Caspar David Friedrich: biographie de ce peintre romantique

Norbert Wolf recueille dans son livre consacré à Friedrich l'impression que le peintre romantique eut sur l'un de ses visiteurs, le poète russe Vasili Andreyevich Shukowski, qui a dit de lui que, bien que ses paysages semblaient trahir une personne mélancolique, cette image ne correspondait pas à la réalité.

Bien que nous puissions croire que Caspar David Friedrich n'était pas éternellement dans la morosité romantique typique, nous ne pouvons pas non plus faire pleinement confiance au point de vue de Shukowski, puisque l'on sait par certains de ses contemporains que le peintre a tenté de se suicider à une occasion et que son caractère a tendu (et surtout dans ses dernières années) vers la dépression et isolement. Un vrai personnage du Romantisme.

Dans cette biographie de Caspar David, nous tenterons d'esquisser un portrait de la vie et de l'œuvre de cet artiste charismatique., l'un des plus grands représentants du mouvement romantique en peinture.

Brève biographie de Caspar David Friedrich, le grand peintre du romantisme allemand

Bien que lorsque Friedrich naquit en septembre 1774, sa ville natale de Greisfwald appartenait à la couronne suédoise en vertu de la guerre de Trente Ans, la région était culturellement allemande. Rappelons-nous qu'alors les territoires allemands étaient une mosaïque d'États qui, à cette époque et en vertu de mouvements pré-romantiques comme la Sturm et DrangIls commençaient à prendre conscience de leur identité nationale.

Caspar David Friedrich fut l'un des grands porte-drapeaux du mouvement romantique dans le domaine pictural, qui a amené la peinture de paysage à des niveaux de symbolisme et de spiritualité jamais vus auparavant. Cependant, et comme toujours, son travail n'est pas parti de zéro. L'artiste a évidemment été influencé par les peintres paysagistes hollandais et britanniques, en particulier John Constable (1775-1837), le grand chef de file de la peinture de paysage anglaise.

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Une première expérience de la mort

Le romantisme ne se comprend pas sans la mort. Les romantiques éprouvaient à son égard une sorte d'admiration teintée de peur, une émotion souvent morbide qui parsemait pratiquement toute son œuvre. Friedrich n'était pas une exception; surtout dans ses œuvres tardives, alors qu'il était déjà très malade, on voit une évidente obsession du sujet, dont l'expression principale est l'inquiétante Paysage avec tombe, cercueil et hibou, exécuté vers 1836, quatre ans seulement avant sa mort.

Mais Friedrich n'a pas seulement fait l'amour à mort pour son adhésion au mouvement romantique. Il la sentait très proche depuis sa plus tendre enfance: en 1781, alors qu'il n'avait que sept ans, sa mère, Sophie Dorothée, mourut, et lui et ses cinq frères et sœurs passèrent sous la garde d'une gouvernante, l'attachante mère Heiden, pour qui Friedrich professera toujours une grande affection.

Les morts ne se sont pas arrêtées là. Un an après la mort de la mère, Elizabeth, l'une des sœurs, est décédée des suites de la variole. Plus tard, en 1791, une autre des filles, Maria, succombera au typhus. Mais probablement la mort qui a le plus impacté l'esprit sensible du petit est celle de son frère Johann Christoffer, qui mourut à l'hiver 1787 en tentant de sauver Friedrich, tombé dans le glace. La culpabilité que l'artiste portera tout au long de sa vie contribua, et non pas peu, à ses constantes crises de mélancolie et, plus que probablement, à ses tentatives de suicide.

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L'arrivée du succès dans le monde de l'art

Les premiers succès de Friedrich surviennent dans les années 1810. Avant, cependant, il avait étudié le dessin à l'Université de Greifswald avec le célèbre professeur Johann Gottfried Quistorp et a ensuite déménagé à Copenhague pour poursuivre ses études dans son académie. C'est dans la ville danoise qu'il exécuta sa première aquarelle, Paysage avec belvédère (1797), inspiré des jardins anglais et dans lequel résonnent encore les échos d'un style rococo lointain.

C'est Thomas Thorild, un Suédois titulaire de la chaire de littérature et d'esthétique à l'Université de Greifswald, qui a appris au jeune Friedrich à distinguer entre une vision externe (c'est-à-dire celle qui saisit les formes réelles d'un paysage) et une vision interne, beaucoup plus liée à l'état psychique et spirituel du observateur. C'est important, car les paysages de Friedrich ne seront pas du tout des paysages conventionnels; le peintre imprègne ses vues de toute une symbologie et d'un sens qui va au-delà de la simple apparence.

En 1808, l'artiste exécute ce qui sera une de ses grandes oeuvres: La croix sur la montagne, aussi connu sous le nom L'autel de Tetschen. Le baron von Ramdohr, qui a vu l'œuvre dans l'atelier de Friedrich, s'en est pris à elle, critiquant son manque de perspective et de profondeur, ainsi que sa stylisation excessive. Ce que von Ramdohr critiquait, c'était précisément ce qui faisait de ce tableau une apothéose de la nouvelle peinture romantique allemande, puisque L'autel de Tetschen rappelle inévitablement un retable gothique.

Les invasions napoléoniennes avaient stimulé le sentiment anti-français et anti-classiciste parmi les Allemands, et Friedrich ne faisait pas exception. En fait, et comme l'a noté Norbert Wolf, il est plausible que L'autel de Tetschen C'était, au début, une œuvre patriotique et non religieuse, et ce n'est qu'après certaines vicissitudes qu'elle a fini par décorer l'autel d'une église.

Quoi qu'il en soit, cette année marque le début du succès pour Friedrich. D'abord parce que La croix sur la montagne il a mis son nom sur toutes les lèvres; deuxièmement, parce que cette même année interprète l'un de ses chefs-d'œuvre, le célèbre moine au bord de la mer, un hymne authentique à la spiritualité romantique et à la contemplation du sublime.

De la même manière que sa peinture ultérieure Voyageur contemplant une mer de nuages (1818), Friedrich confronte ici l'être humain à l'immensité de la nature, devant laquelle le personnage s'efface inévitablement. Cependant, il existe de nettes différences entre les deux tableaux: alors que, dans le second, l'homme occupe une grande partie de la peinture, dans la première le moine est pratiquement un point infime qu'on aperçoit à peine entre l'expansion de la mer et la chéri.

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Caroline Bommer, muse et compagne amoureuse

Peut-être que la taille beaucoup plus grande offerte par le promeneur dans la mer de nuages ​​est due au changement qui se produit dans la trajectoire de vie du peintre.

Cette même année 1818, il épouse Caroline Bommer, une jeune femme souriante de vingt-cinq ans (Friedrich a déjà quarante-quatre ans) qui semble jeter une lumière placide sur l'existence du tourmenté artiste.

Cela se vérifie si l'on observe le travail de cette période, où les toiles deviennent plus lumineuses et gaies et, surtout, les figures humaines commencent à proliférer, surtout celles féminin. Les critiques attribuent ce changement à l'heureuse union du peintre avec Caroline que, bien qu'il ait « bouleversé sa vie » (dans une lettre, Friedrich commente comment sa vie d'ermite a changé), il a donné une direction positive à son existence.

Caroline apparaît dans de nombreuses œuvres de Friedrich des années 1810 et 1820. On le voit, par exemple, dans le célèbre Femme avant la sortie (ou) coucher de soleil, réalisé vers 1820. Caroline apparaît sur la toile de dos, baignée de chauds rayons solaires, dont on ne peut discerner s'ils appartiennent à l'aube ou au crépuscule. Les deux versions sont plausibles; un lever de soleil aurait du sens si l'on considère la figure comme une sorte de prière de l'ère chrétienne primitive, mais la version coucher de soleil correspondrait parfaitement à l'idée de la mort, si constante dans Frédéric. Le chemin brusquement coupé avant que la jeune femme ne conforte cette dernière hypothèse.

Une autre des œuvres célèbres de Friedrich dans laquelle sa femme apparaît est Roches du Crétacé sur Rügen (1818), inspiré précisément de leur lune de miel. Trois personnages (le dos tourné, comme il est d'usage chez le peintre) regardent vers le vide qui s'ouvre devant eux, car ils sont au bord d'une belle falaise blanche. Au-delà, la mer se déploie éternelle et immuable, également un leitmotiv important dans l'œuvre de Friedrich en tant que symbole de la vie et du voyage vers la mort. Les trois personnages seraient Caroline, l'artiste et son frère, Christian, qui les avait accompagnés pendant le voyage.

Aussi à cette époque les figures masculines commencent à proliférer en couple, reflétant leurs amitiés les plus proches (notamment avec Carus et Johann Christian Clausen Dahl, peintre d'origine norvégienne devenu son voisin à Dresde et agrémentant son existence de sa sympathie et de ses causeries du soir). C'est le temps des peintures comme Deux hommes regardant la lune (1819-20), Homme et femme contemplant la lune (1824) et Paysage au coucher du soleil avec deux hommes (1830-35).

Depuis le Congrès de Vienne (1814-15) et la restauration de l'Ancien Régime, l'œuvre de Friedrich était devenue, en quelque sorte, plus renfermée et intime. Après les années « lumineuses » de ses premières années de mariage avec Caroline, le caractère de l'artiste commence à s'aigrir et, vers 1830, il retombe dans la mélancolie. Ses œuvres n'intéressent plus personne en dehors de son cercle.

Les dernières années et la mort

En 1824, une maladie le surprit qui l'empêcha de peindre à l'huile pendant quelques années, ce qui ne contribua pas à améliorer son état. En 1835, un accident vasculaire cérébral le laisse temporairement sans mobilité des bras et des jambes, ce qui affecte grandement son travail. La maladie accentue sa dépression et son obsession de la mort, ce vieil ami qui l'accompagne depuis sa plus tendre enfance, ce qui l'amène à réaliser de nombreux travaux sur les cimetières: cimetière sous la neige, de 1826, avec une tombe ouverte au premier plan qui se rattache à l'obsession morbide de son propre départ; la porte du cimetière (1825-1830) et, surtout, l'entrée du cimetière (1825), où l'on peut voir un couple regardant la petite tombe de leur fils, au-dessus de laquelle volent des figures ailées qui, au début, sont à peine perceptibles.

La même année où la maladie frappe sa vie, il exécute une œuvre qui est pratiquement considérée comme son chef-d'œuvre, mais qui connaît un tel échec du vivant du peintre qu'elle ne peut même pas être vendue. Il s'agit de l'océan glacé, dont la surprenante modernité nous laisse complètement émerveillés. Inspirée du naufrage d'un navire dans les glaces, la toile ne révèle que la minuscule quille du navire, camouflée parmi les immenses blocs de glace solides. Il n'est pas nécessaire d'être très perspicace pour se rendre compte du lien que cette œuvre entretient avec le grand tourment de l'existence de Friedrich: la mort de son frère, noyé justement dans les glaces. l'océan glacé C'est donc une sorte de testament vivant, un exorcisme par lequel le peintre entend extirper la douleur qu'il a accumulée au cours de sa vie.

L'état mental de Friedrich se détériore à pas de géant. Certains témoins parlent de mauvais traitements infligés à sa femme, qu'il accuse d'être infidèle. Son ami Shukowski, dont nous avons déjà parlé, lui rend visite quelques mois avant sa mort, et affirme que son état était lamentable et que le peintre s'est mis à pleurer en sa présence. Friedrich mourut finalement le 7 mai 1840; son œuvre ne sera à nouveau reconnue que près d'un siècle plus tard.