Comment distinguer le roman du gothique: leurs 4 principales différences

Roman et gothique sont deux mots qui nous sont bien connus. Ceux qui ont été peu initiés à l'art médiéval connaîtront, en gros, les principales différences entre un style et un autre.

Mais nous ne sommes pas toujours clairs sur leurs caractéristiques et nous confondons souvent les uns avec les autres. Par conséquent, dans cet article, nous verrons un résumé des différences entre gothique et roman, avec quelques exemples.

• Article associé: "Que sont les 7 Beaux-Arts? Un résumé de ses caractéristiques"

Différences fondamentales entre roman et gothique: distinction entre les deux styles

L'architecture était l'art principal des premiers siècles du Moyen Âge. Tous les autres arts y étaient subordonnés d'une manière ou d'une autre, et surtout dans le roman. Plus tard, Lors des premières manifestations du gothique, on commence à percevoir une émancipation naissante entre les différentes techniques artistiques.

En tout cas, une chose doit être claire dès le départ: aucun style n'est absolument pur. C'est-à-dire qu'on ne trouvera dans aucun siècle un roman qui présente absolument toutes ses caractéristiques canoniques. Parfois on retrouvera des influences orientales, d'autres une expression originale et unique, comme dans le cas de l'Europe du Nord. Et la même chose avec le gothique. Bien sûr, il n'est pas la même chose de parler du gothique français ou allemand que de celui qui s'est développé dans le bassin méditerranéen.

Cependant, il est possible de trouver une série de repères qui peuvent nous aider, et beaucoup, à distinguer un style d'un autre. Voyons-les.

1. Forteresses sombres contre cathédrales multicolores

A l'époque romane, on trouve des édifices massifs et forts, qui rappellent les châteaux médiévaux. Les murs sont épais et n'ont pas d'ouvertures, les intérieurs sont donc plutôt sombres.

C'est l'une des principales différences entre les deux styles: Pendant la période gothique, un changement de mentalité est perçu, et les intérieurs ouverts et les jeux de lumière sont favorisés, réalisé à travers d'immenses vitraux et des murs hauts et minces.

Ce changement était, en partie, une conséquence des améliorations apportées par les architectes gothiques, qui ont réussi à contenir la pression du plafond en utilisant des techniques originales. Cela a facilité l'allongement des murs et l'apparition de grandes baies vitrées.

Par conséquent, si nous sommes à l'intérieur d'une église ou d'une cathédrale et qu'elle est pleine de vitraux, nous pouvons immédiatement la relier au gothique. A l'époque romane, la technique de soutènement des murs ne s'était pas développée au point de permettre de telles ouvertures dans les murs. S'il l'avait fait, l'église se serait effondrée.

• Cela peut vous intéresser: "5 sujets sur le Moyen Âge qu'il faut sortir de nos têtes"

2. Les nouvelles techniques du gothique

Comment les architectes gothiques ont-ils fait? À travers l'invention d'un élément unique et original: l'arc-boutant. Visuellement, on le reconnaît tout de suite: c'est celui qui donne à la construction gothique l'apparence d'une énorme araignée rampante.

Les arcs-boutants sont des arcs extérieurs qui partent des murs du bâtiment et évacuent la pression de ceux-ci vers l'extérieur. Pour contrer cette pression, les contreforts sont disposés contre ces arcs-boutants, également à l'extérieur, de sorte que toute la pression soit parfaitement équilibrée.

Ainsi, voir ces énormes « pattes d'araignée » dans une église ou une cathédrale implique d'être devant un monument gothique.

3. Ils ont différents types de voûtes

C'est une caractéristique beaucoup plus technique, mais aussi indubitable pour distinguer le roman du gothique. Nous les verrons illustrés par des images de Wikimedia Commons.

Au début du roman, le type de toit le plus utilisé était la voûte en berceau, la plus simple de toutes les alternatives. C'est simplement un arc en plein cintre (c'est-à-dire en plein cintre) élargi dans l'espace. Ce type de voûte est très typique de la région française.

En plein roman, les Normands inventèrent un autre type de voûte, la voûte dite d'arêtes, qui n'est autre que le croisement de deux voûtes en berceau. Ce type de voûte permet une plus grande force de confinement du poids de la toiture.

Enfin, on retrouve la voûte d'ogives à la fin de l'époque romane. C'est la voûte caractéristique de la période gothique tardive, celui que l'on voit dans toutes les cathédrales gothiques. Ce type de voûte supporte toute la pression du plafond sur les nervures, qui la transfèrent ensuite au sol. Par conséquent, le reste du plafond n'est que "remplissage", puisqu'il n'a plus la fonction de support que le roman lui conférait.

4. De la rigidité au naturel

La sculpture et la peinture romanes n'ont pas cherché à copier exactement la nature. C'est l'une des idées sur lesquelles nous devons être plus clairs si nous voulons distinguer rapidement un style de l'autre.

Dans les premiers siècles du Moyen Âge, l'art n'était qu'un vecteur d'expression d'idées. Bien sûr, la beauté a été prise en compte (il suffit de regarder les magnifiques miniatures dans les codex), mais dans un premier temps, Le roman est un style beaucoup plus expressif que décoratif. Ses images, que ce soit dans des sculptures sur bois ou des fresques, véhiculent un message; chaque élément est placé suivant un ordre établi, un schéma, une logique conceptuelle.

Avec l'arrivée du gothique, tout se transforme. Ou plutôt on pourrait dire que c'est le style gothique qui exprime le mieux ce changement: petit à petit les artistes s'intéressent à copier la réalité, le monde qui les entoure. C'est le triomphe de l'humanisme et du naturalisme. Voyons quelques détails qui nous aideront à comprendre ce processus.

Les porches

À la fois romanes et gothiques, les façades d'églises et de cathédrales nous parlent. Il faut tenir compte du fait qu'au Moyen Âge, la grande majorité de la population ne savait ni lire ni écrire, donc, pour faire connaître la Bible, l'art a été utilisé comme véhicule d'expression.

Dans les portiques romans on retrouve toujours la même structure: la porte d'accès (parfois divisée en deux par un pilier abondamment décoré) et, au-dessus, le demi-cercle dans lequel le tympan. Dans le tympan, nous voyons toujours, comme la figure centrale à partir de laquelle tous les autres sont distribués, le Pantocrator ou le Christ en majesté, entouré d'une mandorle (amande en italien) qui symbolise son essence divine, et qui sert aussi à mettre en valeur sa figure dans le composition.

Autour du Pantocrator, il est courant de trouver les Tétramorphes, c'est-à-dire la représentation des quatre évangélistes: l'Aigle de Saint Jean, le Taureau ou Buffle de Saint Luc, le Lion de Saint Marc et l'Ange ou Homme de Saint Matthieu. Bien que l'iconographie autour du Christ puisse varier (il peut aussi y avoir des représentations d'autres saints, voire de simples figures géométriques), le Le style sculptural dans une église romane sera toujours le même: hiératique, majestueux, répétitif et dénué de toute tentative de représentation naturaliste. Si nous sommes devant un tel portique, nous serons devant un édifice roman.

En revanche, dans le gothique tout commence à se transformer. La mentalité n'est plus la même, c'est l'heure des villes, du commerce actif. De la bourgeoisie, des premiers banquiers. Nous ne sommes plus face à une société rurale, mais à une société éminemment urbaine. L'individualisme commence à faire ses premiers pas, et avec lui la revalorisation de l'être humain et de ses émotions.

De cette façon, les représentations sculpturales commencent aussi à s'humaniser. Bien que les motifs continuent d'être conservés (Christ en majesté, représentations des saints, etc.) leur aspect a considérablement changé. Dans les sculptures des cathédrales gothiques (comme celle de Chartres, en France), les saints deviennent des êtres de chair et de sang. Leurs visages s'adoucissent. Ses gestes sont plus naturels. Les plis de ses vêtements tombent avec plus d'aisance et de réalisme. La répétition des motifs devient de moins en moins forte, et l'artiste acquiert progressivement une certaine liberté de représentation.

Les images de la Vierge

Si vous avez eu l'occasion de voir une sculpture romane de la Vierge à l'Enfant, vous aurez compris que l'artiste voulait tout représenter sauf l'idée de la maternité. Marie n'est pas une femme avec son nouveau-né, mais n'est rien de plus qu'un trône pour le petit rédempteur. La Vierge se limite à tenir l'Enfant, mais n'interagit pas avec lui. Jésus semble ignorer la présence de sa mère; il nous regarde et nous bénit. Ce n'est pas un bébé, ce n'est pas un enfant: c'est Dieu lui-même.

Cependant, avec l'avancée du gothique et son naturel naissant, ces représentations se transforment aussi. Petit à petit, Maria devient maman. Et en une mère authentique: elle passe du statut de simple siège de l'Enfant à celui de maman qui joue avec son bébé, le caresse, l'embrasse, lui donne des jouets ou de la nourriture. Et Jésus, à son tour, passe de Dieu incarné à être simplement un enfant. Il se retourne, regarde sa mère, lève sa petite main et joue avec sa cape, se tortille dans ses bras comme un vrai bébé. C'est le triomphe de l'humanité du gothique.

Encore une fois, sans aucun doute: si vous voyez une telle représentation, vous êtes devant une sculpture gothique. Car malgré le fait que l'on trouve des exemples quelque peu « naturalisés » dans le roman, et aussi des exemples hiératiques dans le Gothique, le plus courant est qu'à partir du XIIe siècle, les vierges commencent à sourire et les Enfants à jouer et à se comporter comme des gamins.

La naissance des retables

Le gothique est l'âge des grands retables. Et qu'est-ce qu'un retable? On pourrait le définir comme une immense BD médiévale, qui nous raconte dans une succession de scènes juxtaposées une histoire, soit de la vie du Christ, de la Vierge, ou d'un saint.

A l'époque romane, la peinture se limite à la fresque (au mur), sur panneau (bois) et sur papier (miniatures de livres). Déjà à cette époque les histoires étaient conçues comme une "bande dessinée", mais c'est dans le gothique que cette forme d'expression trouve sa grande splendeur.

Les églises et les cathédrales sont remplies de retables colorés, qui affichent des couleurs vives et gaiessurtout bleu, rouge et or. Les figures qui y sont représentées deviennent de plus en plus humaines, comme dans le cas des Vierges évoqué plus haut. Les artistes commencent à donner de l'importance au paysage, aux éléments spatiaux, quelque chose qui, dans le roman, n'avait pas reçu la moindre importance.

En ce sens, l'italien Giotto (XIIIe siècle) établit ce que sera un art nouveau dans la peinture, en dotant ses scènes d'une localisation plus ou moins précise et essayez une feinte de perspective et de proportion.

Au loin se trouvent les tableaux romans, où différents personnages et réalités se juxtaposent sans aucun type de relation spatiale entre eux. Le gothique est encore une langue médiévale et on ne peut pas le considérer comme un art de la Renaissance; il conserve encore le langage fantastique et maintient l'union des mondes, du ciel et de la terre, du passé et du présent. Ce n'est pas encore un art naturaliste.

Mais petit à petit les artistes accordent de plus en plus d'importance à la représentation de la réalité, du monde que voient leurs yeux; et dès le XVe siècle, à la fin de la période gothique, les premiers Flamands, dont Van Eyck, étaient définitivement plongés dans la représentation de la réalité sensible avec toute la profusion de détails.

Alors, quand vous allez dans une église et que vous voyez un magnifique retable, tout brillant d'or et couleurs, avec des scènes juxtaposées comme une bande dessinée et une certaine pointe de réalisme, vous serez face à une œuvre gothique. De même, si vous voyez un tableau où l'artiste a essayé de représenter (avec difficulté) un perspective et une proportion, même lorsqu'il est représenté avec un langage médiéval complet, vous serez également confronté à un Travail gothique.

Si au contraire ce que vous voyez est une fresque dans l'abside d'une église, avec des figures colossales et majestueuses, absolument plates et sans aucun sens d'espace et de proportion entre elles; Si surtout, au centre de l'image se dresse un magnifique Christ en majesté, vous serez probablement devant une œuvre romane.

Références bibliographiques

• Conti, F. (1980). Comment reconnaître l'art roman, Barcelone: Ed. Médica y Técnica
• Gombrich, E.H. (1997). L'histoire de l'art. Madrid: Débat.
• Gozzoli, M.C. (1980). Comment reconnaître l'art gothique. Barcelone: Éducation Médicale et Technique.
• Divers auteurs, (2007). Atlas historique de la culture médiévale, Milan: Jaca Book.