Art Rococo: définition, caractéristiques, oeuvres et artistes

Le rococo était un mouvement artistique européen d'origine française qui se caractérisait par son style gai et sa coiffure goûtée pour la décoration excessive. Il se manifeste dans la peinture, l'architecture, les arts décoratifs et la sculpture.

L'art rococo se développe au début du XVIIIe siècle, période de transition entre l'art baroque et néoclassique. Il est désormais partagé comme baroque ou intéressant par la profusion de détails, on accorde ou substitue sa solennité et son drame au prazer et au divertissement.

Le désir de divertissement était tel que, selon le chercheur Michael Levey, le rococó ne respectait ni l'Église ni l'État. L'amour, la sensualité et la vie quotidienne étaient des sujets plus intéressants que les gloires spirituelles.

Le mot rococó désigne le thermos rocaille, une sorte de décoration de jardin basée sur l'utilisation de coquillages ou de sexe, très populaire en Italie et en France au cours du XVIIe siècle. Les deux ou l'utilisation de ces motifs quant à semelhança us efeitos alcançados levaram cela ou fosse thermo rococo appliquée à ce style.

Caractéristiques de l'art rococo

Contrairement à l'art baroque, l'art rococo se caractérise par être gai, célébrer la vie, laisser place à l'humour, à la grâce et à un érotisme doux. On peut dire qu'il était, de facto, l'expression d'une classe sociale qui fuyait le tedio par un art enthousiaste, sans prétention transcendante ou didactique.

Personnage drôle et festif

L'art rococo était avant tout un style qui cherchait à exprimer la grâce et la joie. Fosse ornée ou rococo ornementée en décoration, son atmosphère se voulait lumineuse et pleine d'enthousiasme.

humour et méchanceté

L'art rococo est l'expression d'une élite qui s'amuse. Pour cette raison, ils ont une grande dose d'humour et de méchanceté qui réprime toute tentative de solitude. Par isso, ou rococo tambem expressa ou relaxamento da label.

Des sujets sans prétention moralisatrice ou didactique

Les thèmes favoris du rococo étaient les aventures sentimentales, les dîners pastoraux, les amusements de l'élite oisive et la vie domestique. Mais, malgré l'apparence sucrée de deux thèmes, ils ont un lien avec l'expérience. Les thèmes religieux, mythologiques ou historiques n'apparaissent pas hors du commun, mais hors d'existence ils sont dépouillés de leur solitude.

Ficaram pour après les dîners moralisateurs, didactiques ou les dîners qui montrent le pouvoir. Chaque sujet passe le filtre de la grâce, de la pratique et de la vie quotidienne.

érotisme voilé

L'art se nourrissait d'un érotisme voilé, tant dans ses formes que dans ses thèmes. Pour certains artistes, la mythologie était une cachette pour justifier ou développer leur érotisme, afin de ne pas subir les critiques des élites intellectuelles.

Or le rococo était un art attentif aux détails et à l'ornementation excessive. Les artistes, designers et architectes enrichiront le décor des œuvres d'éléments aussi exubérants qu'imaginatifs. Je ne suis pas surpris de retrouver des éléments de cultures orientales comme la faune, la flore et toutes sortes de motifs.

Utilisation des tons pastel et blanc

L'un des moyens que les artistes rococo ont trouvés pour tracer la grâce et le plaisir était de changer une palette de tons terreux et sombres à des tons pastel et blancs. Elle s'est appliquée aussi bien en peinture qu'en décoration architecturale, avec grâce et sensualité.

Un art libéré donne sa fonction de propagande

Ou rococo libertou l'art de son rôle propagandiste. L'art n'est plus au service de causes ecclésiastiques ou absolutistes, il est aussi influencé par la liberté thématique et stylistique. L'art n'avait plus besoin d'être ou véhicule d'une « vérité », il fallait qu'il soit sérieux.

Une peinture rococo

La peinture rococo représentait un triomphe du rubénisme sur le poussinisme.

Le rubénisme désigne le courant des peintres coloristes inspirés du peintre baroque flamand Pedro Pablo Rubens (1577-1640), qui l'a souvent emporté sur ou sur.

O poussismo fait référence au courant qui privilégiait ou négligeait les autres, influencé par le peintre français Nicolás Poussin (1594-1665). Or le colorisme était caractéristique de deux peintres rococo.

Son caractère placide et gracieux contraste avec le drame du baroque. En France, la vie de cour commence à s'articuler autour des divertissements et des banalités, comme les amours, les jeux ou la vie quotidienne, le tout reflété dans la peinture.

Cet esprit enjoué a rapidement imprégné les cours européennes, mais chaque pays s'est adapté à ses particularités.

Peintres Rococo

Antoine Watteau (1684-1721). Watteau était un peintre d'une ville flamande annexée à la France. Il fut le premier artiste à céder aux préoccupations de l'élite oisive. Mais c'était aussi celui qui deu "humanidade" aos personagens. Parmi ses œuvres les plus importantes figurent Peregrinação à ilha de Cythera (1717), A escalado do amor (1717); Fête vénitienne (1719).

Jean-Baptiste-Siméon Chardin (1699-1779). Il était un peintre français indépendant, grâce aux ressources économiques de sa femme. Il était particulièrement soucieux de représenter la vie domestique. Parmi ses œuvres les plus importantes figurent O menino do pião (1737), A jovem governmentanta (1740) et A bênção.

François Boucher (1703-1770). Peintre français ayant travaillé sous ou sous le patronage de la marquise de Pompadour, favorite du roi Louis XV. Il a traité de nombreux sujets mythologiques, pastoraux et idylliques avec une grande exubérance. Parmi ses œuvres les plus importantes figurent Portrait de Madame de Pompadour (1759); Jeune femme allongée (1752) et Diane au bain (1742).

Jean-Honoré Fragonard (1732-1806). C'est un peintre français qui a créé l'hédonisme, l'érotisme, l'exubérance et une atmosphère intimiste, signes les plus représentatifs de sa peinture. Parmi ses œuvres les plus importantes figurent The Swing (1767), The Blind Hen (1769), The Lock (1779), The Stolen Kiss (1788).

Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770). Peintre italien largement reconnu en Europe, thème développé ou religieux. J'ai également exécuté des thèmes mythologiques et quotidiens. Certaines de ses œuvres les plus connues sont: Traduction de la Sainte Maison de Loreto (1743-1745), Afrescos da Résidence de Würzburg (1752-1753), Jeunesse au Papagaio (1760) et Afrescos du Palais Royal de Madrid ( 1762). -1766).

Guillaume Hogarth (1697-1764). Peintre anglais qui a mis en pratique les ressources claires et les noyaux du rococo, mais a ridiculisé les conventions sociales, principalement celles de l'élite. Parmi ses œuvres les plus connues figurent: Les quatre heures du jour (1736), La carrière d'une prostituée (1732) et Mariage à la mode (c. 1743).

Thomas Gainsborough (1727-1788). Peintre anglais qui se caractérisait par la représentation de personnes dans des attitudes gracieuses. Il s'est concentré sur une petite aristocratie locale. Il a souligné son intérêt pour le paysage, qu'il utilise toujours comme toile de fond pour ses peintures. Leurs emplois incluent: M. et Mme. Andrews (1749), The Blue Boy (1770) et le Dr Ralph Schomberg.

Architecture rococo

L'architecture rococo se caractérise par être austère dans les finitions extérieures, beaucoup plus riche et plus exubérante dans la décoration intérieure. Les espaces intérieurs sont plus petits et traités avec une plus grande intimité, grâce à l'utilisation de formes délicates et lisses.

La décoration intérieure se distingue par son ingéniosité et son imagination. Les rondelles dorées étaient à l'ordre du jour, au service de formes courbes aux motifs floraux, coquillages et sinuosités de toutes sortes. Comme les noyaux étaient toujours brillants et joyeux.

L'architecte français Germain Boffrand fut à l'origine de l'introduction du rococó en France et se mit surtout au service de l'ordre monarchique, ayant développé des projets religieux. Il a participé à des projets tels que Place Vendôme à Paris, ou Conservatoire de Versailles, ou Hôtel de Soubise à Paris et ou Château de Lunéville.

L'esthétique rococo était très appréciée en Autriche et dans les États allemands faisant partie du Saint Empire romain germanique, tant dans l'architecture religieuse que dans l'architecture civile.

Les exemples incluent la basilique Vierzehnheiligen de Johann Balthasar Neumann et l'abbaye d'Ottobeuren en Bavière. En Prusse, la construction du Palácio Sanssouci à Potsdam sous la direction de Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff se démarque.

En Espagne, la prééminence du baroque et le manque d'échanges artistiques avec la France et l'Allemagne principalement, rendront difficile la diffusion du style rococo.

Par exemple, la décoration de la sacristie de La Cartuja de Granada, probablement commencée par Hurtado Izquierdo et poursuivie par José de Bada. Se référer à encore ou Transparent de la Cathédrale de Tolède, par Narciso Tomé. Enfin, la façade du Palacio del Marqués de Dos Aguas, conçue par Hipólito Rovira.

Meubles Rococo

A cette époque, il est élevé dans un style dit Louis XV, dans l'attention au goût esthétique dominant à la cour. Ce style tornou-se est une mode internationale.

Une marcenaria se caractérisait par l'utilisation de vernis et de marchetaria en bronze. Les motifs les plus utilisés sont floraux.

De la même manière, vous vous déplacez pour être projeté de ne pas être dérangé par deux noms au tribunal, ce qui n'était pas habituel à l'époque. Isso trouxe con se ou desenvolvimento da arte dos móveis ragoûts.

sculpture rococo

Tant la sculpture autonome que la sculpture au service de l'architecture ont un rôle non rococo. L'une de ses différences les plus notables était la réduction des dimensions colossales du baroque.

Or le rococo cherchait également à accentuer la douceur et la délicatesse et non le traitement des textures et des mouvements. Pour les sculpteurs mantifs ou intéressés par le marbre, la porcelaine était largement utilisée.

Sculptures en gesso et bois également foram feitas. Quelle quantité colorer, quand appliquer, on maintient les tons de pâte à éclairer ou à illuminer. Parmi les sculpteurs rococo les plus remarquables, on trouve Antonio Corradini et Étienne-Maurice Falconet.

Antonio Corradini (1688-1752). C'était un sculpteur italien qui travaillait au service de la cour de Charles VI. Il était connu pour la façon dont il traitait les vêtements, principalement ou effet de transparences. Certaines de ses œuvres les plus commentées sont: A Mulher Veiled (La Foi) et Modesty, également appelée A true veilled.

Étienne-Maurice Falconet (Français, 1716 - 1791). Il était l'un des deux protégés de la marquise de Pompadour. Certains chercheurs donnent ou étudient l'art comme figure de transition vers le néoclassicisme. Ses œuvres incluent: Menacing Cupid (1757) et Pigmalião e Galatea (1763).

Contexte historique rococo

Le baroque a dominé l'esthétique occidentale du milieu du XVIe siècle à la fin du XVIIe siècle. C'étaient des temps de guerres de religion et de consolidation de l'absolutisme.

En France, dans les dernières années du règne de Louis XIV, la stabilité s'est réalisée autour de la suppression des cérémonies baroques. Então, o Rei Sol nous a vu nommer une menace. A la fin de son règne, il a dépossédé la noblesse de son pouvoir, faisant de vous une élite oisive.

Trois événements foram basicis no impulse do rococo :

1. à la mort du roi Louis XIV ;
2. l'influence de la favorite du roi Louis XV, la marquise de Pompadour ;
3. ou échange d'artistes entre les différentes cours européennes.

Ou rei est mort. Vivant ou Roi !

A la mort de Louis XIV, il quitte la cour de Versailles pour Paris, tandis que Louis XV attend la date de son accession au trône.

A Paris, les noms entreront en contact avec les élites économiques les plus puissantes et les responsables du Trésor. Il y a quelques années, les formes de l'étiquette s'assouplissaient, selon le chercheur Stephen Richard Jones dans son livre Introduction à l'histoire de l'art: le XVIIe siècle.

Maintenant que les noms étaient oisifs et compris, il fallait maintenir l'intérêt de la cour et prévoir de nouvelles occupations. Peu à peu une réponse se trouvera dans l'art. Jones déclare que :

L'art rococo ne devait ravir qu'une société riche, vraiment oisive, pour laquelle ou le seul péché il était à abhorrer.

Lorsque le jeune Louis XV prend ses fonctions, il renouvelle les idées du clientélisme aux mains du secteur privé.

L'un des mécènes les plus importants de l'époque était l'amante du roi, Jeanne-Antoine Poisson, marquise de Pompadour, connue comme mécène des arts.

Elle crée aussi un marché qui, inspiré par l'artiste Watteau, s'intéresse à la vie domestique, à l'érotisme, à la célébration de la vie et au prazer.

Plus que toute autre chose, il s'intéressait aux relations amoureuses, ou au meilleur antidote à l'ennui. Ce moment donne l'histoire testemunhou à la mobilité des artistes entre les pays comme jamais auparavant. Un art nouveau - qui a dépassé la transcendance du baroque - a ouvert la voie dans une grande partie de l'Europe.

Déclin

Au milieu du XVIIIe siècle, des penseurs des Lumières comme Voltaire proclament le domaine de la raison et la mesure du pays comme communs.

Ou le rococo semblait un excès inacceptable. Accusé d'être superflu, senão immoral ou rococo, il a été associé au déclin du régime d'Antigo.

Sous l'influence des Lumières, l'architecte Jacques François Blodel s'associe aux voix qui disqualifient le style artistique du Régime d'Antigo. Ele então propose une modernisation de l'art qui accompagnerait le républicanisme croissant et non le débat politique.

En tant que temps ou conception, il a triomphé du noyau, sous le commandement de la pensée philosophique et politique, l'art tourné vers l'académisme, la moralisation et la propagande d'État. Assim né de l'art néoclassique.

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Références:

• Levey, Michael (1998): Du rococo à la révolution: grandes tendances de la peinture du XVIIIe siècle. Barcelone: Edições Destino.
• Jones, Stephen Richard (1985): Une introduction à l'histoire de l'art: le dix-huitième siècle. Barcelone: Éditorial Gustavo Gili / Cercle des lecteurs / Université de Cambridge.