Edvard Munch: 20 zseniális mű, hogy megértsük az expresszionizmus atyját

Edvard Munch norvég festőművész, aki a 19. és 20. század közötti átmenetben található, és az expresszionizmus atyjának számít. Sokak számára botrányos munkája a fiatal művészek és a nem szakosodott közönség csodálatát váltotta ki. Ezeket a gyors iparosítás által kiváltott szorongással és az uralkodó mechanizmussal azonosították.

A bevett művészek számára a botrány oka Munch technikai szabadságában rejlett. A konzervatív szektorok számára ez azon a tényen alapult, hogy a festő nyíltan olyan témákkal foglalkozott, mint a szex, a szerelem, és mindenekelőtt a betegség és a halál, nagy rögeszméi.

Stílusa egyedülálló volt, köszönhetően annak, hogy hiteles és eredeti nyelvet hozott létre, a posztimpresszionizmussal, a szecesszióval és az avantgárddal folytatott szabad párbeszéd következménye. Éppen ezért, bár Munch kinyitotta az expresszionizmus kapuit, egyetlen mozgalomban sem bélyegzik meg. Megtekintve legfontosabb műveit, megértjük, miért Munch egyedülálló és megismételhetetlen művész.

1. A Sikoly, 1893

A Sikoly Munch munkája váltotta ki a legtöbb botrányt, és ma mégis az Mona Lisa kortárs művészet. Olyan androgün embert képvisel, akinek arca sikoly hallatán vagy sikolya hallatán maximális kifejezéssel fejezi ki a gyötrelmet. Következésképpen az alany hullámzó és markáns tömegként érzékeli a világot. Munchon kívül senki nem csinálta ezt korábban a művészetben.

A darab azután született, hogy egyik nővérét bebörtönözték öngyilkossági kísérlet miatt, ami valamilyen összefüggést sugall az epizóddal. Kíváncsi tény A Sikoly az, hogy Munch négy változatot készített, közöttük kis különbségekkel, ez a festő nagyon gyakori gyakorlata. A leghíresebb változat az 1893-as változat, amelyet 1994-ben loptak el, és nem sokkal később helyreállt.

2. Szorongás, 1894

Igen A Sikoly ez az egyéni kétségbeesés képe, Szorongás ez a kollektív szorongás kifejeződése, amelyet Munch elfog a norvég lélekben. Ezért Munch nem az egyéni kényelmetlenségek nyilvántartására korlátozódó művész, hanem érzékeny az általános kényelmetlenségekre század végén a társadalmat érintette, amelynek átalakulása sokkal gyorsabb, mint feldolgozási képessége változtatások.

A vászon Szorongás Két korábbi Munch-festményen alapszik. A táj, amiben látunk Szorongás előkerült a vászonról A Sikoly. A karaktereket viszont tőlük vették át Délután a Karl Johan utcában. A korábbi képkockákból származó elemek felvételének stratégiája Munchban ismétlődő. A festő nemcsak jeleneteket "képvisel", hanem az azokat alkotó elemeket saját szimbólumukként fogják fel.

3. A beteg lány, 1885-1886

A beteg lány megfelel Munch munkájának korai stílusának, megközelíti az impresszionizmust. A vászon Munch öccsét, Sophie-t ábrázolja a tuberkulózis halálos ágyán. Addigra a fiatal nő körülbelül 15 éves volt.

Szokása szerint Munch ennek a dalnak különböző verzióit adta elő, ami állandó fájdalmat és bűntudatot okozott számára. Ennek oka az volt, hogy a festő, aki 13 évesen tuberkulózisban szenvedett, úgy érezte, hogy nővére helyett biztosan meghalt.

4. Szerelem és fájdalom (vámpír), 1893

Munch ennek a műnek címet adott Szeretet és fájdalom. Ebben egy nőt ölelt át, aki ölében fekszik egy férfit, mintha vigasztalást keresne. Bár Munch soha nem árulta el a mű személyes jelentését, az eredeti cím sokat beszél. Amikor azonban ez a darab kiderült, hatalmas botrányt váltott ki.

Az emberek szadomazochisztikus jeleket láttak benne, és úgy értelmezték, hogy a nő vámpírnak harapta szeretője nyakát. Következésképpen a festmény ismertté vált Vámpír. Ilyen botrány volt, hogy évekkel később ez volt a Norvégia náci megszállása során cenzúrázott Munch-festmények egyike.

5. Madonna, 1894

A néven ismert doboz Madonna eredetileg a címet kapta Szerető nő vagy Nő, aki szeret. Nevezze át a művet Madonna kétségtelenül provokáció. Munch elkészítette ennek a darabnak legalább öt ismert változatát.

A művész úgy ábrázolja a nőt, mintha ikon lenne, hogy közvetítse az imádat érzését, amelyet szépsége és szexualitása felébreszt. A fejét körülvevő vörös glória a szeretet és a fájdalom kapcsolatára utal, még a nemi aktus kiteljesedése során is.

Ez a hipotézis azért indokolt, mert Munch vésett változatot készített, amelynek kerete tartalmazta a spermiumok dekoratív motívumait, amelyek makabre magzatra konvergálnak. Összefoglalva, a festmény az élet körforgásának szimbóluma, amely átmegy a szexualitáson, a nemzésen és a halálon.

6. Hamu, 1894

Hamu A vonalak befűzése és a színezés miatt Munch egyik legesztétikusabb műve. A kompozícióban egy férfit látunk fekete színben, a sötétség és a halál színében. A férfi eltévedt egy sarokban, mintha szégyenében elrejtette volna az arcát, kezét a fejéhez tette. Ez az elkeseredett emberre emlékeztet bennünket Szerelem és fájdalom (vámpír).

Mögötte egy fehér ruhás, tisztaságú és piros mellű, szenvedély színű nő is felemeli a kezét. Arca szomorúságot és aggodalmat fejez ki. A szenvedély leple elszakadt.

A kép és a cím viszonya paradoxonra mutat: a szenvedély elfogyasztása esetén ez eloszlik. A szenvedély tüze csak hamut hagy. De emellett a szereplők gesztusai bűntudatot és kétségbeesést váltanak ki. Ebből kiderül, hogy az esemény dacol az erkölcsi szabályokkal. Házasságtörés? Nemi erőszak volt? A nézőnek kell megfejteni.

7. Pubertás, 1894-1895

Tovább Pubertás, Munch egy teljesen meztelen fiatal tinédzsert ábrázol. A fiatal nő félelmes arccal rendelkezik, és elrejti magánrészeit. A gesztusok nem csupán a szerénység és az ártatlanság szimbólumai, hanem a félelem és az elnyomás szimbóluma is szexualitás, amelyet Munch fiatalkorában szenvedett, tekintettel apja vallási szigorára és összefüggéseire korszak.

A jelenet titokzatos hangulatát megerősíti a háttérben lévő megfejthetetlen árnyék, amely egyfajta kísérteties fantázmagóriának tűnik. Munch korai művének az a jelentősége, hogy képviseli a változás pontját az "impresszionista" stroke és a technika felszabadítása között a művész pszichológiai világának szolgálatában.

8. Önarckép cigarettával, 1895

Önarckép cigarettával Ez Munch egyik leghíresebb alkotása, valamint a legismertebb önarcképe a sok közül. A vásznon a szerző a technika megértését és abszolút elsajátítását mutatja be, amely a fény ragyogását ábrázolja sötétség és füst közepette.

Ezzel Munch szinte titokzatos légkört épít, amely felhívja a figyelmet az arcára és a kezére. Az arc zavart és meglepettnek tűnik, míg a kéz a cigaretta tartása mellett a szív szintjére emelkedik. Ha az arc az alany belső identitásának jele, amelyet érzelmi instabilitás befolyásol, a kéz a plasztikus művész szimbóluma.

9. Halál a szobában, 1895

Gyermekkorában Edvard Munch sok családtagját látta meghalni tuberkulózisban: az esete az anyja és az apja. Halál a szobában családjának szenvedését jelenti testvére, Sophie elvesztése miatt, akit nem látunk. A szerző zsenialitása, hogy a néző figyelmét a halál helyett az érzelmi szenvedésre összpontosítja.

Az az ember, aki imádságos módon emeli fel a kezét, az édesapja, súlyos protestáns vallású. A falra támaszkodó férfiről úgy gondolják, hogy Munch, aki hátat fordít a helyszínnek (halál, szeretet és hit), miközben egyenesen a saját árnyékába néz. Kiemeli azt a tényt, hogy a család minden tagja külön szenved.

10. Két ember (a magányosak), 1896

A vászon Két ember ez nem más, mint a magány allegóriája. Ebben egy férfit és nőt látunk identitás nélkül, háttal a nézőnek, szemlélve az inert horizontot. A kettő között áthidalhatatlannak tűnik a távolság.

A mű, akárcsak sok más Munch, sokszor és különböző technikákkal foglalkozott. A téma és az ábrázolás módja egyaránt megerősíti a művész szorongó, magányos és depressziós jellegét.

11. A csók, 1897

A csók, 1897-ből származik, a festmény egyik változata A csók az ablak mögöttmaga Munch. Kiemelkedik, ahogy a festő a két alakot képviselte. Egyetlen testnek tűnnek, elválasztó vonalak nincsenek közöttük. A szereplőknek nincs identitásuk, saját határaik.

A karakterek összeolvadása nem olvasható romantikusan, mivel a jelenet sötét és nehéz légköre a halál közelségére is utal. A sorozat által keltett hatás olyan volt, hogy inspirálta a híres művet A csókírta Gustav Klimt.

Érdekelheti: Elemzése A csókírta Gustav Klimt.

12. Termékenység, 1898

A vásznon Termékenység Munchtól egy terhes nőt látunk, felálló, aki a fa bőséges gyümölcsét hordozza. Mellette a férfi ül, görcsösen és lehajolva, ellentétes. Leesett vessző látható mellette. Az ember és a fa között folytonosság van, mert az előbbi a fa törzsén támasztja lábát.

A fa életfaként értelmezhető. Egy ág azonban levágódott, amelyből csak egy csonk maradt. A gyümölcs meghozatala érdekében a fát megmetszették, feldarabolták.

A radikálisabb értelmezések szerint Munch elutasítja a gyermekvállalást. Gyümölcsei jelentenék a gyümölcsének végét. Az értelmezés azon a tényen alapul, hogy a festmény akkor készült, amikor Munch szembesült azzal a lehetőséggel, hogy összeházasodik Tulla Larsennel, amely elkötelezettség soha nem valósult meg.

13. Találkozás az űrben, 1898

Tovább Találkozás az űrben férfit és nőt látunk gravitálni az űrben. A mű egy erotikus pillanatot képvisel, amelyet nemcsak testek és gesztusok határolnak el, hanem a figurák körül a spermiumokra utaló vonalak is. Az arcok távol vannak egymástól. A nő szinte közömbösnek tűnik. Úgy tűnik, a férfi megszabadult. A darab bemutatja a szerző technikai sokoldalúságát, valamint a szimbólumokat és a kifejező erőforrásokat.

14. Az élet tánca, 1899

Az élet tánca ez az élet és a szeretet szakaszainak metaforája. Ez egy szabadtéri jelenet, amelynek hátterét mélykék ég borítja egy norvég tó felett. Az égen az északi napot és annak visszatükröződését látjuk a vízben, az egyik szimbólum, amelyet a festő festményei folyamatosan ismételnek.

Az előtérben ugyanazt a nőt látjuk három szakaszban: egy fehér, fehér lányt a bal oldalon. Jobb oldalon egy magányos, feketébe öltözött nő. Középen a nő és férfi táncolnak, mintha a világ nem létezne. A piros ruha az életet és a szenvedélyt szimbolizálja. A pár lehet Tulla Larsen és Munch.

Körülöttük más szereplők táncolnak. A fekete színű nő mögött egy groteszk férfi látható, aki készen áll a nő bántalmazására. E munka fontossága abban rejlik, ahogyan Munch képes átadni belső gyötrelmeinek összetettségét az életszakaszok körül, amelyet szeretetnek ír elő.

15. Marat halála, 1907

Életének egy szakaszában Munch elkötelezte magát a különféle változatok elkészítéséért Marat halála. E változatok között bemutatunk egy 1907-ben készültet. Marat egy 18. századi francia újságíró és politikus volt, akit Charlotte Corday meggyilkolt.

Úgy tűnik, hogy a sorozat Munch maga férfi referencia, ezzel megerősítve azt az elképzelést, hogy a festő a nők áldozatának érezte magát. Esztétikai szempontból a mű kiemelkedik a vonalak színezésének használatából. Ez egyfajta rayonism, amely szakít az ívelt vonal modernista stílusával és a sűrű színes felületek használatával.

16. Fürdőző férfiak, 1907

Fürdőző férfiak de Munch élénk és vibráló karakterével tűnik ki, amely ellentétben áll sok vásznának hullámzó és sötét légkörével. A jelenet egy férficsoportot ábrázol egy meztelen tengerparton, ahol Munch gyógyulási időszakot töltött.

Munch megmutatja az anatómiai rajz készségét, valamint a színezéshez való jártasságát. A megvalósított technikát impresszionista és rayonista elvek táplálják, és bizonyos szempontból úgy tűnik, hogy párbeszédet folytat a fauvizmussal.

17. Nap, 1909-1911

Nap Edvard Munch monumentális falfestménye, amelyet az Oslói Egyetemen találtak. Ebben Munch olyan új plasztikai nyelveket kutat, amelyek közelebb viszik az absztrakt avantgárdhoz, különösen Kandinsky-hoz, a Der Blaue Reiter csoport képviselőjéhez és a lírai absztrakcióhoz.

A szimbolika itt éri el maximális kifejezését. A nap az isteni metaforává válik, amely fényét sugározza a világra, és megtisztítja a tudatlanság árnyékát. Ezzel a művével Munch ismét demonstrálja alkotói szabadságát, ami megmagyarázza, miért nem lehet egyetlen stílusban vagy mozdulatban felcímkézni. Munch egyedülálló művészként mutatja be magát a folyamatos innováció során.

Ön is érdekelheti: Expresszionizmus: jellemzők, művek és szerzők.

18. Vágtató ló, 1912

A keretben Vágtató ló, látunk egy lovat, aki hószánat húz, fedélzetén egy férfival. A figyelemfelkeltő részlet a nyomvonalon található, amely kiemelkedik attól, hogy túl keskeny a teljesítmény szempontjából.

A ló ijedt kifejezése és az út szélén lévő emberek hajlandósága megérteni a közvetlen veszélyt. A jobb oldali gyerekek megpróbálnak megúszni, míg a bal oldali felnőttek zavartalanul várnak, mielőtt költöznének. A félelem és a szorongás témájának új megközelítése, így jelen van a szerzőben.

19. Munkavállalók a hóban, 1913

Edvard Munch érzékeny volt az őt körülvevő társadalmi valóságra is. Ennek bizonyítéka a munkásokról készített különféle festmények, például ez a vászon Munkavállalók a hóban.

Az előtérben Munch három dolgozót képvisel a néző előtt, lapátja támaszpontként. Bennük érzékelhető az erő, de a fáradtság és az öregedés is.

A középen elhelyezett munkavállaló felemelt ökle követelésre vagy követelésre utal. Úgy tűnik, hogy ez a három férfi fegyverben van. E három szereplő mögött a többi dolgozó folytatja munkáját, figyelmen kívül hagyva a művész és a társadalom tekintetét.

20. Önarckép az óra és az ágy között, 1940-1943

Önarckép az óra és az ágy között ez egy festmény Munch utolsó kreatív szakaszából. Munch kihasználta a vásznat, hogy szimbolizálja a halál közelségét, és alakját egy nagyapa óra és az ágy közé helyezte. Az óra az idő megállíthatatlan múlását jelenti, az ágy pedig a halált jelenti a végső ágyként, mint az örök nyugalmat.

Az egyik részlet ellentétben áll: míg az óra antik kivitelű, az ágynemű modern geometriai kialakítású. Ezzel Munch kifejezi lelkiismeretét az idők drámai változásáról, amelyeket meg kellett élnie.

Munch mögött egyfajta helyiség különböztethető meg, amelyben művészi életének referatív műveinek jelenléte következik, amelyre minden erőfeszítést elkötelezett.

Lásd még: Keretelemzés A Sikoly írta Edvard Munch.

Életrajz

Edvard Munch norvég festő és nyomdász, aki 1863. december 12-én született és 1944. január 23-án halt meg.

Fiatal korától kezdve betegséggel és halállal kellett megküzdenie. A tuberkulózis először édesanyja, Laura Cathrine Munch életét követelte, amikor a fiú mindössze 5 éves volt. Később öccse, Sophie halálát okozta; nagybátyáinak és évekkel később apjának, Christian Munchnak. Még maga Edvard Munch is szenvedett a betegségtől 13 évesen.

Ezek az események arra késztették a festőt, hogy szörnyű betegségeket és betegségeket rettegjen. a halál, ezért egész életében szorongástól és depressziótól szenvedett, ami meghatározta vizsgálatait művészeti.

Munch 1879-ben kezdett mérnöki tanulmányokat folytatni, de hamarosan felhagyott ezzel a karrierjével, hogy a festészetnek szentelje magát. Századi francia művészet hatott rá párizsi útjainak köszönhetően. 1890 körül kezdte festeni a projektet Az élet frízje, az emberi élet különböző mérföldköveit ábrázoló festménysorozat, saját tapasztalatai alapján.

Noha munkája kezdetben botrányforrás volt, végül fontos helyet kapott hazája és Európa múzeumaiban. Norvégia náci megszállása után, 1940 körül, Munch festményeit a betolakodók cenzúrázták, és eltávolították a kiállításokról.

Az 1942-es év azonban egyértelmű nemzetközi felszentelését jelentette azzal, hogy eredményes művészi munkája elismeréseként egy New York-i kiállítás tárgya volt. Két évvel később Munch teljes magányban halt meg.