La Renaissance: qu'est-ce que c'est et quelles sont ses caractéristiques

C'est peut-être l'une des périodes artistiques les plus connues de l'histoire de l'art. La Renaissance est mondialement connue, notamment à travers ses artistes les plus importants. Des noms comme Brunelleschi, Botticelli, Raphaël, Léonard ou Michel-Ange sont probablement parmi les plus prononcés parmi ceux qui s'intéressent à l'art universel.

Sait-on vraiment ce que représentait la Renaissance, au-delà des clichés qui traînent depuis des siècles ? Dans cet article nous allons essayer de plonger dans la réalité de ce mouvement qui n'était pas seulement artistique, mais aussi philosophique et social.

Qu'est-ce que la Renaissance ?

Comme pour la plupart des nomenclatures, le mot "Renaissance" n'est entré en usage que plusieurs siècles après l'époque à laquelle il se réfère. Spécifique, C'est l'écrivain français Honoré de Balzac qui, en 1829, introduisit le terme dans son roman Le Bal de Sceau. Balzac fait référence à la culture qui a commencé en Italie au XIVe siècle et qui s'inspire des modèles classiques. Des années plus tard, l'historien Jules Michelet consacre le terme "Renaissance" dans son ouvrage

la Renaissance (1855).

Nous pouvons comprendre la « Renaissance » comme le mouvement culturel qui a commencé en Italie (et, plus précisément, à Florence) à travers début du XVe siècle et agrandie jusqu'à la fin du XVIe, et qui suppose une récupération des modèles du Antiquité. Cependant, il est important de noter que ces modèles classiques existaient tout au long du Moyen Âge. Ce qui rend la Renaissance « différente », c'est la pleine conscience qu'avaient ses artistes de vivre une renovatio, c'est-à-dire le « réveil » de ces modèles antiques.

En général, Les intellectuels et les artistes de la Renaissance se considèrent comme les rénovateurs de « l'art véritable », qu'ils considéraient comme perdus durant les longs siècles de « léthargie » médiévale. Giorgio Vasari, l'un des théoriciens les plus importants du XVIe siècle, considère l'art du Moyen Âge comme "l'enfance" de art, tandis que le Quattrocento (c'est-à-dire le XVe siècle italien) représenterait sa « jeunesse », la première prise de conscience. Enfin, le Cinquecento (XVIe siècle) serait la maturité de l'art, avec des noms aussi importants que Léonard, Michel-Ange et Raphaël.

Mais... La Renaissance a-t-elle été une authentique récupération de cet art ancien? Nous avons déjà dit qu'au Moyen Âge, les classiques n'étaient pas oubliés. Non seulement dans le domaine philosophique, où l'on retrouve une forte présence de Platon (par exemple, à l'école de Chartres) et Aristote (dans la pensée de saint Thomas d'Aquin), mais aussi dans les arts Plastique.

En effet, dans la sculpture et l'architecture médiévales on retrouve des motifs tirés de l'Antiquité, qui sont le témoignage vivant que le Moyen Âge n'a en aucun cas représenté une rupture avec le temps classique. Cependant, les intellectuels et les artistes de la Renaissance ont ressenti cela. Ce n'est pas en vain que Vasari a qualifié l'art des siècles médiévaux de "monstrueux et barbare", un concept qui, d'ailleurs, est resté valable jusqu'au XIXe siècle.

Ensuite, la Renaissance suppose un "réveil" dans un double sens. D'abord parce que, comme nous l'avons déjà mentionné, ils ont été les premiers à prendre conscience de la conversion de cette rénovation classique en rupture radicale avec la tradition médiévale, égale ou plus radicale que ce qu'avait été le Moyen Âge vers l'époque classique; Deuxièmement, parce que, effectivement, s'opère le passage d'une société théocentrique à une société humaniste, ce qui, de facto, suppose la véritable rupture avec le Moyen Âge.

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La « rupture » avec la tradition

La rupture que la Renaissance a eu conscience de vivre ne peut à proprement parler être considérée comme telle. D'abord parce qu'on a déjà vu qu'au Moyen Âge les classiques n'étaient pas oubliés. Et, deuxièmement, et ce n'est pas moins important, parce qu'à la Renaissance, ils ont continué à utiliser ressources médiévales, telles que la typologie de certains bâtiments, l'iconographie et certaines des procédures techniciens.

Pour toutes ces raisons, on peut conclure que la Renaissance n'a nullement été la rupture radicale que les renaissancenistes eux-mêmes envisageaient. En effet, l'historien Johan Huizinga soutient, dans son ouvrage L'Automne du Moyen Âge, que les derniers siècles médiévaux ont représenté la préparation de l'étape de la Renaissance, et n'ont nullement signifié son antithèse. Et, de son côté, l'historien de l'art Erwin Panofsky parlait déjà de diverses « renaissances ». Nous comprenons donc que ce qu'on a appelé la "Renaissance" n'est rien d'autre qu'un autre des grands pièges de l'historiographie européenne éclairée, celui-là même qui a marqué les dix siècles qui ont suivi la chute de l'Empire romain de « Moyen Âge ».

Dans tous les cas, il existe une série de facteurs qui configurent un contexte clair dans lequel se situe cette "rupture". Nous avons déjà remarqué qu'à la fin du XIVe siècle, on passe d'une société théocentrique à une pensée humaniste. Le déclin progressif du monde rural, déjà amorcé au milieu du Moyen Âge, ainsi que la essor conséquent des villes, contribuent de manière fondamentale à accélérer ce changement de mentalité.

Le nouveau groupe social qui émerge dans les villes, la bourgeoisie, va jouer un rôle fondamental dans tout ce processus.soit. Marchands et banquiers urbains forment une puissante oligarchie qui contrôle les villes et agit, en même temps, comme de puissants mécènes. Ainsi, dès le XIVe siècle, les artistes seront sous la protection de ces personnages importants, et il est Grâce à cette conjonction de forces, certaines des œuvres d'art les plus importantes de histoire. Il suffit de mentionner la puissante famille Médicis, à Florence.

Ainsi, si la Renaissance représente une véritable rupture avec le monde immédiatement antérieur, c'est dans la conception de l'artiste et la relation qu'il entretient avec ses clients. L'artiste continue d'être un instrument entre les mains de ses mécènes, mais ceux-ci utilisent leurs protégés dans un but clair de différenciation et de propagande politique. Chaque homme puissant se voit attribuer un style qui le représente: les Sforza à Milan, Jules II à Rome, les Médicis à Florence. En outre, la collection d'œuvres d'art devient également un symbole de statut et de pouvoir.

D'autre part, le métier mécanique médiéval des artistes se dissout dans une conception beaucoup plus intellectuelle de l'art et de ses procédés. Les traités sur l'art, comme le célèbre De Pictura (1435) de Leon Battista Alberti, contribuent énormément à considérer l'artiste comme bien plus qu'un simple artisan, en supposant qu'il a besoin de certaines qualités intellectuelles pour mener à bien son travail. En conséquence de cette nouvelle considération, les artistes commencent à se représenter dans leurs œuvres et commencent à les signer.

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Un nouveau langage figuratif: la perspective

Les changements survenus à la Renaissance étaient, plutôt que plastiques, philosophiques et littéraires. Grâce à une réévaluation de la philosophie ancienne, la base pour la création d'un nouveau système formel est établie., qui se manifeste, plus tard, dans divers courants artistiques. Les modèles de l'Antiquité s'imposent comme le seul miroir dans lequel les hommes de la Renaissance se regardent et cherchent leur idéal esthétique.

Mais où chercher d'anciens modèles en peinture? Car, de même que les sculpteurs et les architectes ont des exemples dont s'inspirer, il n'en est pas de même de la peinture. Au XVe siècle, Pompéi et Herculanum n'avaient pas encore été découvertes, ce qui rendait extrêmement difficile la tâche de trouver des modèles picturaux de l'Antiquité sur lesquels fonder le nouveau langage figuratif. À cette fin a aidé la découverte, en 1480, de la Domus Aurea de Néron, à Rome, dont les fresques ont contribué à établir, bien que tardivement, des modèles picturaux qui serviront de modèles aux peintres Renaissance.

Un exemple en sont les "grotesques", ornements picturaux à base de décorations végétales, de figures humaines et d'animaux fantastiques, entre autres, qui ornaient les murs du palais de Néron. Cependant, l'excentricité de ces décorations leur a valu de vives critiques de la part des auteurs de traités comme Giorgio Vasari.

C'est précisément Vasari qui a jeté les bases de ce qu'il considérait la "bonne peinture" qui, fondamentalement, devait être basée sur l'harmonie et la proportion et, surtout, sur une perspective correcte. C'est probablement ce dernier concept qui a le plus préoccupé les artistes de la Renaissance; réaliser, comme disait Alberti, une "fenêtre" à travers laquelle on entrevoit une partie de l'espace. En Italie, la perspective dans les représentations picturales est atteinte vers 1422: les fresques de la chapelle Brancacci, de Masaccio, en sont une bonne preuve.

Les Italiens du Quattrocento ont réussi à maîtriser la perspective en s'éloignant de la pluralité des points de vue qu'avaient utilisés les peintres du Trecento. Au lieu de cela, ils ont rendu possible cette « fenêtre » dont parlait Alberti à travers la perspective mathématique exacte, qui fait converger toutes les lignes de la composition vers un seul point de fuite. Dans cette entreprise, la contribution de l'architecte Filippo Brunelleschi a été déterminante. Cependant, il n'en est pas moins vrai qu'en Flandre, les primitifs flamands sont arrivés à une solution également valable par un procédé différent.

Peinture flamande du XVe siècle, dont Jan van Eyck et Roger van der Weyden, représenté un changement aussi radical des formes gothiques que la peinture de la Renaissance en Italie. Dans le cas des Flamands, la perspective s'est faite par une observation attentive et absolument empirique de la réalité.

Le résultat du flamenco était si surprenant et unique que son style s'est répandu dans toute l'Europe, au point que des territoires tels que L'Angleterre, l'Autriche ou la péninsule ibérique ont pris comme référence les modèles flamands, plus que ceux de la Renaissance issus de Italie. Les artistes du Quattrocento italien eux-mêmes ont profondément admiré ces innovateurs venus de Flandre, et les échanges artistiques sont nombreux entre les deux latitudes européennes. Qu'il suffise de dire que Bartolommeo Fazio, un humaniste du XVe siècle originaire de Gênes, appelle Jan van Eyck "le principal peintre de notre époque".

Tout a commencé à Florence

S'il y a un endroit qui nous vient à l'esprit quand on parle de la Renaissance, c'est bien sûr Florence.. C'est dans cette ville que se développe l'humanisme, un courant culturel et de pensée qui revendique la capacité de l'être humain à se connaître et à connaître le monde qui l'entoure. Mais remettons-nous dans le contexte.

En 1402, les troupes milanaises dirigées par Gian Galeazzo Visconti avancent vers Florence et menacent la paix et la prospérité qui régnaient dans la République florentine depuis des années. L'attaque de Milan se répète dans les années 20 du XVe siècle; une seconde menace qui n'est stoppée que grâce à l'alliance entre Florence et la ville de Venise (1425). Ces revendications militaires continues ne font que raviver les valeurs républicaines, que les Florentins brandissent contre ce qui était considéré comme une dictature princière. Mécènes et artistes se mettent alors à la recherche d'un langage plastique reflétant ces idéaux républicains.

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Ghiberti et Masaccio, les grands rénovateurs du plastique

En 1401, un concours est organisé à Florence pour trouver un artiste pour réaliser les deuxièmes portes de son baptistère. Le vainqueur était Lorenzo Ghiberti; Sa première œuvre au baptistère, bien qu'elle soit considérée comme le "manifeste" de l'art de la Renaissance, conserve encore beaucoup d'influence des formes du soi-disant gothique international. Il faudra attendre le second ouvrage de Ghiberti sur le Baptistère (les troisièmes portes, réalisées entre 1425 et 1452), où il sera apprécié, cette fois sans aucun doute, l'apparition retentissante d'un nouveau langage plastique qui, entre autres solutions, comprend l'introduction de la perspective en réglant les échelles des figures représentées.

Si l'œuvre de Ghiberti pour le Baptistère représente une innovation dans la sculpture, celle de Masaccio (1401-1427) est dans le domaine de la peinture. Les fresques que l'artiste a réalisées pour la chapelle Brancacci, dans l'église florentine de Santa Maria del Carmine, représentent une véritable révolution. Parmi eux, le magnifique L'hommage à César, dont le réalisme et la force de ses personnages ont dû signifier une véritable révélation pour ses contemporains. De la même manière, l'audacieuse perspective architecturale contenue dans sa fresque La Trinité, à Santa Maria Novella, semble ouvrir une brèche dans le mur de l'église. C'est la « fenêtre » dont parle Alberti; Masaccio en a enfin fait une réalité.

Brunelleschi et le dôme impossible

Dès le milieu du XIVe siècle, les Florentins ont voulu doter leur cathédrale d'un dôme qui en ferait le plus grand de la chrétienté.. Pourtant, l'ampleur du projet avait figé les angoisses des architectes: pas moins de 43 mètres de diamètre devaient être sauvés, des mesures pratiquement égales à celles du Panthéon de Rome. Personne, depuis lors, n'avait jamais réussi à élever un tel dôme.

Les travaux commencèrent finalement en 1420, la Commission étant séduite par le plan audacieux de Brunelleschi, qui cherchait à relever le structure colossale sans l'aide d'échafaudages ou d'échafaudages (à partir de la base du dôme, il serait surélevé à l'aide de lattes horizontal). Le projet a duré 16 ans (un temps ridicule si l'on tient compte de l'ampleur de l'entreprise). En 1436, et selon les propres mots d'Alberti, le dôme de Florence "couvrait toute la Toscane de son ombre". Depuis le Panthéon, c'est-à-dire depuis l'époque romaine, rien de semblable n'avait été réalisé. La coupole de Brunelleschi est un véritable repère dans l'architecture de la Renaissance.

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Les autres centres de la Renaissance

Florence était le centre incontesté d'où rayonnaient l'humanisme et la nouvelle langue de la Renaissance, mais il y avait d'autres centres italiens qui ont pris ces idées et les ont fait leurs, afin de créer un propre version. Voyons-les ci-dessous.

Rimini, dirigé par Segismundo Malatesta, a utilisé la nouvelle expression artistique comme base de sa propagande officielle. La renaissance de la cour des Malatesta repose essentiellement sur l'esprit chevaleresque et la connaissance des classiques. L'un des exemples de la Renaissance à Rimini est l'église de San Francesco, œuvre de Leon Battista Alberti. De plus, Malatesta a également attiré le peintre Piero della Francesca à sa cour.

Venise était une ville avec une grande charge orientale derrière elle, qui depuis le Moyen Âge représentait le point de confluence entre les mondes européen et byzantin. Ainsi, la Renaissance vénitienne reprend encore des modèles byzantins et les fusionne avec un vocabulaire architectural et décoratif romain.

Pour sa part, Federico de Montefeltro conçoit un immense programme pour attirer les talents à sa cour d'Urbino, parmi lesquels le distingué Piero della Francesca, dont les portraits du duc et de la duchesse d'Urbino au profil strict, imitant les pièces de monnaie romaines, sont assez célèbres. En général, l'iconographie combine des éléments chrétiens et mythologiques, ce qui est par ailleurs courant dans l'art de la Renaissance.

Finalement, à Mantoue, Ludovico Gonzaga puise dans son goût pour l'antiquité classique pour réformer la ville. Pour cela, il compte, entre autres, avec Leon Battista Alberti (Église de San Andrés) et Andrea Mantegna (fresques dans la chambre des époux). La considération des artistes à la Renaissance implique qu'ils ont un statut beaucoup plus élevé que celui qu'ils avaient aux siècles précédents. Ainsi, Mantegna a ordonné la construction de son palais à Mantoue, qui suit les modèles typiques de l'architecture de la Renaissance et dont la géométrie suit les préceptes de l'architecte romain Vitruvio, la référence de l'écrivain architectural du époque.