L'École de Paris et 5 de ses artistes les plus marquants

On les appelle « l’école de Paris », mais en réalité, elles n’ont formé aucune école. Ce nom regroupe plusieurs artistes qui ont créé leur œuvre à Paris entre les guerres et qui étaient liés à différents mouvements.. Ils ne représentent aucun groupe cohérent et n’ont même pas suivi des directives artistiques similaires; Chacun d'eux était un créateur libre et passionné, souvent voué à l'atmosphère de la bohème parisienne. Dans l'article d'aujourd'hui, nous parlons de la célèbre « école de Paris » et de 6 de ses artistes les plus importants.

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Qu'est-ce que « l'école de Paris » ?

L'« école de Paris » désigne un groupe hétérogène d'artistes (peintres, sculpteurs, designers, etc.) qui a vécu à Paris dans l'entre-deux-guerres, c'est-à-dire de la Première Guerre mondiale jusqu'au début de la Deuxième. Concrètement, la durée de l'école est généralement limitée entre les années 1915 et 1940, années qui marquent la grande tragédie des guerres.

La plupart de ces artistes se connaissaient, car beaucoup d'entre eux étaient des immigrés arrivés dans la capitale française au début du XXe siècle qui s'entraidaient et se soutenaient. Les années 1905 et 1906 sont généralement communes pour leurs arrivées; Ce sont des années clés où l'attrait qu'implique l'effervescence culturelle de la ville ne quitte pas indifférent à une multitude de jeunes Européens, vivement intéressés par l'actualité la plus furieuse du monde D'art.

Ces jeunes sont pour la plupart originaires d'Europe de l'Est, mais passeront l'essentiel de leur vie en France, leur pays d'accueil. Mais Quel est le point commun entre tous ces artistes de l’école de Paris? Rien, si ce n'est son amour pour l'art, pour la vie bohème et la coïncidence du temps et de l'espace.. Chacun suit son propre style et adhère à un mouvement, donc le nom d'école est en fait quelque chose d'assez imprécis.

Artistes importants du Paris de l'entre-deux-guerres

Beaucoup de ces artistes sont des noms immortels. Amedeo Modigliani, Jules Pascin, Chaïm Soutine, Robert et Sonia Delaunay, Olga Sacharoff… et bien sûr le génial Pablo Picasso, qui, curieusement, ne figure habituellement pas dans la liste, bien qu'il ait traversé Paris en même temps que son compagnons. La raison réside peut-être dans le fait que, alors que les autres commençaient à se faire une place dans le monde monde artistique de la capitale française, Picasso, Braque et Matisse étaient déjà de véritables monstres dans leurs domaines respectifs. modes.

Au début du XXe siècle, Paris était devenue l'un des plus grands centres de création d'Europe.. La multitude de galeries et les nombreux marchands et collectionneurs attiraient les artistes en herbe. Ainsi, dans les années précédant la Durant la Première Guerre mondiale, des jeunes du monde entier commencent à converger vers la Ville Lumière avec une envie commune: réussir dans le monde de l’art.

Son travail est souvent relégué au second plan. Beaucoup d’entre eux sont devenus célèbres dans la vie nocturne parisienne et ont été impliqués dans des épisodes turbulents liés à l’alcool, aux prostituées et à la drogue. Ce qu’on appelle communément la « vie de bohème », bien sûr. Et le Paris de l’entre-deux-guerres avait beaucoup de tout ça.

Ensuite, nous vous présentons 6 artistes qui s'ajoutent habituellement à la liste des peintres de l'école de Paris, possédant tous un caractère créateur très différent mais ils reçurent sans aucun doute une certaine influence mutuelle. Voyons ça.

1. Amedeo Modigliani, le « damné »

Pour honorer la vérité, l'Italien partage l'épithète avec d'autres collègues, dont Eux, Chaïm Soutine et Jules Pascin, authentiques enfants terribles de la bohème parisienne entre-deux-guerres. Cependant, le surnom convient particulièrement bien à Modigliani, puisqu'il coïncide avec la prononciation française de son diminutif, tel que le connaissaient ses amis proches: Modì, (maudit, maudit).

Né à Livourne en 1884, Modigliani arrive à Paris en 1906, au début d'un nouveau siècle et au moment où la ville vibrante était remplie de joie et de joie de vivre.. Nous sommes à l’époque de la Belle Époque et la capitale française offre un attrait indéniable pour les jeunes Européens désireux de se lancer dans le monde de l’art.

Au début, Modigliani voulait devenir sculpteur, mais le matériau était trop cher pour ses pauvres poches. De plus, la tuberculose dont il a souffert dès son plus jeune âge le rend particulièrement sensible à la poussière de marbre. Abandonnant l'idée de se consacrer à la sculpture, Amedeo décide de suivre la voie de la peinture, une facette dans laquelle il commencera à se démarquer à la fin de sa vie, sa période la plus productive. Avec son style incomparable, inspiré des statuettes et masques tribaux (qu'il contemplait et admirait au Musée des Hommes), il réalise une série d'excellents portraits, parmi lesquels se distinguent ceux de Jeanne Hébuterne (1898-1920), sa dernière muse et son dernier grand amour.

Au-delà de son œuvre, Modigliani est entré dans l’imaginaire populaire pour son existence rude, inondée d’alcool, de sexe et de haschich. Son décès prématuré, à seulement 35 ans, met un terme à une carrière prometteuse qui commençait alors à décoller.. Jeanne Hébuterne, également peintre, se suicide un jour plus tard.

2. Chaïm Soutine, le peintre de la chair

Nous ne parlons pas de « viande » dans le sens lubrique du mot, mais dans le sens le plus prosaïque que l’on puisse imaginer. Et bien qu'il ait cultivé d'autres genres, Soutine est célèbre pour ses natures mortes, composées de exclusivement pour les morceaux de bœuf et de poulet, que le peintre recherchait avidement sur les marchés et les boucheries de Paris.

Un bon exemple de son étrange fascination pour les restes charnus est sa peinture boeuf écorché, où les restes de l'animal sont à peine visibles parmi l'enchevêtrement de coups de pinceau lâches. D’ailleurs, il semblerait que le peintre ait gardé la viande dans son atelier si longtemps qu’elle a commencé à sentir fort et a alerté tout le quartier.

Soutine voulait être peintre, mais son désir, dans une famille juive orthodoxe russe où toute représentation était interdite, était difficile à concrétiser. Son père, bien sûr, n'approuvait pas son rêve, alors le jeune Chaïm dut émigrer à Minsk, à seulement seize ans, pour étudier les beaux-arts et commencer à construire sa carrière d'artiste.

Après avoir terminé ses études, qui le conduisent également à Vilnius, il arrive en 1913 dans le Paris bouillonnant, où il s'installe à Montparnasse et se lie d'amitié avec l'autre « damné », Amedeo Modigliani. L'œuvre de Soutine, d'un expressionnisme marqué, devient assez célèbre dans les années 1920, et en 1937 on retrouve certaines de ses œuvres à l'Exposition des Artistes Indépendants..

L'invasion nazie de Paris et la Seconde Guerre mondiale l'inquiètent, car rappelons que Soutine est juif. Face à une telle menace, le peintre décide de s'enfuir et de quitter sa ville d'accueil. Il s'installe dans une petite ville près de Tours, où il tente de passer inaperçu, mais l'angoisse de l'avancée nazie le tient en haleine et réduit considérablement sa santé. En 1943, il subit une intervention chirurgicale pour un ulcère perforé et décède pendant l'opération.

3. Robert et Sonia Delaunay, la force de la couleur

Le mariage formé par le Français Robert Delaunay (1885-1941) et l'Ukrainienne Sarah Sophie (Sonia) Stern (1885-1979) n'a pas seulement constitué une union solide basée sur l'amour et la complicité absolue, mais elle représentait aussi l'un des tandems les plus efficaces de l'histoire de la art. Et tous deux se sont entièrement consacrés à l’art et ont été deux des grands sponsors de l’abstraction et de la juxtaposition des couleurs..

Robert a créé le terme simultanéisme faire référence précisément au fait d'appliquer des petits tons juxtaposés qui, ensemble, formeront une harmonie de couleurs pour l'œil humain. Cette idée est étroitement liée à l’abstraction pure (telle que celle promulguée par Kandinsky), dans laquelle les couleurs « dansent » sur la toile comme au rythme d’une musique parfaite.

Sonia et Robert se sont rencontrés par l'intermédiaire de Wilhelm Uhde, dans la galerie duquel elle avait exposé pour la première fois en 1908. Le jeune immigrant ukrainien avait épousé Uhde par complaisance pour éviter de retourner en Russie (rappelons qu'à cette époque-là, l'Ukraine appartenait à l'Empire russe). Cependant, son béguin pour Robert fut instantané et, en 1910, Sonia divorça d'Uhde pour épouser Delaunay..

Sonia Delaunay n'était pas seulement peintre, mais elle se consacrait avec la même passion au design d'objets, tous réalisés avec des couleurs gaies, et même au design d'affiches publicitaires. L'artiste a été très claire, depuis qu'elle a vu l'œuvre du fauviste Matisse, que son véhicule d'expression serait toujours la couleur. Grâce à lui, elle et son mari ont créé des œuvres brillantes et vivantes qui ont profondément influencé le développement de l’art abstrait. Les Delaunay constituent sans aucun doute un couple incontournable du panorama artistique du XXe siècle.

4. Jules Pascin, l'autre « damné »

Ernest Hemingway l'a représenté dans l'un des chapitres de Paris Was a Party, l'ouvrage qu'il a consacré à la vie bohème parisienne de l'entre-deux-guerres. Le nom du chapitre est assez éloquent: Avec Pascin au Dôme. L'écrivain raconte une nuit au célèbre café du Montparnasse, où il voit Jules Pascin partir au bras de deux mannequins.

Et la figure de l’artiste était bien connue en banlieue parisienne. Vêtu de son inséparable chapeau melon, il était surnommé « Le Prince de Montparnasse »., rivalisant de renommée avec Modigliani lui-même avec qui, d'ailleurs, il partageait également l'épithète: « le damné ».

Né en Bulgarie et résidant à Paris depuis 1905, Pascin, de son vrai nom Julius Mordecai Pincas, s'essaye très tôt se faire une place dans le monde artistique grâce à ses magnifiques dessins et aquarelles, qui représentaient généralement des personnages féminin. L'un de ses modèles était son amante et plus tard épouse, Hermine David, avec qui il partagerait un toit et une vie depuis 1907.

Cependant, Pascin, tourmenté et agité, ne se sentait pas sûr de son talent. L'alcool était un compagnon régulier de son existence et les états dépressifs étaient fréquents. Le 2 juin 1930, à la veille du vernissage d'une exposition personnelle prometteuse, Pascin se coupe les poignets et se pend dans son atelier de Montmartre..

5. Olga Sacharoff, l'avant-garde catalane

En réalité, elle était catalane d’adoption, née à Tbilissi en 1889. Cependant, l'artiste géorgienne a toujours eu un lien particulier avec la Catalogne, où elle s'est installée définitivement après la fin de la guerre civile et où elle est décédée en 1967. Son amour pour sa terre d'accueil se reflète dans les nombreuses peintures qu'il a réalisées sur le folklore catalan, une représentation dans le plus pur style naïf des traditions de la terre..

Mais avant l'Espagne, le peintre s'était installé à Paris, destination artistique par excellence des premières décennies du XXe siècle. Nous sommes en 1911, et Olga débarque dans la capitale française après un bref séjour à Munich, où elle rencontre l'expressionnisme allemand ainsi que le photographe Otto Lloyd, qui deviendra plus tard son mari. C'est à Paris qu'Olga entre en contact avec l'avant-garde, qui la fascine absolument; notamment avec le cubisme synthétique, qu'il suivit stylistiquement au cours de ses premières années.

Après le déclenchement de la Première Guerre mondiale, comme Robert et Sonia Delaunay, Olga et son mari cherchent refuge en Espagne, pays neutre dans le conflit. L'engouement pour Barcelone est instantané et, après un second séjour à Paris (où ils se rendent lorsque la guerre civile espagnole éclate), Olga et Otto reviennent à Barcelone. La maison du couple devient un centre de rassemblements animés à Barcelone, un lieu que l'artiste ne quittera plus jamais..