Realizmus a művészetben: jellemzők, eredet és példák

A művészet alapvetően emberi kifejezés. Pontosan ezért, és a rendkívüli kulturális sokszínűség miatt, amely mindig is létezett, minden korszak és minden közösség különböző módokon gyakorolta a művészi alkotást, a művészetet saját kifejezési szükségleteihez igazítva és kommunikáció.

A művészet nem mindig igyekezett utánozni a valóságot; századi avantgárdban nemcsak jelentős eltérést tapasztalt tőle, de nem is realizmust találunk olyan civilizációk művészi kifejezésében, mint az ókori Egyiptom vagy a Nyugat középkori. Voltak azonban olyan kultúrák, történelmi pillanatok, amelyekben a természet utánzása volt a legfontosabb, és az elképzelés teljes mértékben alárendelt a valóságábrázolásnak.

Hogyan jelent meg a realizmus a művészetben? Mi volt az evolúciód? Ebben a cikkben megpróbálunk betekintést nyújtani a különböző művészeti megnyilvánulásokba és azok realizmusának fokába.

Mi a realizmus a művészetben?

Fontos különbséget tenni két fogalom között: a realizmus mint művészeti irányzat és a realizmus mint a műalkotás jellemzője.

. Így, míg az első egy plasztikus és irodalmi mozgalom, amely az 1840-től 1880-ig terjedő évtizedekre korlátozódik, addig a realizmus a egy műalkotásra jellemző, hogy az alkotás milyen realizmussal rendelkezik, nevezetesen: perspektíva, arány, térfogatok, tér, stb

Ily módon nem minden realista alkotás tartozik a realizmus áramlatába, csakúgy, mint egy keretes mű ebben a tételben nem kell reális jellemzőket felmutatnia (bár ez utóbbi nem a legáltalánosabb).

A realizmus mint 19. századi művészeti áramlat jellemzői

A realizmus mozgalom Franciaországban jött létre, és egyértelmű választ jelentett elődjének, a romantikának. Ily módon, míg az utóbbit legendás témák inspirálták, és emberi érzelmeket vittek a paroxizmusukba, A realizmus radikális fordulatot javasolt, és tekintetét a környező napi valóságra irányította. Az alanyoknak ez a realista víziója a naturalizmussal (a realizmus "sötét" fia) az alvilág és az emberiség legsötétebb helyzeteinek nyavalyás feltárásává vált. Ennek az áramlatnak a legjelentősebb képi képviselői Jean-François Millet és az irodalmi szférában Émile Zola, akit a naturalizmus atyjának tartanak.

Megvan tehát, hogy a realizmus és a naturalizmus a XIX. művészeti áramlatok szempontjából kutatja a témákat a mindennapi élethez kapcsolódnak, és eltávolodnak azoktól a motívumoktól, amelyek nem a környezet empirikus megfigyelésén alapulnak a művészé. Ezért van az, hogy mind az egyik, mind a másik (különösen a naturalizmus) gyakran az ipari forradalommal járó társadalmi bizonytalanság savas feljelentését jelenti.

Másrészt a realizmus, mint a műalkotás jellemzője, mint már említettük, annak formai jellemzőihez kapcsolódik. Ezzel a példával teljesen világos lesz: egy reneszánsz mű, amely matematikai perspektívával büszkélkedhet, és tiszteletben tartja a alakkötetek formailag realista mű, de semmiképpen sem a mai korhoz kötve 19. századi realista

• Kapcsolódó cikk: Mi az a 7 képzőművészet?

Mióta létezik realizmus a művészetben?

Már az első művészi megnyilvánulásokban (az ún. sziklaművészetben) találunk olyan jellegzetességeket, amelyeket figyelembe vehetnénk reális. Mert annak ellenére, hogy az altamirai bölényben és a lascaux-i (Franciaország) barlangokban ábrázolt lovakban nem találunk utalást arra, hogy perspektíva vagy egy valódi jelenet ábrázolásának hiteles vágya, szokatlan részleteket találunk az ábrázolásban állatokat.

Ennek ellenére még nem beszélhetünk realista művészetről, hiszen barlangfestmények Általában nyilvánvaló sematizálást mutatnak be, és inkább egy művészethez kapcsolódnának fogalmi. Valójában nagy vonalakban az emberiség művészete soha nem volt szigorúan realista egészen a Reneszánsz, természetesen a görög és római művészet kivételével.

Egyiptomban ismét kimagaslóan konceptuális művészettel találkozunk: koncepciók és ötletek, sőt jelenetek kifejezésére is sor kerül. A napi tevékenységek markáns konvenciókat követnek, amelyeknek semmi közük a valóság mimetikus ábrázolásához környező. Az ókori Egyiptom művészetében a jelenetek vízszintes sávokba rendeződnek, az ábrázolás elemeinek nincs reális sorrendje.. Emellett az egyes elemek legjelentősebb részeit választották ki, így az arc profilban, a szemek és a törzs elöl, a lábak pedig oldalra kerültek. Ez nem engedelmeskedett semmilyen valóságnak, és kizárólag annak a vágynak volt alárendelve, hogy az egyes elemek legismertebb részeit ábrázolják.

Vagyis az egyiptomiak a maguk módján "formálták" a valóságot. A Nílus-völgyi művészek szigorúan követték a képviselt egyén fontosságához kapcsolódó skálarendszert. Így ugyanabban a jelenetben és ugyanazon a síkon találunk néhány alakot, amely sokkal nagyobb, mint mások. Ez a méretkülönbség nem a perspektíva próbálkozásából adódik, hanem inkább a (mellesleg nagyon szigorú) hierarchiához kapcsolódik. Egyiptomiak: egy isten mindig sokkal nagyobb lesz, mint egy fáraó, ez mindig sokkal nagyobb lesz, mint a felesége és a gyermekei, stb

Ez a konceptuális ábrázolás a középkori művészetben vissza fog térni, amint azt később látni fogjuk. De az ókori civilizációk művészete és a középkor között volt egy rövid zárójel a realista művészetnek: a görög művészet és a római művészet, amelyet az alábbiakban tárgyalunk.

• Érdekelheti: "10 érdekesség híres műalkotásokról"

A „realista” zárójel: Görögország és Róma

Az archaikus görög művészet szorosan összefüggött a keleti népek, különösen Egyiptom ábrázolásmódjával. Azonban a VI. század felé a. c. valami megváltozni kezdett. Ez az úgynevezett klasszikus görög korszak, amelyben a valósággal jobban összeegyeztethető plasztikus ábrázolásokra ösztönöznek.

A görögök növekvő érdeklődése az emberi anatómia iránt olyan szobrászati ​​alkotást eredményez, amely szigorúan utánozza a természetet. az a görög mimézis, a kísérlet arra, hogy megragadja a valóságot olyannak, amilyen, tehát az arány, a térfogat és a szimmetria kritériumait követve.

Azonban hiába ragadtak meg rendkívül valósághű anatómiákat márványban és bronzban, ne felejtsük el, hogy ezek az alkotások ugyanakkor engedelmeskedtek az általuk „ideális szépségnek” értettnek. Más szóval, bár anatómiailag tökéletesek, az istenek és istennők a görög szobrászatban prototípusokat képviselnek, nem konkrét, azonosítható személyeket.

Ehhez meg kell várnunk Rómát, ahol az individualizáció a portrén keresztül nem is sejtett magasságokba jut. Másrészről, a Pompejiben talált freskók, különösen azok, amelyek az úgynevezett másodiknak és negyediknek felelnek meg Pompeusi stílus, olyan realizmust mutat be, amely csak a nyugati festészetben lesz megtalálható XV század.

Ezek a festmények évszázadokig rejtve maradtak, eltemették a Vezúv kitöréséből származó hamu maradványait. Paradox módon a katasztrófa lehetővé tette, hogy a maradványokat gyakorlatilag érintetlenül megőrizzék egészen a 18. századi romok felfedezéséig. A felfedezők meglepetése óriási volt, mert szemük előtt néhány kiváló minőségű és még meglepőbb realizmusú festmény tárult eléjük.

Valójában az úgynevezett második pompeusi stílus freskóin ablakon keresztül jelennek meg fiktív, rendkívül kidolgozott építészeti perspektívák, amelyek valóban „nyitni” látszanak egy teret Fal. Ugyanezt a technikát használta sok évszázaddal később Masaccio a freskóján Szentháromság, a firenzei Santa Maria Novella-ból, amely ámulatba ejtette kortársait, mert mintha lyukat nyitott volna a templom falán.

középkori műanyag

Masaccio munkája a maga idejében nagyon újító volt; Gondoljunk arra, hogy a pompeusi freskók óta nem tettek kísérletet ilyen markáns realizmus terének megteremtésére. A Római Birodalom utolsó éveit követő középkori művészet általában (nem időzhetünk itt minden stíluson és megnyilvánuláson) sematikus és kiemelkedően konceptuális.

Az egyiptomiakhoz hasonlóan a középkori művészek sem valóságos tereket és elemeket képviseltek, hanem a festészeten és a szobrászaton keresztül fogalmak és eszmék sorozatát fejezték ki. Az ilyen típusú munkák során elvesznek az olyan elemek, mint a szimmetria és a térfogat., de nem úgy, ahogy sokan fenntartják (és sajnos továbbra is fenntartják), mert "nem tudtak festeni", hanem azért, mert az alkotások ábrázolásakor nem a természet utánzása volt a céljuk.

Sok téma van a román "kifejezéstelenségről"; kifejezetlenség, ami nem az, amit gyorsan meg lehet érteni, ha valaki alaposan szemügyre vesz néhány megőrzött domborművet. Mert bár a román plasztika (és általában a középkori művészet) kiemelkedően konceptuális (akárcsak az egyiptomi plasztika), nem igaz, hogy hiányzik belőle a kifejezés. A probléma az, hogy kifejezési formájuk nem a miénk, tehát A román művészek érzéseinek és érzelmeinek megragadásának sok módja nem felel meg jelenlegi nyelvünknek.

Másrészt a román műalkotások közül sok tele van részletekkel, ami megnyilvánulhat őszén. egy tunika redői (sematikus, de gyakran nagyon részletes) vagy az utolsó asztalterítőt díszítő szegélyekben Vacsora.

A perspektíva elérése

A tizenötödik század elején Filippo Brunelleschi mérföldkövet jelentett a művészet történetében azzal, hogy létrehozta a matematikai vagy lineáris perspektíva eljárását. Kicsit később Alberti lejegyezte Brunelleschi új elméleteit munkájában képből (1435). Ettől kezdve ezekre az előírásokra épül majd a nyugati művészet, amit a "jó" festészet alapjának tekintenek majd.

Így, Az itáliai reneszánsz az egész 15. században és a 16. század egy részében megpróbálta a lineáris perspektívát reprodukálni képi munkáiban.. Ezt a perspektívát egy eltűnési pont létrehozásával érik el, ahonnan a festmény terét építő összes vonal kirajzolódik. Ez optikai csalódást hoz létre, amely a mélység érzetét kelti az agyban.

Az úgynevezett flamand reneszánsz együtt él az olasz félsziget reneszánszával, egy másik nagy forradalmak a festészetben, amelyeket ebben az esetben a flandriai művészek hajtottak végre a 18. században. XV. Ezek a „flamand primitívek” a síkok egymásutánján keresztül mélységgel ruházták fel műveiket, Mindenekelőtt a képi realizmusban mérföldkövet állítanak azáltal, hogy reprodukálják az összes részletet tárgyakat. Azt mondják, hogy Jan van Eyck festményein a rengeteg részletnek köszönhetően minden megjelenő növényfaj katalogizálható.

Az olasz matematikai perspektíva azonban a modern kor nyugati művészetének nagy nyertese volt, és a 16. századtól a realizmus az európai festészetet. A barokk művészet kiemelkedően realista művészet, mert annak ellenére, hogy (meglehetősen) magas szintű és érzelmes művészet hírében áll, helyet is foglal. a valóság ábrázolásához: ráncos, fogatlan arcú öregek, koszos lábú gyerekek, különlegességgel megörökített gyümölcscsendéletek realizmus…

Térjünk vissza a művészi realizmus eredetéhez

A realista művészet egészen a 19. század közepéig uralta a nyugati művészetet, ekkor jelentek meg az első szakítások a „hagyományos” művészettel.. Az impresszionisták, az esztétikai áramlatok és később fauves, megkérdőjelezte azt, amit a tizenötödik század óta a „jó” művészet vitathatatlan alapjaként állapítottak meg.

A 20. század avantgárdja tehát egyfajta visszatérést jelent az eredethez. Az avantgárd művészek az akadémikus és hivatalos művészettől való elhatárolódásra vágyva új kifejezésmódokat keresnek, és a „realizmus” pusztulásában találják meg őket; vagyis a perspektíva, az arány, a kompozíciós koherencia. Egyszóval a valóság szigorú utánzása.

Ismert az eset Picasso, akiknek rajzai gyakran a mozarab miniatúrákra emlékeztetnek, vagy a kubistákat, akik hasonlóan ahhoz, amit a Az egyiptomiak több mint két évezreddel ezelőtt megtörték a tárgyak valósághű látásmódját, és abszolút módon reprodukálták azokat. szubjektív.

A hiperrealizmus és az új realista áramlatok

A különböző áramlatok és művészi kifejezések gyakran egymásra reagálnak. A bevezetőben már említettük, hogy a 19. század realista mozgalma miként volt válasz az előző évtizedek romantikájára. Nos, jelenleg a művészi körképben olyan áramlattal találkozunk, amely a képi realizmust nem sejtett határok közé emeli; az úgynevezett hiperrealista áramlatra utalunk.

A hiperrealizmus a 20. század végén született, részben a plasztikai művészetek fogalmi és absztrakt tendenciájára adott válaszként.. Ez az áramlat a természet utánzását a maximális kifejezésre juttatja, ami festményeit fényképes reprodukciókká változtatja (sőt, fotorealizmusnak is nevezik). A kompozíciók élessége olyan, hogy sokszor igazán lehengerlő a néző számára; Természetesen nincs hiány a rosszallókban sem, akik a valóság szimpla utánzójának nevezik.

A kérdés az: a művészetnek másolnia kell-e a természetet, ahogyan az ókori görögök mimézisükkel érveltek, vagy "kötelessége" valami újjal hozzájárulni? Ha abból az alapból indulunk ki, hogy az utánzat sohasem az igazi pontos reprodukciója (hiszen az mindig átmegy a művész szitáján), talán fel kell tennünk magunknak a kérdést, hogy vajon „művészet-e reális".