Gustav KLIMT et ses 5 œuvres les plus importantes

Gustav Klimt (1862-1918) est l'une des références au sein du mouvement moderniste de la sécession viennoise, étant également son co-fondateur et premier président. UNE Peintre symboliste d'origine autrichienne caractérisé par ses particularités, son prestige et pour être l'un des peintres les plus décoratifs grands du XXe siècle, développant leur propre style, chargé d'érotisme, éclectique, plein de fantaisie et richesse.

Dans cette leçon d'unPROFESOR.com, nous vous proposons quelles sont les œuvres les plus importantes de Gustav Klimt et les caractéristiques fondamentales de son style artistique.

Indice

1. Caractéristiques des œuvres de Gustav Klimt
2. L'Auditorium du Vieux Burgtheater: une œuvre de Gustav Klimt
3. Pallas Athénée (1898)
4. Médecine (1900-1901), une œuvre très importante de Kimt
5. Adele Bloch-Bauer (1903-1907), la meilleure œuvre de Klimt
6. Le Baiser (1907-1908), l'une des œuvres les plus importantes de Klimt

• Klimt était peintre décorateur dédié à l'embellissement des bâtiments avec des reliefs et des scènes et figures historiques. Une esthétique qui a conduit ses peintures sur toile, à devenir un exposant de l'égalité entre les arts décoratifs et les beaux-arts.
• C'était l'un des fondateurs de la Sécession viennoise, en 1897, étant choisi presiente pour sa personnalité rebelle et révolutionnaire. Sa renommée internationale en tant que peintre Art nouveau le plus célèbre a contribué au succès initial de la Sécession, mais aussi à son déclin lorsqu'il la quitte en 1905.
• Bien qu'actuellement son les œuvres d'art sont emblématiques et très populaires, à l'époque une partie de ses œuvres étaient considérées comme obscènes pour leur contenu érotique élevé.
• Son travail est très personnel et uniqueAujourd'hui encore, sa phase dorée se caractérise par l'utilisation de feuilles d'or et d'argent dans le style des mosaïques byzantines.

Parmi les œuvres les plus remarquables de Gustav Klimt est L'Auditorium de l'Ancien Burgtheater (1888-89), les débuts de la carrière picturale de Klimt.

Ce fut l'une des commandes les plus importantes du début de la carrière de Klimt. Le conseil municipal de Vienne a demandé au peintre de peindre quelques tableaux de l'ancien Burgtheater, l'opéra de la ville, construit en 1741 et démoli cette année-là 1888.

Klimt a choisi de saisir la disposition des loges d'opéra, un choix un peu original, mais significatif d'un point de vue architectural. Un travail de style académique, typique de Les premières œuvres de Klimt et dans lequel l'influence de Hans Makart.

Un autre aspect intéressant est la détail et virtuosité de Klimt en introduisant dans l'œuvre les portraits de toutes ces personnes qui lui ont demandé de les inclure dans les boîtes. Ainsi, la pièce n'est pas seulement un souvenir de ce qu'était le théâtre, mais des élites politiques, culturelles et économiques de la ville: plus de 150 personnages au total. Les membres de l'auditoire comprennent le Premier ministre autrichien, le maire de Vienne, le le chirurgien Theodor Billroth, le compositeur Johannes Brahms et la maîtresse de l'Empereur, l'actrice Katherina Schratt.

Bien que les sécessionnistes aient eu pour principe de rompre avec les traditions artistiques antérieures, leur rapport au passé n'était pas si simple. Ainsi, lui et d'autres membres du sécessionnisme ont été inspirés par Figures et histoires mythiques et allégoriques gréco-romaines et de d'autres civilisations anciennes.

Dans ce cas, Klimt réinterprète la figure de la déesse gréco-romaine avec des couleurs douces et avec une tendance à l'abstraction, un style auquel il rejoindra lorsqu'il abandonnera le sécessionnisme. Dans cette œuvre, Klimt offre une image puissante et imposante d'Athéna, montrant la déesse comme enveloppée dans une brume et avec une apparence androgyne. Il l'habille d'une tenue militaire qui l'identifie comme une guerrière et protectrice de la ville d'Athènes, qualités masculines, tout en montrant ses cheveux longs et fins comme signe de son côté féminin. Dans sa main, il tient une figure nue de Nike, la représentation de la victoire.

Dans ce brouillard un représentation de l'onirique, reliant le travail avec le travail de Sigmund Freud. Ainsi, l'œuvre serait l'incarnation de l'idéal d'une femme puissante, objet du désir masculin, ainsi que de la femme qui aspire à s'habiller en homme pour accéder à un statut de pouvoir.

En 1894, le ministère de la Culture charge Klimt de peindre le nouveau Grand Hall de l'Université de Vienne. Le travail de Klimt consistait à peindre trois toiles monumentales sur les thèmes de la philosophie, de la médecine et de la jurisprudence, respectivement. Lorsque Klimt a commencé à peindre les toiles en 1898, il avait déjà rejoint la Sécession et abandonné le naturalisme. Des trois œuvres, Médecine est la toile qui a suscité le plus de controverses.

Médicament montre à Hygie, la fille mythologique du dieu de la médecine, situé en bas au centre de la toile et identifié par un serpent et le verre de Léthé. Au-dessus d'Hygie s'élève une haute colonne de lumière, à droite de laquelle s'élève une toile de figures nues enlacées avec le squelette de la Mort. De l'autre côté de la colonne de lumière flottait une femme nue dont le bassin était incliné en avant, tandis que sous ses pieds flottait un bébé enveloppé de tulle. Cette composition a suscité une multitude de critiques accusant Klimt de faire une œuvre pornographique, sans faire référence à aucun sujet médical. L'attitude de rejet avec laquelle les œuvres de Klimt sont accueillies conduit le peintre à racheter les trois œuvres en 1905.

Le travail de Klimt montre la ambiguïté de la vie humaine, représentant simultanément la naissance et la mort. Le rejet de l'œuvre de Klimt montre comment, malgré les grands progrès réalisés par la Sécession au fil des ans Depuis sa fondation, le mouvement n'a pas réussi à inverser les attitudes conservatrices envers l'art moderne à Vienne.

Pour Klimt, tout cela était une humiliation définitive et un rejet public, quelque chose pour lequel il n'a pas exposé à Vienne. pendant cinq ans après 1903, et a démissionné de ses affectations officielles, acceptant seulement d'accepter des affectations privé. Ces trois tableaux, comme beaucoup d'œuvres de Klimt, ont été confisqués par les nazis et incinérés en mai 1945. à l'intérieur du château d'Immendorf, le château de Basse-Autriche où ils avaient été stockés, par les troupes SS en Retrait.

C'est l'un des Les œuvres les plus célèbres de Klimt pour être l'un des cas de vol d'art les plus notoires de ceux effectués par les nazis. Adèle Bloch Bauer, épouse du banquier et magnat du sucre viennois Ferdinand Bloch-Bauer, fut l'une de ses muses préférées, servant de modèle à plusieurs autres tableaux, dont sa célèbre Judith I (1901). Bien que la rumeur dit que Klimt aurait eu une relation amoureuse avec de nombreuses femmes qu'il a peintes, la nature exacte de sa relation avec Adele Bloch-Bauer est inconnue.

Dans cette toile un dissolution de la réalité percée au l'abstraction la plus pure. Ainsi, bien que Klimt représente Adele Bloch-Bauer assise, il est presque impossible de discerner la forme de la chaise ou de séparer les formes de ses vêtements du fond. Klimt ne se souciait guère de décrire le caractère de son modèle, et encore moins de fournir l'emplacement et le contexte. L'utilisation de feuille d'or et d'argent Cela montre la grande valeur et la qualité des bijoux qu'Adele porte, ainsi que la profondeur de l'amour de son mari, qui a commandé la peinture.

L'œuvre s'inscrit dans le La "Phase d'Or" de Klimt de la première décennie du vingtième siècle, au cours de laquelle il a utilisé des dizaines de des motifs dorés et des tons métalliques dans vos peintures pour ajouter somptuosité et luxe à ses oeuvres. Une technique qui rejoint les mosaïques byzantines de la basilique San Vital à Ravenne, en Italie, que Klimt a visitées en décembre 1903. Beaucoup de ces mosaïques utilisent un fond d'or plat similaire et représentent l'impératrice byzantine Theodora. La représentation de Klimt du tour de cou porté par Adele Bloch-Bauer dans ce portrait s'inspire de ces mosaïques. Les historiens de l'art soulignent également les influences égyptiennes sur la forme des yeux et la tenue vestimentaire des Bloch-Bauer, tandis que les spirales ressemblent à des dessins de l'ancienne Mycènes et de la Grèce classique.

Les Bloch-Bauer étant juifs, les biens de Ferdinand ont été pillés par les nazis après les annexions de l'Autriche et de la Tchécoslovaquie occidentale en 1938. Les nazis ont installé le tableau dans la Galerie Belvedere en Autriche. Ferdinand mourut en 1946, mais pas avant de remettre ses tableaux confisqués, dont celui-ci et cinq autres œuvres de Klimt, à ses neveux. Parmi eux se trouvait Maria Altmann. Elle a déposé une plainte en 2000 pour récupérer les peintures.

L'affaire a eu une énorme couverture médiatique et a été portée devant la Cour suprême des États-Unis, les peintures ayant été restituées à la famille Bloch-Bauer en 2006. En juin, Altmann a vendu cette œuvre au collectionneur et magnat de cosmétiques américain Ronald S Lauder pour 135 millions de dollars, un prix record payé pour n'importe quelle peinture. Lauder a livré le tableau au Neue Galerie d'art allemand et autrichien à New York, où il est actuellement exposé.

Le bisou est l'un des Les œuvres les plus sensuelles et populaires de Klimt, et probablement son œuvre la plus reproduite. C'est aussi l'une des peintures clés de la soi-disant La "Phase d'Or" de Klimt, une phase qui s'étend approximativement de 1903 à 1909, et est considérée comme un excellent exemple de Peinture Art Nouveau.

L'œuvre représente un couple enlacé au bord d'un pré, représenté par le motif floral lumineux, comme une sorte de courtepointe étalée sous leurs corps. La construction de la composition suggère une grande connaissance du mouvement Arts and Crafts. Ainsi, le motif de tuiles plates de la prairie et les vêtements des personnages ressemblent au tissus produits par William Morris à la fin du 19e siècle.

L'utilisation de matériaux de feuille d'or et d'argent montre le haut degré de spécialisation atteint par Klimt, rappelant les manuscrits enluminés médiévaux, bien qu'il soit bien plus précieux et plus proche de l'art byzantin, comme les champs d'or pour les mosaïques qu'il avait vues à Ravenne en 1903.

De plus, alors que Morris et les sources médiévales utilisent des matériaux précieux pour exalter la Parole de Dieu ou la grande littérature, Klimt Il les utilise pour sanctifier la nature des relations humaines et le lien entre les amoureux, thème clé de l'Art nouveau. Ainsi, le baiser incarne un vision universelle et intemporelle de l'amour romantique.

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• Cardona, FL (2016) Gustav Klimt, éditeurs
• Nieto Yusta, C, (2014) Klimt. L'artiste de l'âme, Libsa