Surréalisme: caractéristiques et principaux artistes

En 1924, à Paris, André Breton (1896-1966), écrivain et poète français, rédige un manifeste après avoir rompu les relations avec Tristan Tzara, leader du mouvement Dada, et ainsi est né le surréalisme, que beaucoup considèrent comme le dernier des grands avant-gardes.

Le surréalisme émerge à Paris en 1924. Il s'est répandu dans toute l'Europe quelques années après la fin de la Première Guerre mondiale jusqu'à l'arrivée de la Seconde Guerre mondiale. Par conséquent, l'influence de ce mouvement a atteint nos jours.

Il est vrai que le terme surréalisme est associé à André Breton et à son manifeste, mais a été utilisé pour la première fois par Guillaume Apollinaire (1880-1918), critique d'art et écrivain français, dans le prologue de sa pièce Les seins de Tirésias écrit en 1917.

Caractéristiques

L'inconscient et l'automatisme

Le manifeste de Breton est inspiré du livre de Freud L'interprétation des rêves, dans laquelle l'auteur explore l'idée que l'esprit humain a un niveau caché appelé l'inconscient, est dire ce que la plupart du temps les gens ne savent pas, comme le mot indique.

Le surréalisme a cherché à surmonter cette limitation de l'inconscient, permettant au subconscient de s'exprimer à travers l'art.

De cette façon, l'automatisme est devenu l'une des caractéristiques du surréalisme, dans la défense de l'expression artistique sans limites et sans contrôle de la raison. Pour atteindre cet objectif, les artistes sont venus élaborer des œuvres en état de transe et d'hypnose.

En pratique, l'automatisme consistait à transposer sur papier, toile ou tout autre support de expression artistique, une pensée ou un rêve directement du subconscient, sans exercer d'esthétique ou moral.

L'objectif était d'automatiser la création artistique (automatisme) tout comme la respiration ou le clignotement est automatique. C'était donc une tentative de protestation contre les normes établies, à la fois dans l'art et dans la sphère sociale.

Les surréalistes croyaient que la créativité issue du subconscient d'un artiste était plus authentique et puissante que celle dérivée de la conscience. Ils étaient également intéressés à explorer le langage des rêves qui, selon eux, révélaient des sentiments et des désirs cachés.

D'une manière générale, on peut dire que l'idée était d'atteindre la plus grande spontanéité possible, quelque chose qui se révélait plus ou moins facilement en dessin et en écriture, mais pas tant en peinture, car c'est une discipline très complexe qui ne permet pas autant spontanéité.

Autres techniques et processus créatifs

L'automatisme n'a pas toujours bien fonctionné dans d'autres formes d'expression artistique, d'autres techniques ont donc été utilisées pour atteindre la spontanéité souhaitée de la création.

L'une de ces techniques était frotter, qui consistait par exemple à passer un crayon sur une surface rugueuse, créant ainsi des formes et des textures sur le support pour créer une nouvelle œuvre à partir de ce matériau.

Un autre exemple est le décalcomanie, une technique dans laquelle une certaine quantité d'encre est projetée contre une toile ou un papier. Cette surface est pliée en deux et lorsqu'elle est ouverte à nouveau, elle montre un motif d'encre qui sert de matériau pour créer une œuvre grâce à ce qu'elle provoque au niveau subconscient.

D'autres formes d'expression artistique ont été utilisées et expérimentées, toujours dans un effort pour explorer pleinement la liberté de création.

le cadavre exquis c'était un processus créatif basé sur un jeu, dans lequel différents artistes créaient ensemble des dessins ou des poèmes. Sans voir ce que faisait l'autre, le travail est passé de un à un et chaque artiste a ajouté une nouvelle pièce ou un nouveau mot. À la fin. le papier a été déplié et ils ont partagé le résultat à la recherche d'idées nouvelles.

Un autre processus de construction artistique alternatif était le «objet trouvé» (Objet trouvé), inventé par Marcel Duchamp (1887-1968). Duchamp était un peintre, sculpteur et poète français, l'une des principales figures du dadaïsme.

A cette prémisse s'ajoutait la touche de l'absurde, c'est-à-dire la superposition de l'improbable et de l'étrange, comme dans le cas de l'œuvre qui relie un homard à un téléphone, ou le cas de Meret Oppenheim qui a recouvert une tasse et une cuillère de les cheveux.

Cette forme de construction artistique concernait des objets du quotidien qui n'ont normalement rien à voir les uns avec les autres, ce qui provoque un trouble des sens et stimule ainsi la inconscient. Il s'agissait de la juxtaposition entre le familier (l'objet commun) et l'improbable et l'absurde, le scénario imposé à l'objet.

Les artistes surréalistes incorporaient fréquemment des images et des objets d'autres cultures, en particulier les plus primitives. Cette attitude avait surtout des intentions anticoloniales et antiracistes.

Voir également

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Principaux artistes et œuvres

Max ernst

Max Ernst (1891, Brühl, Allemagne - 1976, Paris, France) fut l'un des pionniers du dadaïsme et rejoignit plus tard le surréalisme, se distinguant par la peinture et la poésie.

Même en Allemagne, Ernst a participé activement à la Première Guerre mondiale, un fait qui l'a profondément marqué et a finalement influencé son travail d'artiste. Être exposé aux horreurs de la Grande Guerre l'a amené à se positionner contre la société et les valeurs de l'époque avec plus de véhémence.

Son travail se caractérise avant tout par l'exploration de l'absurde, la construction de décors fantastiques et le monde des rêves. Tout au long de sa vie artistique, il expérimente diverses techniques telles que collage et frottage, et a été grandement influencé par l'art des tribus amérindiennes.

Salvador Dalí

Salvador Dalí (1904-1989, Figueres, Espagne) est le plus célèbre des surréalistes et son nom est finalement devenu synonyme du mouvement. Cela s'est produit malgré le fait que, vers 1937 et à la suite de la transformation de son style et de ses positions politiques, Breton l'a expulsé du surréalisme. Par conséquent, Dalí est le plus controversé.

Dans son travail, l'influence de l'imagination onirique est très perceptible, c'est-à-dire le monde des rêves. Son expression artistique s'est faite principalement à travers la peinture et la sculpture, mais tout au long de sa vie il a également utilisé d'autres formes et techniques.

Il a même marqué le cinéma de son empreinte grâce à sa collaboration avec deux films du réalisateur espagnol Luis Buñuel (1900-1983): Un chien andalou (1929) et L'age d'Or (1930).

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En plus d'être un artiste révolutionnaire à son époque, Dalí était aussi un génie de l'autopromotion et un véritable showman.

Ses œuvres s'articulent autour de trois thèmes principaux: l'univers et les sensations de l'être humain, le symbolisme sexuel et les images idéographiques. La plupart de son travail consiste en la représentation séquentielle d'un rêve, quelque chose qu'il a réalisé en exerçant son esprit pour accéder au subconscient et y puiser son inspiration.

Pour Dalí, le rêve et l'imagination étaient fondamentaux dans le processus créatif, et il a également défendu une variante de l'automatisme, une sorte de paranoïa. Dans ce processus de paranoïa, l'artiste a dû se lancer dans un état d'hallucination pour créer, arrêtant momentanément sa rationalité malgré une certaine conscience.

Joan Miró

Joan Miró (1893, Barcelone - 1983, Palma de Majorque, Espagne) est l'un des artistes les plus influents du XXe siècle. Les œuvres les plus connues de l'artiste sont ses peintures, bien qu'il ait également créé en tant que sculpteur, designer, céramiste, etc.

Comme d'autres artistes, Miró a traversé divers mouvements, a été influencé par eux et a également laissé sa marque. Cela a commencé, en fait, avec le fauvisme, puis est passé au dadaïsme et de là au surréalisme et à l'abstractionnisme.

Dans sa vie artistique, il pratiquait l'automatisme et en peinture, il essayait de s'éloigner le plus possible des conventions comme moyen de réagir contre les principes bourgeois établis.

Ses premières peintures représentent principalement des formes biomorphiques sans contraste. Thématiquement, ce sont des compositions qui font référence au croisement entre le monde fantasmagorique et celui des rêves. Avec ses compositions innovantes, Miró a influencé ses contemporains ainsi que d'innombrables générations ultérieures.

René Magritte

René Magritte (1898, Lessines, Belgique - 1967, Bruxelas, Belgique) était un artiste belge et l'un des noms du surréalisme le plus acclamé internationalement, malgré le fait que sa renommée n'atteindrait que vers les années 50.

Bien qu'il soit l'un des artistes les plus associés au surréalisme, les œuvres de Magritte se démarquent de l'illusionnisme de Dalí et de l'automatisme de Miró.

Pour Magritte, l'important n'était pas tant ce que l'œuvre montrait que ce qu'elle cachait, c'est-à-dire les arrière-pensées sous-jacentes. Pour lui, l'important était de représenter le mystère, et ainsi beaucoup de ses compositions picturales présenteraient des figures humaines avec des visages recouvert d'un voile, laissant le spectateur dans une éternelle curiosité et insatisfaction de ne jamais pouvoir révéler ce qui se cache derrière.

Au cours de sa vie artistique, Magritte s'est tourné plusieurs fois vers le même thème et a également utilisé des œuvres célèbres d'autres artistes pour créer des versions surréalistes.

L'humour a également joué un rôle important dans son travail, et un exemple en est La trahison des images, dans laquelle une pipe parfaitement peinte est représentée avec une inscription sur la toile qui dit: "Ceci n'est pas une pipe."

En fait, on peut affirmer que ni l'image ni le mot, qu'il décrit négativement, n'est une pipe. Ils ne sont que la représentation abstraite d'un objet absent. Ainsi, de manière apparemment simple, Magritte oblige le spectateur à réfléchir et à s'interroger. En fait, l'artiste lui-même ne se considérait pas comme un peintre, mais comme un penseur qui s'exprimait en images.

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(Texte traduit par Andrea Imaginaire).