Melyek a középkori művészet szépségkánonjai?

Sötét idő. Kis műveltség. Durva és ügyetlen művészet. Nagyon vallásos lények, akik mindig imádkoztak... Ezek a középkori előzetes elképzeléseink, amelyeket részben filmek és regények ösztönöznek. A valóság azonban egészen más volt.

Az emberek a Középkorú művészi érzékkel rendelkeztek, és megvoltak a maguk kánonjai a szépséggel kapcsolatban. Valójában ezek sok tekintetben nem különböznek túlságosan az ókortól, bár a témák másra próbáltak tanítani bennünket.

Milyenek voltak a szépség kánonjai a középkorban?

Tehát, Melyek a szépség fő kánonjai a középkori művészetben? Mit tartottak szépnek a középkorban? A következő cikkben olyan jeles szerzőkre támaszkodva, mint Umberto Eco, megpróbálunk egy rövid vázlatot felvázolni a középkori szépségről, és arról, hogy ez hogyan tükröződött művészi munkáikban.

szimbolikus univerzum

Mindenekelőtt fontos hangsúlyozni, hogy a középkori, kiemelkedően szimbolikus művészetet nem hasonlíthatjuk össze más, sokkal naturalisztikusabb idők művészetével. Mit értünk ezen? Hát egyszerűen

a középkori művészek alkotása során nem az volt a domináns, hogy valamit hogyan ábrázoltak, hanem az, hogy mit ábrázoltak.

Emiatt őszintén abszurd arról beszélni, hogy a középkori Tudták vagy nem perspektívából, arányból vagy szimmetriából. Megfontoljuk ezt, ha egy egyiptomi freskó előtt találjuk magunkat? Valószínűleg nem, és ez azért van, mert megszoktuk, hogy az ókori Egyiptomban egy dogmatikus civilizációt látunk, amely egyáltalán nem naturalista.

Tehát, ha nagyon világosak vagyunk, hogy Egyiptom vallásos világ volt, és ez az egyetlen szándékuk volt a teremtés ideje a spirituális univerzum megörökítése volt, miért vagyunk olyan igazságtalanok a műanyaggal szemben középkori? Miért hasonlítjuk össze a középkori festményeket a klasszikus művészettel, ráncoljuk a homlokunkat, és mondjuk, hogy „nem tudtak festeni”, de az egyiptomiak művészetével nem tesszük ugyanezt?

Valójában az egyiptomi és a középkori világ nincs olyan messze egymástól. Magyarázzuk magunkat. A középkori férfiak és nők számára a kozmosz Isten teremtése volt, a tökéletes építész tökéletes munkája, ezért mindent áthatott az ő istensége.

Ez azt jelentette, hogy a teremtés minden eleme összekapcsolódott és mindennek mélyebb jelentése volt, mint első látásra. A középkorban az állat nem csak egy állat volt, hanem egy jelkép borította: a pelikán, amelyről azt hitték, hogy kinyitja a mellkasát, hogy vérével táplálja fiókáit, Krisztus és az övé szimbóluma volt áldozat. A strucc az igazságosság eszméjének megtestesítője volt, mivel tollai szigorúan szimmetrikusak voltak. A hermelin tiszta volt, makulátlan fehér színének köszönhetően. És így egy hosszú stb.

Az isteni teremtésben a világon semmit sem találtak véletlenül. A középkori mentalitás nem hitt a véletlenben, ahogy később a modern tudományos mentalitás. Minden elem egy oknak volt alávetve, amelyet Isten hozott létre, így néha valaminek a létezését csak a Teremtő tudta megérteni.

Ez a csúnyaság, a torzság, a szörnyeteg esete volt, ami egyébként a középkori művészetet sújtja, különösen a tőkékben és oszlopokban. Ha léteztek, az azért volt, mert Isten küldetést, jelentést adott nekik. A középkorban semmi sem volt fölösleges és semmi sem hiányzott a világon.

• Kapcsolódó cikk: "A szépség kánonjai: mik ezek, és hogyan hatnak a társadalomra?"

„Naturalista” művészet

Ez a szimbolikus univerzum folyamatosan tükröződött a festészetben és a szobrászatban. Nyilvánvalóan nem kereshetünk naturalista elemeket a középkori művészetben. Mondtuk már, hogy nem a hogyan, hanem a mi volt a szándék. A középkori művész tehát nem azt rögzíti, amit lát, hanem azt, amit eszközök valóság. Ehhez eltekintenek a térfogatoktól, az arányoktól és minden más "akadémikus" szabálytól, és így nagyobb kifejezési szabadságot szereznek. Képzeljük el, hogy a középkori művész az eget és a földet szigorúan naturalista módon próbálta ábrázolni. Lehetetlen. Hogyan ragadjunk meg olyan fogalmakat, mint az üdvösség, elítélés, Isten, Krisztus, halhatatlanság, feltámadás??? A hasonló gondolatok megragadásához szimbolikus nyelvre van szükség, ill a szimbolikus nyelv nem vonatkozhat fizikai vagy matematikai szabályokra, hiszen ha megtenné, kifejezőképessége csökkenne.

Ez azonban nem jelenti azt, hogy a középkorban nem létezett bizonyos arányosság és szimmetria elképzelés. Emlékezzünk arra, hogy a középkorok sokat ismertek a klasszikus írásokból, és nem álltak annyira távol az ókori világtól, hogy ne lássák magukat benne tükröződni. Még az annyira természetellenes román művészetben is találunk egyértelmű példákat, amelyekben a művész a valóságot igyekezett némi pontossággal ábrázolni.

Ez a helyzet a franciaországi Moissac apátság domborműveivel és szobraival, ahol egy Szent Pált és egy Szent Jeremiást találunk. akkoriban megdöbbentően naturalisztikusak, ruháik a testhez tapadva redőkbe esnek, amelyek elkerülhetetlenül emlékeztetnek a klasszikus technika. Másrészt a Eve by Soulliac, szintén Franciaországban, egy kiváló fekvő akt, amely teljesen természetesen reprodukálja a melleket és a női test, ami egyébként egy másik meglehetősen elcsépelt klisét rombol le: hogy a középkorban „nem volt meztelen".

• Érdekelheti: "A történelem 15 ága: mik ezek és mit tanulnak"

Alkalmazkodás a térhez és a szimmetriához

A középkori plasztika jellemzője a figurák térhez igazítása. Ebben az értelemben a középkor meglehetősen szigorú: a felelős az épület vagy az a hely, ahol a munkát szánják, és ezt a jellemzőihez kell igazítani. Emiatt elég gyakran előfordul, hogy a karakterek helyes elhelyezkedése érdekében a timpanonban, az archívumban vagy a fővárosban jeleneteket törölnek vagy módosítanak.

A szimmetria kritériuma viszont igencsak jelen van a középkori plasztikai művészetekben. Umberto Eco csodálatos esszéjében Művészet és szépség a középkori esztétikában, tartalmaz néhány érdekes példát, például Soissonét, ahol az egyik bölcs embert "kiesik", hogy tökéletes szimmetriát gyakoroljon az egymás mellé helyezett jelenettel. Világos példáját látjuk itt annak a merevségnek, amellyel a középkor szemlélték a beállítottságot és a az ábrák szimmetriája, hiszen az ábrázolás összességének abszolút meg kellett felelnie egy tökéletes.

A középkorban nem volt tere az innovációnak, legalábbis az első századokban. A középkori kézművesek megismétlik a kánonokat és formákat, és világos előírások szerint igazítják munkájukat a térhez amelyeket nemzedékről nemzedékre továbbítanak. A Pantokrator mindig hasonló modelleket fog követni, akárcsak a Szűz Theotokos vagy Angyali üdvözlet. A gótika végéig várnunk kell egy új kifejezés megjelenésére, amely meghonosítja a figurákat és kifejezéseket, megkísérli a perspektíva és a terek rekreációjának utalását igazi.

• Kapcsolódó cikk: "5 téma a középkorról, amit ki kell vernünk a fejünkből"

fény és szín

Egy másik fontos szempont, hogy megértsük, mire alapozta a középkori ember a szépség fogalmát, a fény és a szín. A középkor nem érthető meg e két elem nélkül, hiszen főszereplői számára Isten a fény, a fény pedig a szín..

Így minden kromatikus kifejezéssé válik: templomok és katedrálisok falai és mennyezetei, szobrok, ruhák, transzparensek, miniatúrák, ékszerek. Annak ellenére, hogy meggyőződése, hogy a szépség föld feletti, és a láthatón túl is létezik, a középkori ember számára nem közömbös az érzékeny szépség által kifejtett vonzalom. Maga Suger, Saint-Denis apátja is lenyűgözte a színek és fények lármáját, amelyben temploma adott otthont, mivel közvetlenül összekapcsolta az isteni szépséggel. Olyasmi, amit egyébként Bernardo de Claraval és a ciszterciek veszélyesnek tartanak az erény szempontjából, és megpróbálják kiirtani az épületeikből.

A középkori festészetben a szín tiszta, éppen azért, mert világos. A középkori ember nem fogan fel színt "fél"; a hangok tiszták, ragyogóak, tiszták. Az arany felhasználása az úgynevezett nemzetközi gótika idején éri el csúcspontját, amelyben az alapokat ezzel az Istent ábrázoló színárnyalattal díszítik. A drágaköveket és a drágaköveket egyaránt nagyra értékelik, nemcsak gazdasági értékük miatt, hanem azért is, mert "megfogják" a színt és a fényt. A regényekben és a trubadúr költészetben a szeretett vörös orcája, fehér arcszíne és haja emelkedett. szőkék, a nemesek pedig lehetetlen kombinációkat hordanak, amelyekben a kékek zöldekkel és a vörösek a sárgákkal ill ibolya. Röviden, ellentétben azzal, amit az emberek (még mindig) hisznek, a középkor fényt sugárzó időszak.

Az új "gótikus" szépség

A romanika a szépséget a bizánci kelet ikonográfiái által ihletett erőteljes és "szilárd" figurákon keresztül fejezi ki., mint a Szűz és a Krisztusok ikonjai a Felségben. A 13. század vége felé a stílus egyértelműen a kimerültség jeleit mutatja, és a gótikára jellemző, sokkal „stilizáltabb” szépségideál jelenik meg.

Ez nem jelenti azt, hogy a romantikában ne létezett volna vertikálisság. Egy másik visszatérő közhely a középkorból, hogy a román templomok csak vízszintesek, ha vannak számos példa a korabeli katedrálisokra, amelyek a vertikálisság (a felé emelkedés) iránti szeretetről tanúskodnak Isten). Az azonban igaz, hogy a gótika idején plasztikus ábrázolású alakzatok voltak "meghosszabbít", így engedelmeskedik a késő-középkori emberi szépség kánonjának, amely tíznek felel meg. fejek. Amint látjuk, a kapott alak túlságosan karcsú, ha figyelembe vesszük, hogy a klasszikus időkben a kánon hétre és nyolcra csökkent.

A vertikális tehát a gótika szépsége. A katedrálisok a végtelenbe emelkednek, az ólomüveg ablakok egyre több helyet foglalnak el (főleg Észak-Európában), és még divat is ragadja meg ezt a bűvöletet a "hosszított" számára: csúcsos fejdíszek a hölgyeknek és derékban keskeny dupla a férfiaknak, amelyeket kiegészít A harisnya és a hosszú cipő hozzájárul a késő középkor ideális férfias szépségének megteremtéséhez: olyan magas és karcsú férfi, mint a katedrális tornya. gótikus.