkuvasti innovaatioissa.

Saatat myös olla kiinnostunut: Ekspressionismi: ominaisuudet, teokset ja tekijät.

18. Laukkaava hevonen, 1912

Kehyksessä Laukkaava hevonen, näemme hevosen vetävän lumikelkkaa miehen ollessa aluksella. Katseenvangitsija on polulla, joka erottuu liian kapealta esitykselle.

Hevosen pelottava ilme ja tien laidalla olevien ihmisten taipumus antavat ymmärtää välittömän vaaran. Oikealla olevat lapset yrittävät päästä pois, kun taas vasemmalla olevat aikuiset odottavat pelottomasti ennen siirtymistä. Se on uusi lähestymistapa pelon ja ahdistuksen aiheeseen, niin läsnä tekijässä.

19. Työntekijät lumessa, 1913

Edvard Munch oli myös herkkä häntä ympäröivälle sosiaaliselle todellisuudelle. Todiste tästä ovat erilaiset maalaukset, jotka hän teki työntekijöistä, kuten tämä kangas nimeltä Työntekijät lumessa.

Etualalla Munch edustaa kolmea työntekijää, jotka seisovat katsojan edessä, lapioineen tukipisteenä. Niissä voit tuntea voimaa, mutta myös väsymystä ja ikääntymistä.

Keskelle järjestetty työntekijän nostettu nyrkki viittaa vaatimukseen tai vaatimukseen. Nämä kolme miestä näyttävät olevan aseissa. Näiden kolmen hahmon takana muut työntekijät jatkavat työtään unohtamatta taiteilijan ja yhteiskunnan katseen.

20. Omakuva kellon ja sängyn välillä, 1940-1943

Omakuva kellon ja sängyn välillä se on maalausta Munchin viimeisestä luovasta vaiheesta. Munch käytti kangasta hyväkseen symboloiden kuoleman läheisyyttä asettamalla hahmonsa isoisän kellon ja sängyn väliin. Kello edustaa pysäyttämätöntä ajan kulumista ja sänky edustaa kuolemaa viimeisenä sängynä, ikuisena lepona.

Yksi yksityiskohta erottuu kontrastista: vaikka kellolla on antiikkisuunnittelu, sängynpeitteellä on moderni geometrinen muotoilu. Tällä Munch ilmaisee omantuntonsa niiden aikojen dramaattisista muutoksista, joita hänen oli elettävä.

Munchin takana voidaan erottaa eräänlainen huone, jossa viitataan hänen taiteellisen elämänsä referenssiteosten esiintymiseen, johon hän on omistautunut kaikilla ponnisteluillaan.

Katso myös: Kehysanalyysi Huuto kirjoittanut Edvard Munch.

Elämäkerta

Edvard Munch on norjalainen taidemaalari ja graafikko, joka syntyi 12. joulukuuta 1863 ja kuoli 23. tammikuuta 1944.

Pienestä iästä lähtien hänen oli käsiteltävä sairauksia ja kuolemaa. Tuberkuloosi vaati äitinsä Laura Cathrine Munchin ensimmäisen kerran, kun poika oli vain 5-vuotias. Myöhemmin hän aiheutti nuoremman sisarensa Sophien kuoleman; hänen setänsä ja vuosia myöhemmin isänsä Christian Munchin. Jopa Edvard Munch itse kärsi taudista 13-vuotiaana.

Nämä tapahtumat saivat maalarin saamaan aikaan kauhean sairauden ja sairauden kauhun. kuoleman ja kärsi siksi koko elämänsä ahdistuksesta ja masennuksesta, mikä määritteli hänen kyselynsä taiteellinen.

Munch aloitti insinööriopinnot vuonna 1879, mutta pian hän luopui urastaan ​​omistautua maalaukselle. 1800-luvun ranskalainen taide vaikutti häneen Pariisin-matkansa ansiosta. Noin vuonna 1890 hän alkoi maalata projektia Elämän friisi, sarja maalauksia, jotka kuvaavat ihmisen elämän eri virstanpylväitä omien kokemustensa perusteella.

Vaikka hänen työnsä oli alussa skandaalin lähde, se päätyi tärkeään paikkaan maansa ja Euroopan museoissa. Norjan natsien miehityksen jälkeen, noin 1940, hyökkääjät sensuroivat Munchin maalaukset ja poistettiin näyttelyistä.

Vuosi 1942 merkitsi kuitenkin hänen lopullista kansainvälistä vihkimistään olemalla New Yorkin näyttelyn kohde hänen hedelmällisen taiteellisen työnsä tunnustuksena. Kaksi vuotta myöhemmin Munch kuoli täysin yksinäisyyteen.