Rococó: ses caractéristiques, œuvres principales et artistes

Le rococo était un mouvement artistique européen d'origine française qui se caractérisait par son style gai et provocateur, et un goût pour la décoration excessive. Elle s'est manifestée dans la peinture, l'architecture, les arts décoratifs et la sculpture.

L'art rococo s'est développé au début du XVIIIe siècle, dans la période de transition entre l'art baroque et néoclassique. Bien qu'il partage avec le baroque l'intérêt pour la profusion des détails, il s'en distingue en substituant sa solennité et son drame au plaisir et à l'amusement.

Telle était la volonté de divertissement que, selon le chercheur Michael Levey, le rococo ne respectait ni l'Église ni l'État. L'amour, la sensualité et la vie quotidienne étaient des sujets plus intéressants que les gloires spirituelles ou temporelles.

Le mot rococo vient du terme rocaille, sorte de décoration de jardin basée sur l'utilisation de coquillages ou de galets, très populaire en Italie et en France au XVIIe siècle. L'utilisation de ces motifs et la similitude des effets obtenus ont conduit à l'application du terme rococo à ce style.

Pour comprendre ce style, laissez-nous savoir ci-dessous ses caractéristiques, ses principaux représentants et œuvres et son contexte historique.

Caractéristiques de l'art rococo

Contrairement à l'art baroque, l'art rococo se caractérise par sa gaieté, sa célébration de la vie, la place de l'humour, de la grâce et de l'érotisme léger. On peut dire qu'elle était, en réalité, l'expression d'une classe sociale qui fuyait l'ennui à travers un art enthousiaste, sans prétention transcendante ou didactique.

Personnage drôle et festif

L'art rococo était avant tout un style qui cherchait à exprimer la grâce et la joie. Son caractère était festif. Bien que le rococo ait été ornementé dans la décoration, ses atmosphères ont cherché à être lumineuses et enthousiastes.

Humour et malice

L'art rococo est l'expression d'une élite qui s'amuse. Par conséquent, il a une grande dose d'humour et de malice qui supprime toute tentative de solennité. Pour cette raison, le rococo exprime aussi la décontraction de l'étiquette.

Sujets sans prétention moralisatrice ou didactique

Les thèmes favoris du rococo étaient les aventures sentimentales, les scènes pastorales, le divertissement de l'élite désœuvrée et la vie domestique. Mais malgré l'apparence adoucie des chansons, ils avaient un lien avec l'expérience.

Les thèmes religieux, mythologiques ou historiques n'ont pas été arrêtés, mais ils ont été dépouillés de leur solennité. Finies les scènes moralisatrices, didactiques ou faisant une démonstration de force. Chaque sujet passait au filtre de la grâce, du plaisir et du quotidien.

Érotisme voilé

L'art se nourrit d'un érotisme voilé, tant dans ses formes que dans ses thèmes. Pour certains artistes, la mythologie était une cachette pour justifier le développement du nu érotique, de telle sorte qu'il ne subissait pas les critiques des élites intellectuelles.

Décor somptueux et imaginatif

Le rococo était un art attentif aux détails et à l'ornementation excessive. Les artistes, designers et architectes ont enrichi le décor des œuvres d'éléments aussi foisonnants qu'imaginatifs. Il n'était pas étrange de trouver des éléments des cultures orientales tels que la faune, la flore et toutes sortes de motifs.

Utilisation de tons pastel et blancs

L'un des moyens que les artistes rococo ont trouvés pour apporter grâce et joie était de changer la palette de couleurs terreuses, sombres et riches en pastels et blancs. Cela a été appliqué à la fois dans la peinture et dans la décoration architecturale, grâce à laquelle tout était enveloppé de grâce et de sensualité.

L'art libéré de sa fonction de propagande

Le rococo libère l'art de son rôle de propagandiste. L'art n'est plus au service de causes ecclésiastiques ou absolutistes, ce qui influe sur la liberté thématique et stylistique. L'art n'avait plus besoin d'être le véhicule d'une « vérité », ni d'être sérieux. Il suffisait qu'il soit placide.

Peinture rococo

La peinture rococo représente un triomphe du rubénisme sur le poussinisme. De Rubenismo est connu le courant des peintres colorés inspirés du peintre baroque flamand Pedro Pablo Rubens (1577-1640), qui a fait prévaloir la couleur sur le dessin. Le poussinisme est connu comme le courant qui privilégiait le dessin à la couleur, influencé par le peintre français Nicolás Poussin (1594-1665). Le colorisme était caractéristique des peintres rococo.

Son caractère placide et gracieux contrastait avec le drame du baroque. En France, la vie de cour a commencé à tourner autour du divertissement et banalités, telles que les amours, les jeux ou la vie quotidienne, qui se reflètent dans la peinture. Cet esprit joyeux imprègne rapidement les cours européennes, mais chaque pays l'adapte à ses particularités.

Peintres rococo

Antoine Watteau (1684-1721). Watteau était un peintre d'une ville flamande annexée à la France. Il a été le premier artiste à répondre aux préoccupations de l'élite désœuvrée. Mais c'est aussi lui qui a donné aux personnages "l'humanité". Parmi ses œuvres les plus importantes figurent Pèlerinage à l'île de Cythère (1717), L'échelle de l'amour (1717); fête vénitienne (1719).

Jean-Baptiste-Siméon Chardin (1699-1779). Il était un peintre français indépendant, grâce aux ressources financières de sa femme. Il était particulièrement soucieux de représenter la vie domestique. Parmi ses œuvres les plus importantes figurent Le garçon à la toupie (1737), La jeune gouvernante (1740) et La bénédiction.

François Boucher (1703-1770). Peintre français qui travailla sous la protection de la favorite du roi Louis XV, la marquise de Pompadour. Il a traité de nombreux sujets mythologiques, pastoraux et idylliques avec une grande exubérance. Parmi ses œuvres les plus importantes figurent Portrait de Madame de Pompadour (1759); Jeune homme allongé (1752) et Diane après le bain (1742).

Jean-Honoré Fragonard (1732-1806). C'est un peintre français qui a fait de l'hédonisme, de l'érotisme, de l'exubérance et d'une atmosphère intime les signes les plus représentatifs de sa peinture. Parmi ses œuvres les plus importantes figurent La balançoire (1767), Homme aveugle (1769), La fermeture (1779), Le baiser volé (1788).

Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770). Peintre italien largement reconnu en Europe. Il développe le thème religieux. Il a également interprété des thèmes mythologiques et quotidiens. Certaines de ses œuvres les plus connues sont: Transfert de la Sainte Maison de Lorette (1743-1745), Fresques de la Résidence de Wurtzbourg (1752-1753), Jeune homme avec un perroquet (1760) et Fresques du Palais Royal de Madrid (1762-1766).

Guillaume Hogarth (1697-1764). Peintre anglais qui mettait en pratique les ressources et les couleurs pastel du rococo, mais bafouait les conventions sociales, notamment celles de l'élite. Parmi ses œuvres les plus connues, citons: Les quatre moments de la journée (1736), La carrière d'une prostituée (1732) et Mariage à la mode (h. 1743).

Thomas Gainsborough (1727-1788). peintre anglais. Il se caractérisait par la représentation de personnes dans des attitudes crédibles, pourvues de grâce. Il s'est concentré sur la petite aristocratie locale. Il se distingue par son intérêt pour le paysage, qu'il utilise toujours en arrière-plan de ses peintures. Parmi ses œuvres figurent: M. et Mme Andrews (1749), Le jeune bleu (1770) et Dr Ralph Schomberg.

Architecture rococo

L'architecture rococo se caractérise par une austérité dans les finitions extérieures, mais très riche et abondante dans la décoration intérieure. Les espaces intérieurs étaient plus petits et traités avec plus d'intimité, grâce à l'utilisation de formes délicates et douces.

La décoration intérieure était réputée pour son ingéniosité et son imagination. Les appliques dorées étaient à l'ordre du jour, au service des formes courbes les plus variées avec des motifs floraux, des coquillages et toutes sortes de sinuosités. Les couleurs étaient toujours vives et gaies.

L'architecte français Germain Boffrand était responsable de l'introduction du Rococo en France, et mis surtout au service de l'ordre monarchique, même s'il finit par développer des projets religieux. Il a participé à des projets tels que la Place Vendôme à Paris, le Conservatoire de Versailles, l'Hôtel de Soubise à Paris et le Château de Lunéville.

L'esthétique rococo était très appréciée en Autriche et dans les États allemands qui faisaient partie du Saint Empire romain germanique, à la fois dans l'architecture religieuse et l'architecture civile.

Des exemples en sont la basilique de Vierzehnheiligen de Johann Balthasar Neumann et l'abbaye d'Ottobeuren en Bavière. En Prusse, il a souligné la construction du palais de Sanssouci, à Postdam, sous la direction de Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff.

En Espagne, la prééminence du baroque et le manque d'échanges artistiques avec la France et l'Allemagne notamment, ont rendu difficile la diffusion du style rococo. Cependant, il y avait aussi quelques expressions précieuses facilitées par la présence du churrigueresque.

Par exemple, la décoration de la sacristie de La Cartuja de Granada, probablement commencée par Hurtado Izquierdo et poursuivie par José de Bada. Il convient également de mentionner le Transparent de la cathédrale de Tolède, de Narciso Tomé. Enfin, la façade du Palacio del Marqués de Dos Aguas, conçue par Hipólito Rovira.

Meubles rococo

Dans cette période, un style appelé Louis XV a été créé, en attention au goût esthétique dominant à la cour. Ce style est devenu une mode internationale. L'ébénisterie se caractériserait par l'utilisation du vernissage et de la marqueterie de bronze. Les motifs les plus utilisés étaient floraux, bien que des incrustations rupestres, des masques et des scènes aient également été appliqués.

De même, des meubles ont commencé à être conçus pour le séjour détendu des nobles à la cour, ce qui n'était pas habituel jusqu'alors. Cela a entraîné le développement de l'art de la tapisserie d'ameublement pour les meubles.

Sculpture rococo

Tant la sculpture autoportante que le service de l'architecture ont joué un rôle dans le rococo. L'une de ses différences les plus notables était la diminution des dimensions colossales du baroque. Rococo a également essayé d'accentuer la douceur et la délicatesse dans le traitement des textures et des mouvements.

Bien que les sculpteurs maintiennent un intérêt pour le marbre, la porcelaine est utilisée avec assiduité. Des sculptures en plâtre et en bois ont également été réalisées. Quant à la couleur, lorsqu'ils l'ont appliquée, ils ont gardé les tons pastels pour éclaircir l'atmosphère.

Parmi les sculpteurs rococo les plus en vue, on trouve Antonio Corradini et Étienne-Maurice Falconet.

Antonio Corradini (1688-1752). C'était un peintre italien qui travailla au service de la cour de Charles VI. Il était connu pour la façon dont il traitait les vêtements, en particulier l'effet des transparences. Certaines de ses œuvres les plus commentées sont: La femme voilée (La foi) Oui Modestie, aussi appelé Vérité voilée.

Étienne-Maurice Falconet (France, 1716 - 1791). Il était l'un des protégés de la marquise de Pompadour. Certains chercheurs en art l'étudient comme une figure de la transition vers le néoclassicisme. Parmi ses œuvres figurent: Cupidon menaçant (1757) et Pygmalion et Galatée (1763).

Contexte historique du rococo

Le baroque avait dominé l'esthétique occidentale depuis le milieu du XVIe siècle et tout au long du XVIIe siècle. C'était l'époque des guerres de religion et de la consolidation des absolutismes.

En France, vers les dernières années du gouvernement du roi Louis XIV, la stabilité acquise rendait inutile le cérémonial baroque. Mais alors, le Roi Soleil a ressenti les nobles comme une menace. Vers la fin de son règne, le roi a dépouillé la noblesse de son pouvoir sur le terrain, faisant d'elle une élite oisive.

Trois événements furent fondamentaux dans l'élan du rococo :

1. la mort du roi Louis XIV ;
2. l'influence de la favorite du roi Louis XV, la marquise de Pompadour ;
3. l'échange d'artistes entre les différentes cours européennes.

Le roi est mort. Vive le roi!

A la mort de Louis XIV, la cour déménage de Versailles à Paris, tandis que le garçon Louis XV attend l'âge de monter sur le trône. A Paris, les nobles entrent en contact avec les élites économiques les plus puissantes et avec les fonctionnaires du Trésor. Petit à petit les formes de l'étiquette se sont assouplies, selon le chercheur Stephen Richard Jones dans son livre Introduction à l'histoire de l'art: le XVIIe siècle.

Maintenant que les nobles étaient oisifs et ennuyés, il fallait maintenir leur intérêt pour la cour et leur fournir de nouvelles occupations. Peu à peu une réponse se trouvera dans l'art. Jones déclare que :

"L'art rococo ne cherchait qu'à ravir une société aisée, vraiment oisive, pour laquelle le seul péché était d'ennuyer."

Lorsque le jeune Louis XV prend ses fonctions, la nouvelle prospérité renouvelle les idéaux de mécénat entre les mains du secteur privé. L'un des mécènes les plus importants de cette époque était la maîtresse du roi, Jeanne-Antoine Poisson, marquise de Pompadour, connue pour être une protectrice des arts.

Ainsi se crée un marché qui, inspiré par Watteau, s'intéresse à la vie domestique, à l'érotisme, à la célébration de la vie et du plaisir. Mais surtout, il s'intéressait aux amours, le meilleur antidote à l'ennui.

Ce moment de l'histoire a été témoin de la mobilité des artistes entre les pays comme jamais auparavant. Le nouvel art - qui a laissé derrière lui l'importance du baroque - a fait son chemin dans une grande partie de l'Europe.

déclin

Au milieu du XVIIIe siècle, des penseurs des Lumières comme Voltaire proclament la domination de la raison et la mesure des passions pour le bien commun. Le rococo leur paraissait un excès inacceptable. Accusé d'être superflu, sinon immoral, le rococo est associé au déclin de l'Ancien Régime.

Sous l'influence des Lumières, l'architecte Jacques François Blodel rejoint les voix qui disqualifient le style artistique de l'Ancien Régime. Il propose alors une modernisation de l'art qui accompagne la montée du républicanisme dans le débat politique.

Comme s'il s'agissait d'un pendule, au fil du temps le dessin a de nouveau triomphé de la couleur et, sous le commandement pensée philosophique et politique, l'art est revenu à l'académisme, la moralisation et la propagande de État. Ainsi est né l'art néoclassique.

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Les références:

• Levey, Michael (1998): Du rococo à la Révolution: les grandes tendances de la peinture au XVIIIe siècle. Barcelone: Éditions Destino.
• Jones, Stephen Richard (1985): Introduction à l'histoire de l'art: le XVIIIe siècle. Barcelone: Editorial Gustavo Gili / Círculo de Lectores / Université de Cambridge.