Les 10 peintures baroques les plus importantes

Le baroque est une époque et un courant artistique qui se sont déroulés, principalement, au XVIIe siècle. Ce style artistique compte de nombreux chefs-d'œuvre, répartis parmi les meilleurs musées du monde.

Dans cet article nous nous concentrerons sur la peinture baroque et nous sauverons 10 de ses peintures les plus importantes.

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Peinture baroque

Le XVIIe siècle voit l'essor de véritables maîtres de la peinture. Des artistes comme Velázquez, Vermeer, Rubens ou Ribera ont rempli les pages de l'histoire de l'art de multiples façons. chefs-d'œuvre, indispensables pour connaître à la fois cette période historique et l'évolution de l'art en général.

Comme pour la plupart des mouvements artistiques, le baroque n'est pas un style unique.. Chaque région et chaque pays avait ses propres caractéristiques, dictées par son propre contexte économique, religieux et social. Ainsi, alors que dans les pays catholiques ce style servait de véhicule à la Contre-Réforme, dans les régions Les protestants sont devenus beaucoup plus intimes et personnels, puisqu'ils ont été promus par les marchands et les bourgeois de la villes.

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Les 10 principaux tableaux du baroque

Ensuite, nous ferons un court voyage à travers les 10 peintures baroques les plus importantes.

1. Les Ménines, de Diego Velázquez (Musée du Prado, Madrid)

C'est probablement l'une des œuvres picturales les plus reproduites et l'une des plus célèbres au monde. La toile est connue sous le nom de Les Ménines, même si son nom d'origine était La famille de Felipe IV. C'est, sans aucun doute, un des chefs-d'oeuvre de la peinture baroque et de l'histoire de l'art en général.

Il a été peint en 1656 dans le Cuarto del Príncipe del Alcázar à Madrid, et il recrée un étonnant jeu de lumière et de perspective. En arrière-plan, reflétés dans un miroir, on voit les bustes des monarques, le roi Felipe IV et son épouse Mariana d'Autriche. A gauche de la toile, Velázquez prend un autoportrait au chevalet. Les interprétations de l'œuvre ont été et continuent d'être très variées. Vous peignez les rois, et soudain vous êtes interrompu par la petite infante Marguerite, qui est accompagnée de ses ménines et de son entourage? Quoi qu'il en soit, le tableau plonge complètement le spectateur dans la scène, comme s'il y était un autre personnage.

2. Judith et Holopherne, par Artemisia Gentileschi (Galerie des Offices, Florence)

Depuis quelques années, l'œuvre extraordinaire d'Artemisia Gentileschi retrouve la place qu'elle mérite dans l'histoire de la peinture. Judit et Holopherne est l'un des chefs-d'œuvre non seulement de son corpus pictural, mais de la peinture baroque en général.

L'artiste nous représente le moment, enregistré dans la Bible, où Judith, l'héroïne juive, décapite Holopherne, un général babylonien qui la veut. Artemisia représente le moment avec une férocité qui vous glace le souffle. Beaucoup de critiques ont voulu voir dans la crudité de ce tableau toute la rage et la souffrance que le violation dont il a été victime peu avant l'exécution de la première version du tableau, conservée au Musée de Capodimonte, Naples. En tout cas, le merveilleux clair-obscur, la composition et le dynamisme des personnages font de cette œuvre l'un des meilleurs échantillons de la peinture baroque.

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3. Fille lisant une lettre devant la fenêtre ouverte, de Johannes Vermeer (Alte Meister, Dresde)

Le grand et, à la fois, univers pictural intime de Vermeer se réduit, malheureusement, à une trentaine d'œuvres reconnues. Cette rareté de la production artistique fait de cet artiste baroque hollandais un peintre entouré d'un halo de mystère. Ses intérieurs étaient alors très prisés, bien qu'ils soient ensuite tombés dans l'oubli et ne soient revendiqués que bien plus tard par les impressionnistes du XIXe siècle.

Le travail qui nous concerne représente parfaitement cet univers d'intimité domestique caractéristique du peintre. Dans une pièce éclairée par la lumière laiteuse qui pénètre par une fenêtre ouverte, une jeune femme se concentre sur la lecture d'une lettre. Son univers intime devient plus inaccessible car nous ne pouvons l'atteindre physiquement puisque la table et le rideau au premier plan nous en empêchent. Cette toile est un bel exemple de la peinture baroque des Pays-Bas et, surtout, de cet univers de personnages insaisissables et presque fantomatiques qui peuplent l'œuvre de cet artiste hors du commun.

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4. Nature morte, par Clara Peeters (Musée du Prado, Madrid)

Le genre des natures mortes n'a pas été très apprécié dans l'histoire de l'art, malgré le fait qu'il soit d'un genre qui exige beaucoup de détails et, bien sûr, une capacité indiscutable à capturer des textures et surfaces. Un chef-d'œuvre du genre est sans aucun doute ce Nature morte de la peintre Clara Peeters.

La virtuosité de l'artiste y est non seulement évidente dans la représentation soignée des éléments, mais dans la série d'autoportraits que le peintre a réalisés, comme un reflet, dans la cruche et dans la Coupe. Capturer un reflet sur une surface était quelque chose qui nécessitait une virtuosité exquise, et Clara enregistre sa capacité picturale à travers cette ressource, en plus d'être une façon de revendiquer son rôle d'artiste dans un métier dominé par les hommes.

5. L'incrédulité de saint Thomas, par Caravaggio (Schloss Sanssouci, Potsdam)

Le thème biblique du doute du saint devant la résurrection du Christ est recueilli dans cet ouvrage avec un naturalisme impressionnant. Saint Thomas insère un doigt dans la plaie que Jésus regarde sur l'un de ses côtés. Le Christ lui-même guide sa main, l'encourageant à croire par des preuves physiques ce qu'il n'a pas cru par la foi. On n'avait jamais vu cette scène racontée avec autant, on pourrait dire, de crudité. Le réalisme caractéristique du Caravage se manifeste dans l'anatomie des corps, dans les rides qui sillonnent le front des apôtres, dans les ongles sales que saint Thomas lui-même présente et, surtout, dans le bout de son doigt pénétrant dans la chair de Christ. L'œuvre de Caravage est l'un des meilleurs exemples que le baroque n'est pas seulement théâtralité et faste, mais aborde aussi souvent la réalité avec un naturalisme surprenant.

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6. christ crucifié, par José de Ribera (Musée Diocésain d'Art Sacré, Vitoria-Gasteiz)

L'un des crucifiés les plus impressionnants de la peinture baroque. Il est conservé au Musée Diocésain d'Art Sacré de Vitoria-Gasteiz, du couvent disparu de Saint-Domingue, et est considérée comme l'une des meilleures représentations du Christ crucifié en peinture. Espagnol. Sur un fond neutre et nettement sombre, qui renforce l'idée de l'éclipse biblique qui accompagna le mort du Christ, la figure de Jésus se lève sur la croix, avec le corps blanc et tordu dans un forcé contre-poste. La seule source de lumière est son corps, car même le tissu de pureté est d'une teinte similaire au bois de la croix sur laquelle il est cloué. La scène semble capturer le moment où le Christ lève les yeux vers le ciel et murmure: « Tout est fini. Consumatum est”.

7. Enfants mangeant des raisins et du melon, de Bartolomé Esteban Murillo (Alte Pinakothek, Munich)

Nous avons déjà dit que le réalisme est également typique de l'art baroque. Un bon exemple en est cette merveilleuse toile du peintre Bartolomé Esteban Murillo, conservée à Munich, qui représente deux enfants mal habillés mangeant du raisin et du melon. L'Espagne du XVIIe siècle offrait des contrastes marqués et la pauvreté était un spectacle courant dans les rues de villes comme Madrid. A cette occasion, Murillo représente les deux garçons concentrés sur leur nourriture. Ils ne regardent pas le spectateur; en réalité, ils remarquent à peine notre présence. Alors qu'ils dévorent le melon et les raisins (peut-être l'un des rares aliments auxquels ils auront accès pendant plusieurs jours), ils parlent calmement, comme en témoignent leurs regards échangés. Les pieds nus sales et les vêtements usés ajoutent une note dramatique à la scène attachante.

8. Voûte avec le Apothéose de la monarchie espagnole, de Luca Giordano (Musée du Prado, Madrid)

Ce plafond fantastique, réalisé à la fin du XVIIe siècle selon la technique de la fausse fresque, est actuellement visible dans la bibliothèque du musée du Prado à Madrid. À l'origine, la voûte appartenait à l'ancienne salle des ambassadeurs du palais du Buen Retiro, un lieu de repos et de loisirs que le comte-duc d'Olivares ordonna de construire pour le roi Felipe IV.

Comme son nom l'indique, la salle des ambassadeurs était le lieu de réception du monarque, de sorte que l'iconographie affichée sur son plafond est une exaltation de la monarchie hispanique. Giordano crée une composition extraordinaire, parsemée d'allégories et de symboles tirés de la mythologie. qui cherchait à souligner l'ancienneté de la couronne espagnole et sa prééminence sur les autres maisons royales Européen.

9. les trois merci, de Rubens (Musée du Prado, Madrid)

Apparemment, Rubens a réalisé cette toile, l'une des plus célèbres de son œuvre, pour son propre plaisir, comme en témoigne le fait qu'à sa mort, elle faisait partie de sa collection personnelle. En fait, les traits de la femme de gauche ressemblent beaucoup à ceux de sa seconde épouse, Hélène Fourment, que Rubens a épousée alors qu'elle n'avait que seize ans et lui, cinquante- trois. Depuis les temps anciens, Il est habituel de trouver le motif des grâces liées aux fiançailles, il ne semble donc pas déraisonnable de supposer que l'artiste a peint le tableau en hommage à son propre lien. Les trois personnages se tiennent voluptueusement et joignent leurs mains dans ce qui semble être une sorte de danse. C'est en effet l'un des tableaux les plus élégants et les plus sensuels de l'artiste.

10. Madeleine pénitente de la lampe, par Georges de La Tour (Musée du Louvre, Paris)

De La Tour est un peintre fantastique qui est célèbre pour le clair-obscur exquis dans ses compositions, réalisé par la lueur d'une ou plusieurs bougies.

Dans ce cas, le tableau nous montre une Marie Madeleine absorbée dans sa méditation. Son regard est fixé sur le feu de la bougie qui brûle devant elle, seule source de lumière dans le tableau, comme il est d'usage dans le travail de l'artiste. La sainte soutient sa tête dans une main, tandis que dans l'autre, qui repose sur ses genoux, elle tient un crâne, symbole de pénitence et de fugacité de la vie, si typique du baroque. Le motif de la Madeleine pénitente était très courant au XVIIe siècle. De La Tour lui-même a réalisé jusqu'à cinq versions de ce tableau. Dans deux d'entre eux, le crâne est sur la table, et avec son volume il cache le feu de la bougie, ce qui accentue encore le clair-obscur de la scène.