Michelangelo: 9 alkotás a reneszánsz géniuszának megismerésére

Michelangelo az olasz reneszánsz egyik legnagyobb zsenije volt, és neve szinonimája minden idők egyik legnagyobb és legfontosabb művészének. Itt mutatjuk be a művész 9 legemblematikusabb művét, amelyet mindenkinek ismernie kell:

1. Madonna a létra

A Madonna vagy Szűz a létra Ez egy márványból készült dombormű, amelyet 1490 és 1492 között faragtak. A művet Michelangelo 17 éves kora előtt fejezték be, amikor még a firenzei Medici kertekben tanult Bertolo di Giovanninál.

Ez a dombormű a Szűzanyát ábrázolja, aki néhány lépcsőn ül, köpenyben tartja és takarja el alvó fiát.

A lépcsők befejezik a háttér többi részét, és a háttérben két gyermek látható játékban, míg egy harmadik gyermek hátradől a kapaszkodón.

A negyedik gyermek a Szűz mögött áll, és úgy tűnik, hogy segíti a fekvő gyermeket egy zsebkendő nyújtásában (egyértelmű utalás Krisztus lepelére), amelyet mindkettőjük tart.

Ebben a műben kiemelkedik a klasszikus ókor öröksége. Emiatt az epikureai filozófiára jellemző ataraxia fogalma jól ismert, amely a szellem nyugtalanságának hiányából áll.

A különbség e fogalom és az apátia között az, hogy az ataraxiában nincs tagadása vagy megszüntetése érzés, de elősegíti a boldogságot azzal, hogy megpróbálja megtalálni az erőt a fájdalom legyőzéséhez és nehézségek.

A Szűz tehát szenvtelen a fia jövőbeli áldozatának elmélkedésében, nem azért, mert ettől nem szenved, hanem azért, mert megtalálja a módját, hogy sztoikusan legyőzze ezt a fájdalmat.

Ennek a domborműnek a megvalósításához Michelangelo Donatello (olasz reneszánsz szobrász, 1386-1466) technikáját használta, az ún. sticiatto (lapított).

2. Centauromachy

Készült a Madonna a létra, Centauromachy (A kentaurok harca) egy márvány dombormű, amelyet 1492 körül hajtottak végre, amikor Michelangelo még mindig a Medici kerteket kísérte.

A kentaurok és a sírkövek közötti epizódot ábrázolja, amikor a hercegnő esküvőjének közepén Hipodamia és Pirítou, a sírkövek királya, az egyik kentaur megpróbálta elrabolni a hercegnőt, aminek eredményeként csata.

A testek meg vannak csavarva és összekuszálódva, ami megnehezíti megmondani, hogy ki kicsoda. Egymással összekapcsolva, néhányan a földön vereséget szenvedtek, és mindannyian kétségbeesést közvetítenek a csata közepette.

Ezzel a művével a fiatal Michelangelo már felvállalja az aktok iránti megszállottságát, mivel számára az emberi szépség az isteni kifejeződés volt. Tehát annak a műnek a szemlélete, amely ezt a szépséget a meztelenségen keresztül képviseli, azt jelenti, hogy Isten nagyságát szemléljük.

Ez a megkönnyebbülés szándékosan befejezetlen, ami jellemző Michelangelo munkájára, aki nagyon hamar a hiányos, mint esztétikai kategória, a nem véges.

Csak a test egyes részeit (főleg az ábrák törzsét) dolgozzák fel és csiszolják, míg a fej és a láb hiányos.

3. A kegyesség

Lorenzo de Medici 1492-ben bekövetkezett halálának következményei miatt Michelangelo elhagyta Firenzét, Velence felé, majd Bolognába tartott. 1495-ben visszatért Firenzébe, de azonnal Rómába indult.

Rómában Jean Bilhères de Lagraulas francia bíboros 1497-ben a Vatikán Szent Péter-bazilikájára márványos Pieta-t bízott meg a művésznővel.

A Kegyesség Michelangelo márványszobor, amelyet 1498 és 1499 között készítettek, és amely a művészet teljes tökéletességének egyik legnagyobb közelítője.

Ebben a műben Miguel Ángel szakít a konvencionálissal, és úgy dönt, hogy a fiánál fiatalabb Szűzanyát képviseli. Hihetetlenül gyönyörű, ölében holtan fekszik Krisztust.

Mindkét alak derűt közvetít, a lemondó Szűz pedig fia élettelen testét szemléli. Krisztus teste anatómiailag tökéletes és a részletek tökéletesen kidolgozottak.

Szemben a nem véges, ez a szobor mi véges kiválóság által. Az egész mű kivételesen csiszolt és kész, és ezzel Michelangelo elérheti az igazi tökéletességet.

A művész annyira büszke volt erre a szoborra, hogy aláírását faragta a Szűz mellét elválasztó szalagra a "Michael Angelus Bonarotus Florentinus faciebat" szavak, ami azt jelenti: "Michelangelo Buonarroti, a firenzei készült".

4. David

1501-ben Michelangelo visszatért Firenzébe és megkezdte a David, 1502 és 1504 között több mint négy méteres márványszobor.

A jelenet Michelangelo által választott pillanata éppen Dávid és Góliát közötti konfrontáció előtt áll. Ily módon Michelangelo nem egy győztes Dávidot képviseli, hanem egy fiatal férfit, aki dühvel és akarattal áll szemben az elnyomóval.

A David Lenyűgöző példa arra az erőre, amely vezérli ennek a művésznek a munkáját, legyen az a teljes akt megválasztásában, vagy abban a belső zűrzavarban, amelyet az alak közvetít.

Lásd még:

• Michelangelo Dávid-szobra.
• A reneszánsz 15 jellemzője.

5. Tondo doni

Michelangelo és Leonardo da Vinci volt az olasz reneszánsz két legnagyobb és legreprezentatívabb neve. Munkáik mind a mai napig inspirálják és csodálatot keltenek, de ezek a kortárs művészek soha nem értettek egyet az életben, és nem egyszer találkoztak egymással.

A nézeteltérések egyik fő oka Michelangelo kinyilvánított megvetése a festészet, különösen az olajfestészet iránt, amelyet a nők számára megfelelőnek tartott.

Ennek a művésznek az igazi művészet a szobrászat volt, mert csak fizikai erővel lehetett kiválóságot elérni.

A szobor Michelangelo számára férfias volt, nem engedett hibákat vagy átdolgozásokat. Így ellenezte az olajfestést, Leonardo előnyben részesített technikáját, amely lehetővé tette a munkát rétegekben, állandó korrekciókat lehetővé téve.

Michelangelo számára a festészet a freskó lenne, amely leginkább megközelítheti a szobor fölényét jellemzői miatt gyorsaságot és pontosságot igényel, és nem teszi lehetővé a hibákat vagy javításokat, vagy újrafesthető.

Így nem meglepő, hogy a művésznek tulajdonított kevés mobil képes mű egyikében az Tondo Doni, Michelangelo tempera és olaj keverékét használta a fán tondóban (körben).

Ezt a munkát 1503 és 1504 között végezték. Ebben a Sagrada Familia nagyon rendhagyó módon képviselteti magát.

Egyrészt a Szűzanya bal keze a fia nemére irányul. Másrészt az előtérben lévő család körül több akt alak jelenik meg.

Ezek az adatok, a ignudi, akik itt tinédzserek, Michelangelo egy másik művében ismét egy felnőttkori vonatkozással fogják képviselni: a Sixtus-kápolna.

6. A Sixtus-kápolna freskói

1508-ban Michelangelo II. Julius pápa kérésére megkezdte az egyik legfontosabb munkát, aki néhány évvel korábban Rómába hívta, hogy kivetítse temetkezését.

A festészet iránti megvetéséről ismert Miguel Ángel elfogadta a tiltakozás alatt álló művet, ezért a folyamat során több levelet írt, amelyekben kifejezte elégedetlenségét.

Ezért a Sixtus-kápolna freskói lenyűgöző bravúrok, amelyek ma is elkápráztatják a világot.

Mennyezet

1508 és 1512 között Michelangelo kifestette a kápolna mennyezetét. Ez egy intenzív munka volt, amelyben a freskó és a rajz technikájának teljes elsajátítását mutatják be.

A freskó technikát nedves alapon alkalmazzák, ami azt jelenti, hogy a folyamatnak gyorsnak és korrekciómentesnek kell lennie.

Így lenyűgöző elképzelni, hogy a művész négy évig kolosszális és színes alakokat festett fekve, 40 x 14 méteres térben, alig támaszkodva a rajzaira.

A festékfutás hatással volt a látására, és elszenvedte az elszigeteltség következményeit és a munkahelyi kényelmetlenséget is. De ezek az áldozatok a festészet egyik legnagyobb alkotását eredményezték.

A mennyezet kilenc panelre oszlik, amelyek összefoglalják a Genezis könyvét, miközben az ószövetségi prófétákat és a görög-római ókor szibilláit idézik.

A jogerős ítélet

Minden célja, hogy kapcsolatot mutasson az úgynevezett "Teremtés története" és a "Kelet története" között Megváltás ", amelyet Krisztus képvisel, aki nem a mennyezeten, hanem az oltáron jelenik meg, a híres jelenetben néven ismert Végső ítélet, 20 évvel a mennyezet után festették (1535-1541).

Képi kompozíció, amelynek több mint 400 teste eredetileg mezítelenül festett, köztük a Szűz és Jézus Krisztus is, de később fedezni kellett.

Lásd még a Sixtus-kápolna freskóinak elemzése.

7. II. Julius pápa sírja

1505-ben II. Julius pápa behívta Michelangelót, és római sírját bízta meg. Eleinte egy nagy mauzóleumot akart építeni, ami tetszett a művésznek.

De a mű nagyságán túl a ingatag személyiségű pápa úgy döntött, hogy a Sixtus-kápolnába akarja temetni.

Ehhez a kápolnának több átalakításra volt szüksége. Emiatt Michelangelónak előbb a mennyezetre és az oltárra kellett festenie a freskókat.

A projekten egyéb módosításokat és engedményeket vetnének alá. Először, a pápa 1513-ban bekövetkezett halála után a projekt csökkentette méreteit, másrészt Michelangelo jövőképe ütközött a pápa örököseinek elvárásaival.

1516-ban megkötötték a harmadik szerződést, és a projekten 1526-ban és 1532-ben még két változtatás történt. A végleges határozat meghatározta, hogy a sír csak homlokzatból áll, és hogy a római Vincoli-i San Pietro templomban található.

Mózes

Minden kudarc ellenére, és annak ellenére, hogy az álom kevés megvalósult, Michelangelo három évig intenzíven dolgozott a mauzóleum projektjén.

Így 1513 és 1515 között Michelangelo megalkotta karrierje egyik legemblematikusabb alkotását, és az egyiket, a Mózes, ma minden utazó látogatását megköveteli.

A Mózes Ez az egyik szobor, amely összehasonlítható a Pieta technikai tökéletességében. Ez a szobor és a sorozat Foglyok vagy Rabszolgák a parietális sír díszítésére szánták őket.

Ebben a szoborban kiemelkedik a karakter és a karakter szörnyű tekintete (Terribilità). Akárcsak a David, intenzív belső életet fejez ki, olyan erő, amely meghaladja azt a követ, amelyből az alakot kivonták.

Hosszú és részletes szakállát simogatva, Mózes látszatával és kifejezésével garantálni látszik, hogy azokat, akik megszegik a törvényt, megbüntetik, mivel semmi sem kerüli el az isteni haragot.

Lásd még Michelangelo Mózes elemzése.

Foglyok vagy Rabszolgák

Szoborként ismert sorozat Foglyok vagy rabszolgák, kijöttek abból az intenzív munkaidőből.

E művek közül kettő elkészült, a A rabszolga haldoklik és a Lázadó rabszolga. Mindkettő jelenleg a párizsi Louvre Múzeumban van. Az alsó emelet pilasztereire akarták helyezni őket.

Az érzékiség A rabszolga haldoklik, amelynek álláspontja elfogadást, nem pedig a halállal szembeni ellenállást fejezi ki. Ezzel szemben a Lázadó rabszolga, csiszolatlan arccal, eltorzult testtel és instabil pozícióval, úgy tűnik, nem hajlandó alávetni magát, és úgy tűnik, hogy küzd a börtönbõl.

Négy másik mű született abból az időszakból, és dicsőítette a nem véges. A kifejező erő lenyűgöző, mivel láthatja, hogy a művész kiszabadította a figurákat a hatalmas kőtömbökből.

Azzal, hogy a műveket befejezetlenül hagyják, allegóriaként működnek az egyik olyan témában, amely Michelangelo egész életét és munkásságát kísérte és gyötörte: a testet, mint a lélek börtönét.

8. Lorenzo és Giuliano de Medici sírjai

1520-ban Xel Leó és unokatestvére, Giulio de Medici, a jövendő VII. Kelemen pápa felvette Michelangelót, hogy temetési kápolnát építenek a firenzei San Lorenzóban, ahol Lorenzo és Giuliano de sírjai találhatók Medici.

Eleinte a projektek annyira izgatták a művészt, hogy buzgón garantálta, hogy képes lesz egyszerre elvégezni őket. De több probléma is felmerült, és az álomprojekt menet közben elveszett.

A Michelangelo által kidolgozott koncepció elve az építészet, a szobrászat és a festészet integrációja volt. De a festmények soha nem készültek.

Amikor a sírokon dolgozott, forradalom tört ki Firenzében maguk a Medici ellen, és ezzel a forgatókönyvvel szemben Michelangelo leállította a munkát és a lázadók mellett állt.

Amikor a lázadást kontrollálták, a pápa megbocsátott neki azzal a feltétellel, hogy folytassa a munkát, és Michelangelo folytatta a munkát.

Amikor Michelangelo 1524-ben végleg elhagyta Firenzét Rómába, befejezetlenül hagyta a munkát és az általa készített szobrokat később mások helyükre helyezték emberek.

Ami máig eljutott hozzánk, két iker parietális sír, szemtől szemben helyezve el. Az egyik oldalon Lorenzo sírja, amely passzív, szemlélődő helyzetben van, gondolkodik, szinte mintha az igazi Lorenzo de 'Medici élne.

A másik oldalon Giuliano, aki korában dicsőséges katona volt. Aktívan képviselteti magát, páncélban és mozgással van felruházva. A bal láb fel akarja idézni a hatalmas és erőteljes figurát.

Mindkét lábánál két allegória áll, a Éjszaka és a Nap (Lorenzo de Medici sírja), a Szürkület és a hajnal (Giuliano de Medici sírja).

A Nap és a hajnal férfi alakok és a Éjszaka és a Szürkület női alakok. A férfi allegóriák arca befejezetlen, csiszolatlan.

9. Az utolsó Pietàs

Miguel Ángel élete utolsó éveire fizikai erővel és a munka szükségességével volt felruházva, de sok sajnálatot és kínt hordozott magában.

Arra a következtetésre jutott, hogy élete egy részében rossz ideált, a szépség és a tökéletesség ideálját járt a művészetben, és azt az elképzelést, hogy ezen a művészeten keresztül eljut Istenhez.

Így későbbi éveiben másik szenvedélyéhez, az istenihez fordul, és talán éppen ezért legújabb műveinek ugyanaz a témája, és befejezetlenül hagyták őket.

A Pieta és a Pietà Rondanini két befejezetlen márvány, nagyon kifejező és zavaró, különösen a Rondanini.

Annak a szenvedésnek és viharos szellemnek az allegóriájaként, amelyet Michelangelo egész életében vitt, főleg az elmúlt években a saját arcvonásait a Pietà-ban elhunyt fiát cipelő Szűz arcára faragta Rondanini.

A művész így felhagyott az emberi szépség ideáljával, amely egész életében megjelölte, és világossá tette meggyőződését, hogy a boldogság és a béke csak Istennek teljes átadásával érhető el.

Michelangelo 1564-ben, 89 éves korában halt meg, fizikai és szellemi képességeinek teljes kihasználásával.

A pápa a római Szent Péter templomba akarta temetni, de halála előtt Michelangelo kifejezte akaratát, hogy Firenzében temessék el, ahonnan 1524-ben távozott.

Érdekelheti: A reneszánsz 25 legreprezentatívabb festménye

(A szöveget lefordította Imaginario Andrea).