10 मुख्य कलात्मक धाराएँ: वे क्या हैं?

गोमब्रिच ने अपने महान इतिहास कला में कहा है कि कला का अस्तित्व नहीं है, केवल कलाकार हैं. कुछ हद तक, यह पूरी तरह से सच है, क्योंकि प्रत्येक निर्माता अपनी दुनिया से अद्वितीय और गैर-हस्तांतरणीय व्यक्त करता है। हालाँकि, यह भी कम सच नहीं है कि कलाकार अपने समय से नहीं बच सकते। प्रत्येक कलात्मक अभिव्यक्ति, इसलिए, एक विशिष्ट संदर्भ के अधीन होती है और, कोई फर्क नहीं पड़ता कि कलाकार खुद को कितना अलग करने की कोशिश करता है, वह अधिक या कम डिग्री के अधीन रहता है।

अगला, हम कला के इतिहास में मुख्य कलात्मक धाराएँ क्या हैं, इसका एक व्यावहारिक सारांश बनाने जा रहे हैं। यह लेख केवल एक मूल रूपरेखा है; आइए याद रखें कि कुछ भी काला या सफेद नहीं है और इसमें बड़ी संख्या में बारीकियां हैं। सभी संस्कृतियों और सभी समयों ने कला को किसी न किसी रूप में अभिव्यक्त किया है।

इतने छोटे से लेख में उन सभी की आवश्यक विशेषताओं को संक्षेप में प्रस्तुत करना कठिन है, लेकिन हम देने का प्रयास करेंगे एक सिंहावलोकन जो इतिहास के माध्यम से कला के विकास को समझने की बात आने पर व्यावहारिक हो सकता है। एक बिंदु के रूप में, कहो हमने लेख को पश्चिमी कला पर केंद्रित किया है, क्योंकि इतनी कम जगह में सार्वभौमिक कलात्मक अभिव्यक्ति को संक्षेप में प्रस्तुत करना पूरी तरह से असंभव है।

. हमें उम्मीद है यह आपको उपयोगी लगेगा।

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एक कलात्मक प्रवाह क्या है?

कलात्मक धाराएँ (जिन्हें कलात्मक आंदोलनों के रूप में भी जाना जाता है) कृतियों का समूह हैं साझा संदर्भ और सौंदर्य संबंधी विशेषताओं की एक श्रृंखला, साथ ही साथ वैचारिक उद्देश्य दृढ़ निश्चय वाला। इस परिभाषा के बाद, हम कलात्मक धारा को मिस्र, ग्रीस या मेसोपोटामिया जैसी महान प्राचीन संस्कृतियों द्वारा बनाई गई कला भी कह सकते हैं।

हालाँकि, यह पूरी तरह से सही नहीं है। उपर्युक्त सभ्यताओं में सृजन की कोई अन्य संभावना नहीं थी; यह समग्र रूप से संस्कृति की वास्तविक अभिव्यक्ति थी, इसलिए इसे कलात्मक धारा कहना कुछ हद तक जोखिम भरा है. इसलिए, हम मध्य युग की पिछली शताब्दियों से अपनी यात्रा शुरू करने जा रहे हैं, जब विभिन्न उन्नीसवीं शताब्दी में हुई शैलियों की पच्चीकारी में परिणत होने के लिए सांस्कृतिक आंदोलन एक-दूसरे का अनुसरण करना शुरू करते हैं और बीसवीं में

1. रोम देशवासी

कुछ विशिष्ट वैश्विक विशेषताओं के साथ रोमनस्क्यू शायद पहली पूरी तरह से यूरोपीय शैली है।. और, हालांकि यह सच है कि यह बाद की अन्य प्रवृत्तियों, जैसे बारोक या बाद की शैली की तरह सजातीय शैली नहीं थी। स्वच्छंदतावाद, यह सच है कि यूरोप के सभी अक्षांशों में यह उन तत्वों की एक श्रृंखला साझा करता है जो इसे कमोबेश एक शैली बनाते हैं कॉम्पैक्ट।

बरगंडी में 11वीं और 12वीं शताब्दी के आसपास रोमनस्क्यू दिखाई दिया; विशेष रूप से, क्लूनी के अभय में। वहाँ से यह यूरोप के बाकी हिस्सों में फैल गया, जहाँ प्रत्येक क्षेत्र ने इसे अपनी विशेषताओं से नहलाया। हम रोमनस्क्यू क्या है इसका पूर्ण विश्लेषण नहीं कर सकते, लेकिन हम संक्षेप में बता सकते हैं कि, वास्तुशिल्प रूप से, इसमें रोमन निर्माण तत्व शामिल हैं (इसलिए यह नाम 19वीं शताब्दी में दिया गया था) और इसके आधार कई अन्य तत्वों के बीच अर्धवृत्ताकार मेहराब, बैरल वॉल्ट और ग्रोइन वॉल्ट हैं। रचनात्मक।

आर्किटेक्चरल रोमनस्क्यू यूरोप में मुकदमेबाजी के एकीकरण की आवश्यकता और एक बहुत ही विशिष्ट संरचना के साथ तथाकथित तीर्थ चर्चों की उपस्थिति का पालन करता है। रोमनस्क्यू इमारतों में, मूर्तिकला आमतौर पर वास्तुकला के अधीन है, और हम कान के पर्दों और दरवाजों के मेहराबों पर मूर्तिकला की सजावट की अधिकता पाते हैं।.

दूसरी ओर, रोमनस्क्यू पेंटिंग पूर्व से क्रूसेड्स के साथ-साथ मोजारैबिक लघुचित्रों से आए बीजान्टिन आइकन पर खींचती है। वे चित्रात्मक चित्र हैं, बहुत अवास्तविक, जिनका मुख्य उद्देश्य एक संदेश देना था, न कि वास्तविकता की नकल करना। इस कारण से, रोमनस्क्यू सचित्र स्थानों में न तो परिप्रेक्ष्य है और न ही आयतन, और सांसारिक तत्वों को स्वर्ग और नरक के साथ मिलाया जाता है, जो चमकीले रंगों की धारियों द्वारा विधिवत अलग होते हैं।

2. गॉथिक

अगली पूरी तरह से यूरोपीय शैली गोथिक थी। विशेष रूप से वर्दी तथाकथित अंतर्राष्ट्रीय गोथिक थी, जो चौदहवीं शताब्दी में विकसित हुई और आदर्श रूप से शैलीबद्ध आंकड़ों के साथ बीजान्टिन सुनहरी पृष्ठभूमि को पुनः प्राप्त किया। गॉथिक में, प्रतिनिधित्व वास्तविकता से ओतप्रोत होने लगते हैं, और आंकड़े अधिक मानवीय हो जाते हैं। यह शहरों का समय है, वाणिज्य की हलचल का, महान गिरिजाघरों का। गॉथिक कुंवारी असली मां बनने लगती हैं, थियोटोकोस वर्जिन या सिंहासन के वर्जिन से बहुत दूर, हिएरेटिक, जिन्होंने बच्चे के साथ बातचीत नहीं की। दूसरी ओर, सलीब पर चढ़ाया गया, चित्रमय और मूर्तिकला दोनों, स्वाभाविक हो जाते हैं और दर्द दिखाना शुरू कर देते हैं।

गॉथिक का सबसे विशिष्ट तत्व, ज़ाहिर है, कैथेड्रल हैं. इन इमारतों की स्थापत्य भाषा बहुत नवीन है; इसके बावजूद, 16वीं शताब्दी में, जियोर्जियो वसारी ने इन निर्माणों को "बर्बर" (गॉथिक) के रूप में वर्णित किया। फ्लाइंग बट्रेस और बट्रेस फैलते हैं, जो अधिक खुलेपन (अद्भुत गोथिक सना हुआ ग्लास खिड़कियां) के साथ एक तेजी से ऊंची इमारत को स्थिरता देने के लिए डिज़ाइन किया गया है। यह याद रखना महत्वपूर्ण है कि, रोमनस्क्यू की तरह, गॉथिक इमारतें पूरी तरह से थीं पॉलीक्रोम, एक ऐसा तथ्य जो उस महान प्रेम को मूर्त रूप देता है जिसे मध्य युग ने रंगीन स्वरों के लिए महसूस किया था जलाया

3. नवजागरण

हालाँकि मध्य युग में शास्त्रीय संस्कृति को भुलाया नहीं गया था, यह पुनर्जागरण काल ​​​​के दौरान है रोमन विटरुवियस (पहली शताब्दी) के वास्तुकला ग्रंथों जैसे शास्त्रीय उपदेशों को सचेत रूप से पुनर्प्राप्त करें। मैं एक। सी।)। यह इस समय भी है जब कलाकार बौद्धिक होता है, जिसे एक मात्र शिल्पकार से अधिक कुछ के रूप में देखा जाने लगता है।

15 वीं शताब्दी की शुरुआत में पुनर्जागरण फ्लोरेंस में शुरू होता है, बैपटिस्टी के दरवाजे या ब्रुनेलेस्ची द्वारा कैथेड्रल के लिए डिजाइन किए गए शानदार गुंबद जैसे कार्यों के साथ।, जिसका व्यास पहली शताब्दी ईस्वी में विश्व देवालय के निर्माण के बाद से हासिल नहीं किया गया था। सी। आर्किटेक्ट पुरातनता के निर्माण में प्रेरणा की तलाश करते हैं, जबकि चित्रकारों की अनुपस्थिति में मॉडल (पोम्पेई और हरकुलेनियम अभी तक खोजे नहीं गए थे) डोमस ऑरिया को सजाने वाले भित्तिचित्रों से प्रेरित हैं नीरो।

फिर भी पुनर्जागरण का सबसे महत्वपूर्ण नवाचार गणितीय परिप्रेक्ष्य था, जिसके द्वारा संहिताबद्ध किया गया था लियोन बतिस्ता अल्बर्टी (1404-1472) ने अपने ग्रंथ डे पिक्चरुरा में, जिसके लिए उन्होंने के विचारों पर आकर्षित किया ब्रुनेलेस्ची। तब से, पेंटिंग दुनिया के लिए एक खुली खिड़की बनने की कोशिश करेगी, जहां एक लुप्त बिंदु के माध्यम से परिप्रेक्ष्य हासिल किया जाता है जहां सभी रेखाएं मिलती हैं।

4. बरोक

16वीं शताब्दी के अंतिम वर्षों में, पुनर्जागरण पूरी तरह से समाप्त हो गया है और इसके बजाय, व्यवहारवाद प्रकट होता है, जो चित्रकला में एक बढ़ाव और एक शैलीकरण की विशेषता है आंकड़े। लेकिन अगली शताब्दी की शुरुआत में एक नई सौंदर्य प्रवृत्ति ने काउंटर-रिफॉर्मेशन यूरोप: बारोक पर कब्जा करना शुरू कर दिया।

यह कहा जा सकता है कि बैरोक कैथोलिक चर्च के काउंटर-रिफॉर्मेशन की संतान है, जिसे अपने विश्वास के लिए अभिव्यक्ति के माध्यम की आवश्यकता थी।. इसका उद्देश्य रोमन चर्च में विश्वासियों को रखना और उन्हें लूथरनवाद की ओर पलायन करने से रोकना था। बारोक भाषा इस इच्छा का प्रतिबिंब है; पेंटिंग में दुख के चित्रण के माध्यम से भावनाओं को बढ़ावा दिया जाता है। संतों की विचित्र किंवदंतियाँ, जिनके खिलाफ प्रोटेस्टेंट प्रचार करते थे, समाप्त कर दी जाती हैं और पवित्र आकृतियों को उनकी विशेषताओं के साथ दर्शाया जाता है। धर्म को लोगों के लिए नीचा दिखाया गया है, और बाइबिल के चरित्र रोज़मर्रा के दृश्यों में दिखाई देते हैं, जिनके मॉडल सीधे वास्तविकता से लिए गए हैं।

वास्तुकला में, यह कहा जा सकता है कि बैरोक अभी भी बहुत क्लासिकिस्ट है, खासकर फ्रांस में। Versailles का पैलेस इस सुरुचिपूर्ण फ्रेंच क्लासिकवाद का एक बड़ा उदाहरण है। दूसरी ओर, और जैसा कि आमतौर पर सभी शैलियों में होता है, प्रत्येक क्षेत्र एक अलग बारोक को जन्म देता है: संयुक्त प्रांत में, उदाहरण के लिए, जहां कोई और कैथोलिक चर्च के लिए और जहां संरक्षक शहरों के बुर्जुआ हैं, एक अंतरंग पेंटिंग विकसित की गई है, जिसका अधिकतम प्रतिनिधि जोहान्स वर्मियर है।

5. रोकोको

गलत तरीके से बारोक के विस्तार के रूप में माना जाता है, रोकोको 18 वीं शताब्दी के पहले भाग की एक वास्तविक अभिव्यक्ति है, जो कि प्रबुद्धता का युग है। प्रबुद्ध दार्शनिकों के साथ हाथ में हाथ डाले, यह शैली जीवन की मिठास, अंतरंगता, घर के आराम और रोजमर्रा की जिंदगी में जो कुछ भी सुंदर है, उसका जश्न मनाती है।

यही कारण है कि रोकोको रूपांकन खुश, उत्सवपूर्ण हैं, बिल्कुल नाटकीय नहीं: देहाती, ग्राम्य, बहाना, वीर, चुलबुला दृश्य, आदि। एक शब्द में: रोकोको पुराने शासन के धनी वर्गों का जोई डे विवर, जीने का आनंद है.

6. नियोक्लासिज्म

कई मायनों में, नवशास्त्रीयता रोकोको के साथ एक विराम का प्रतीक है। अपने पूर्ववर्ती की तरह फ्रांस में भी उभर रहा है, यह सौंदर्य धारा नए फ्रांसीसी गणराज्य के लिए एकदम सही अभिव्यक्ति है: एक शांत, सख्त, सामंजस्यपूर्ण और गणतंत्रात्मक शैली। निओक्लासिसिज्म निश्चित रूप से शास्त्रीय कला से प्रेरित है। पेंटिंग में, उन्हें भव्य और गंभीर विषयों की प्राथमिकता है, जो लोगों के लिए सदाचार के मॉडल के रूप में काम करते हैं; इसके महान उदाहरण जैक्स-लुई डेविड (1748-1825) के कैनवस हैं, जो महान नवशास्त्रीय चित्रकार हैं। दूसरी ओर, नवशास्त्रीय वास्तुकला व्यावहारिक रूप से प्राचीन ग्रीक और रोमन मंदिरों की नकल है; इसे महसूस करने के लिए केवल पेरिस में मेडेलीन के चर्च पर विचार करना होगा।

नेपोलियन युग के दौरान नियोक्लासिकल शैली अपने चरम पर थी, क्योंकि इसके रोमन और मार्शल सौंदर्यशास्त्र साम्राज्य के अनुकूल थे जिसे ग्रेट कॉर्सिकन ने बहुत अच्छी तरह से बनाया था।. नेपोलियन के पतन के बाद, नवशास्त्रीय रूप अप्रचलित हो गए और इस तथ्य के बावजूद कि उनका सौंदर्यशास्त्र बहुत अधिक जीवित रहा (विशेष रूप से, वास्तुकला) उन्नीसवीं सदी के दौरान, सदी के पहले दशकों में की पहली अभिव्यक्ति स्वच्छंदतावाद।

7. रूमानियत

कला के इतिहास में एक शैली के लिए पिछली शैली की प्रतिक्रिया के रूप में जन्म लेना आम बात है। और, हालांकि कुछ भी काला या सफेद नहीं है और इस कथन की कई बारीकियां हैं, हमें इसका प्रमाण स्वच्छंदतावाद के जन्म जैसे मामलों में मिलता है। जबकि नियोक्लासिकिज्म पहले रिपब्लिकन और बाद में रोमन साम्राज्य का एक एपोथोसिस था। अनुशासन जिसका अर्थ है, स्वच्छंदतावाद का जन्म मानवीय व्यक्तिपरकता के प्रमाण के रूप में हुआ था और इसलिए, इसका व्यक्तिगत। कला को फिर कभी नहीं देखा जाएगा, कम से कम विशेष रूप से, शक्ति के अधीन कुछ के रूप में; यह कलाकार है जो बनाता है, यह वह स्वयं है जो कलात्मक अभिव्यक्ति को जन्म देता है। प्रामाणिक रचनाकार अकादमी और कला का गला घोंटने वाले सभी कठोर मानदंडों के खिलाफ है।

बाद की सभी धाराएँ जो रचनात्मक व्यक्तिवाद को बढ़ाती हैं, स्वच्छंदतावाद से पीती हैं: पूर्व-राफेलाइट्स, प्रतीकवादी, अभिव्यक्तिवादी और निश्चित रूप से, अतियथार्थवादी।. उत्तरार्द्ध के मामले में, वे मानव मानस की गहराई को सीमित करने का पता लगाते हैं, कुछ ऐसा सौ साल पहले के रोमांटिक लोग जब सपनों की दुनिया का प्रतिनिधित्व करते हैं, भयानक, भूतों, कब्रों और चित्रों से भरे फल प्रलाप। दूसरी ओर, रोमांटिक करंट मातृभूमि और राष्ट्र को तब तक बहुत महत्व देता है, जब तक वह है उन व्यक्तियों द्वारा गठित किया गया है जो निर्णय लेते हैं, और राष्ट्रों के अतीत को आदर्श बनाते हैं और इसे बदलते हैं दंतकथा।

8. यथार्थवाद और प्रकृतिवाद

1850 के आसपास, स्वच्छंदतावाद समाप्त होने लगता है। यह दूसरी औद्योगिक क्रांति के प्रत्यक्षवाद, तकनीकी प्रगति का समय है। शहरों में कारखाने बढ़ते हैं और अमानवीय परिस्थितियों में रहने वाले दयनीय लोग बढ़ते हैं। यह तब है कि कला रोमांटिकों द्वारा घोषित आदर्श दुनिया के बारे में भूलना शुरू कर देती है और सामाजिक समस्याओं और संघर्षों में रुचि लेती है।

प्लास्टिक कला और साहित्य दोनों में, आवर्ती विषय सामाजिक निंदा है। भूतों की तरह फैक्ट्रियों को छोड़ने वाले भूखे मजदूर; फटेहाल और गंदे बच्चे; वेश्याएं, भिखारी, धोबी, बिना भविष्य वाले युवा। यथार्थवाद, फिर, सामाजिक वास्तविकता के लिए प्रतिबद्ध है।.

बाद में, मनोविज्ञान में बढ़ती रुचि यथार्थवादी धारा को प्रकृतिवाद की ओर विकसित करती है, जो वस्तुनिष्ठता और अवलोकन को सीमा तक ले जाती है। प्रकृतिवादी कलाकार, जिसका साहित्य में एमिल ज़ोला (1840-1902) द्वारा शानदार प्रतिनिधित्व किया जाता है, देखता है वास्तविकता एक अनुसंधान प्रयोगशाला के रूप में, जहां प्राणी उत्तेजनाओं के आधार पर कार्य करते हैं आधा। इस अत्यधिक वैज्ञानिक कला में, इसलिए आत्मनिष्ठता के लिए कोई स्थान नहीं है, स्वयं सौंदर्य के लिए तो बिल्कुल भी नहीं।

9. सौंदर्यवाद की धाराएँ

इस कला के जवाब में जो विज्ञान बन गई है और जो दुनिया की सुंदरता को नजरअंदाज करती है, उन्नीसवीं शताब्दी के अंत में धाराओं की एक श्रृंखला दिखाई दी जिसने कला के लिए कला की घोषणा की। यह पूर्व-राफेलाइट भाईचारे, पतन, परनासियनवाद, प्रतीकवाद और आर्ट नोव्यू का मामला है, जिसे हिस्पैनिक देशों में आधुनिकतावाद के रूप में जाना जाता है।

हम यहां इन सभी धाराओं के बारे में बात नहीं कर सकते, लेकिन हम यह बता सकते हैं कि उनमें क्या समानता है: सकारात्मकता के लिए, तकनीकी उन्नति के लिए, कारखानों के लिए, वैज्ञानिक प्रगति के लिए सौंदर्य के एक उत्प्रेरक के रूप में एक जबरदस्त विरोध. इसलिए, ये सभी सौंदर्यवादी धाराएँ सुंदरता के अनन्य निर्माता के रूप में कला की ओर लौटना चाहेंगी।

10. मोहरा

एक बार फिर, हम 19वीं सदी के अंतिम वर्षों और 20वीं सदी के पहले दशकों के दौरान पनपे सभी अवांट-गार्ड्स के बारे में बात नहीं कर सकते, लेकिन हम कम से कम उनका नाम लेने की कोशिश करेंगे। 20वीं शताब्दी की शुरुआत में आधिकारिक मोहरा दिखाई देते हैं। इनमें से पहला फौविज्म माना जाता है, एक धारा जो रंग को व्यक्तिपरक अभिव्यक्ति के साधन के रूप में महत्व देती है, न कि वास्तविकता के अनुकरणकर्ता के रूप में। फौवेस के बाद, जिन्होंने 1905 में अपनी पहली प्रदर्शनी आयोजित की, अवंत-गार्डे ने इतनी तेजी से एक दूसरे का अनुसरण किया कि उनमें से कुछ ओवरलैप हो गए: अभिव्यक्तिवाद, भविष्यवाद, घनवाद, दादावाद, अतियथार्थवाद ...

अवांट-गार्डे 20वीं शताब्दी की कला की मुख्य विशेषता है। वे आंदोलनों की एक श्रृंखला हैं जो स्थापित मानदंडों, विशेषताओं वाले कलाकारों के समूह के खिलाफ जाते हैं आम तौर पर एक तरह के सचित्र स्कूल बनाने के लिए एक साथ आते हैं, आमतौर पर एक बुनियादी वैचारिक घोषणापत्र के साथ। वर्तमान में, हम व्यक्तित्व के एक नए युग में रहते हैं जो कलात्मक धाराएँ बनाता है एक हजार टुकड़ों में धुंधला और खंडित, इसलिए हम शायद ही धाराओं के बारे में बात कर सकते हैं, लेकिन के बारे में कलाकार की। लेकिन क्या ऐसा है कि शायद गहरे में (और जैसा कि गोमब्रिच ने कहा) यह हमेशा से ऐसा नहीं रहा है?