Realisme dalam seni: karakteristik, asal-usul dan contoh

Seni adalah ekspresi intrinsik manusia. Justru karena itu, dan karena keragaman budaya luar biasa yang selalu ada, setiap zaman dan setiap komunitas telah mempraktikkan kreasi artistik dengan cara yang berbeda, menyesuaikan seni dengan kebutuhan mereka sendiri akan ekspresi dan komunikasi.

Seni tidak selalu berusaha meniru kenyataan; tidak hanya di avant-garde abad ke-20 ia mengalami penyimpangan yang cukup besar darinya, tetapi juga tidak kami menemukan realisme dalam ekspresi artistik peradaban seperti Mesir kuno atau Barat pertengahan. Namun, ada budaya dan momen sejarah di mana peniruan alam adalah hal terpenting, dan idenya sepenuhnya berada di bawah representasi realitas.

Bagaimana realisme muncul dalam seni? Apa evolusi Anda? Pada artikel ini kami akan mencoba menggambar tur melalui berbagai manifestasi artistik dan tingkat realismenya.

Apa itu realisme dalam seni?

Penting untuk membedakan antara dua konsep: Realisme sebagai tren artistik dan Realisme sebagai ciri sebuah karya seni.. Jadi, sementara yang pertama adalah gerakan plastik dan sastra yang terbatas pada dekade-dekade yang berlangsung dari tahun 1840 hingga 1880, realisme dalam hal Ciri suatu karya seni berkaitan dengan derajat realisme yang dihadirkan karya tersebut, yaitu: perspektif, proporsi, volume, ruang, dll.

Dengan demikian, tidak semua karya realistik termasuk dalam arus Realisme, begitu pula dengan karya berbingkai dalam gerakan ini tidak harus menghadirkan ciri-ciri realistis (walaupun yang terakhir bukan yang paling umum).

Karakteristik Realisme sebagai arus artistik abad ke-19

Gerakan Realisme muncul di Prancis dan berarti tanggapan yang jelas terhadap pendahulunya, Romantisisme. Dengan cara ini, sementara yang terakhir diilhami oleh tema-tema legendaris dan membawa emosi manusia ke paroxysm mereka, Realisme mengusulkan perubahan radikal dan mengarahkan pandangannya ke realitas sekitarnya dari hari ke hari. Visi realistis dari subjek ini menjadi, dengan Naturalisme ("anak gelap" realisme), eksplorasi kotor dunia bawah dan situasi tergelap umat manusia. Beberapa perwakilan bergambar terpenting dari arus ini adalah Jean-François Millet dan, di bidang sastra, Émile Zola, dianggap sebagai bapak Naturalisme.

Jadi, kami memiliki Realisme dan Naturalisme itu, dalam istilah arus artistik XIX, mengeksplorasi tema berkaitan dengan kehidupan sehari-hari dan menjauhi motif-motif yang tidak didasarkan pada pengamatan empiris terhadap lingkungan dari artis. Itulah sebabnya baik yang satu maupun yang lain (terutama Naturalisme) sering kali merupakan kecaman tajam terhadap kerawanan sosial yang menyertai Revolusi Industri.

Di sisi lain, realisme sebagai ciri karya seni, seperti yang telah kami katakan, terkait dengan ciri formalnya. Dengan contoh ini akan sangat jelas: sebuah karya Renaisans yang membanggakan perspektif matematika dan menghormati volume angka adalah karya yang realistis secara formal, tetapi sama sekali tidak terbatas pada arus realis abad ke-19

• Artikel terkait: Apa saja 7 Seni Rupa itu?

Sejak kapan realisme ada dalam seni?

Sudah dalam manifestasi artistik pertama (yang disebut seni cadas) kami menemukan karakteristik yang dapat kami pertimbangkan realistis. Karena, terlepas dari kenyataan bahwa pada bison Altamira dan pada kuda-kuda yang diwakili di gua-gua Lascaux (Prancis), kami tidak menemukan indikasi apa pun tentang perspektif atau keinginan otentik untuk mewakili pemandangan nyata, kami menemukan detail yang tidak biasa dalam representasi hewan.

Meskipun demikian, kita belum bisa berbicara tentang seni realistik, sejak lukisan gua Secara umum, mereka menghadirkan skematisasi yang jelas dan akan lebih terkait dengan seni konseptual. Sebenarnya secara garis besar, seni umat manusia tidak pernah benar-benar realistis sampai munculnya Renaisans, dengan pengecualian, tentu saja, seni Yunani dan Romawi.

Di Mesir kita sekali lagi menemukan seni konseptual yang luar biasa: upaya dilakukan untuk mengekspresikan konsep dan ide, dan bahkan pemandangan kegiatan sehari-hari mengikuti konvensi yang ditandai yang tidak ada hubungannya dengan representasi mimetis dari realitas sekitarnya. Dalam seni Mesir kuno, adegan diatur dalam pita horizontal, dan tidak ada urutan elemen representasi yang realistis.. Selain itu, bagian terpenting dari setiap elemen dipilih, sehingga wajah direpresentasikan dalam profil, mata dan batang tubuh di depan, dan kaki di samping. Ini tidak mematuhi realitas apa pun dan secara eksklusif tunduk pada keinginan untuk mewakili bagian yang paling dapat dikenali dari setiap elemen.

Artinya, orang Mesir "membentuk" realitas dengan caranya sendiri. Seniman Lembah Nil dengan ketat mengikuti sistem skala yang terkait dengan pentingnya individu yang diwakili. Jadi, dalam pemandangan yang sama dan di bidang yang sama, kami menemukan beberapa sosok yang jauh lebih besar dari yang lain. Perbedaan ukuran ini bukan karena upaya perspektif apa pun, melainkan terkait dengan hierarki (omong-omong, sangat ketat) dari Orang Mesir: dewa akan selalu diwakili jauh lebih besar dari firaun, ini akan selalu jauh lebih besar dari istri dan anak-anaknya, dll.

Representasi konseptual ini akan ditemukan kembali dalam seni abad pertengahan, seperti yang akan kita lihat nanti. Tetapi antara seni peradaban kuno dan Abad Pertengahan ada tanda kurung singkat seni realistik: seni Yunani dan seni Romawi, yang akan kita bahas di bawah ini.

• Anda mungkin tertarik pada: "10 keingintahuan tentang karya seni terkenal"

Kurung "realis": Yunani dan Roma

Kesenian Yunani kuno erat kaitannya dengan cara representasi masyarakat Timur, khususnya Mesir. Namun menjelang abad VI a. C. sesuatu mulai berubah. Ini adalah apa yang disebut periode Yunani klasik, di mana jenis representasi plastik yang lebih konsisten dengan kenyataan didorong.

Tumbuhnya minat orang Yunani pada anatomi manusia berasal dari produksi pahatan yang sangat meniru alam. adalah mimesis Yunani, upaya menangkap realitas sebagaimana adanya, sehingga mengikuti kriteria proporsi, volume dan simetri.

Namun, meskipun menangkap anatomi yang sangat realistis dalam marmer dan perunggu, jangan lupa bahwa, pada saat yang sama, karya-karya ini mematuhi apa yang mereka pahami sebagai "keindahan yang ideal". Dengan kata lain, meski secara anatomis sempurna, dewa dan dewi dalam pahatan Yunani mewakili prototipe, bukan sosok yang konkret dan dapat dikenali.

Untuk melakukan ini, kita harus menunggu Roma, di mana individualisasi mencapai ketinggian yang tidak terduga melalui potret. Di samping itu, lukisan dinding yang ditemukan di Pompeii, terutama yang berhubungan dengan yang disebut kedua dan keempat Gaya Pompeian, menunjukkan realisme yang tidak akan ditemukan lagi dalam seni lukis Barat hingga saat ini Abad XV.

Lukisan-lukisan ini tetap tersembunyi selama berabad-abad, terkubur oleh sisa-sisa abu yang dihasilkan oleh letusan Vesuvius. Paradoksnya, bencana tersebut memungkinkan sisa-sisa tersebut dipertahankan secara praktis utuh sampai ditemukannya reruntuhan tersebut pada abad ke-18. Kejutan para penemunya sangat besar, karena di depan mata mereka ditampilkan beberapa lukisan dengan kualitas yang sangat bagus dan realisme yang lebih mengejutkan.

Memang, dalam lukisan dinding yang disebut gaya Pompeian kedua, lukisan itu ditampilkan melalui jendela perspektif arsitektur fiktif yang sangat rumit, yang benar-benar tampak "membuka" ruang masuk Dinding. Teknik yang sama digunakan berabad-abad kemudian oleh Masaccio dalam lukisan dindingnya Trinitas, dari Florentine Santa Maria Novella, yang mencengangkan orang-orang sezamannya karena tampaknya membuka lubang di dinding gereja.

plastik abad pertengahan

Karya Masaccio sangat inovatif pada masanya; Mari kita pikirkan bahwa sejak lukisan dinding Pompeian tidak ada upaya yang dilakukan untuk menciptakan ruang dengan realisme yang begitu nyata. Seni abad pertengahan yang mengikuti tahun-tahun terakhir Kekaisaran Romawi, secara umum (kita tidak dapat memikirkan semua gaya dan manifestasi di sini) skematis dan sangat konseptual.

Dengan cara yang sama seperti orang Mesir, seniman abad pertengahan tidak merepresentasikan ruang dan elemen nyata, melainkan mengekspresikan, melalui lukisan dan pahatan, serangkaian konsep dan gagasan. Elemen seperti simetri dan volume hilang dalam jenis pekerjaan ini., tetapi tidak seperti yang dipertahankan oleh banyak orang (dan sayangnya, masih dipertahankan) karena "mereka tidak tahu cara melukis", tetapi karena tujuan mereka saat merepresentasikan karya-karya tersebut bukanlah untuk meniru alam.

Ada banyak topik tentang romantik "tidak ekspresif"; ketidakekspresikan yang tidak demikian, yang dapat dengan cepat diapresiasi jika seseorang merenungkan dengan cermat beberapa relief yang telah diawetkan. Karena meskipun seni plastik Romanesque (dan seni abad pertengahan pada umumnya) sangat konseptual (seperti seni plastik Mesir), tidak benar bahwa ia kurang ekspresi. Masalahnya adalah bentuk ekspresi mereka bukan milik kita, jadi banyak cara seniman Romanesque untuk menangkap perasaan dan emosi tidak sesuai dengan bahasa kita saat ini.

Di sisi lain, banyak karya seni Romanesque yang sarat dengan detail, yang bisa terwujud pada musim gugur. lipatan tunik (skema, tetapi seringkali sangat detail) atau di tepi yang menghiasi taplak meja dari Yang Terakhir Makan malam.

Pencapaian perspektif

Pada awal abad ke-15, Filippo Brunelleschi menandai tonggak sejarah seni dengan menetapkan prosedur untuk perspektif matematis atau linier. Beberapa saat kemudian, Alberti menuliskan teori baru Brunelleschi dalam karyanya dari gambar (1435). Sejak saat itu, seni Barat akan dibangun di atas prinsip-prinsip tersebut, yang akan dianggap sebagai dasar dari seni lukis yang "baik".

Jadi, Selama seluruh abad ke-15 dan sebagian abad ke-16, Renaisans Italia mencoba mereproduksi perspektif linier dalam karya gambarnya.. Perspektif ini dicapai melalui penetapan titik hilang, dari mana semua garis yang membangun ruang lukisan itu muncul. Ini menghasilkan ilusi optik yang memberi otak sensasi kedalaman.

Apa yang disebut Renaisans Flemish hidup berdampingan dengan Renaisans semenanjung Italia, salah satunya revolusi besar dalam seni lukis yang dalam hal ini dilakukan oleh para seniman Flanders pada abad ke-18. XV. "Primitif Flemish" ini menganugerahi karya mereka dengan kedalaman melalui suksesi pesawat dan, Yang terpenting, mereka menetapkan tonggak sejarah dalam realisme bergambar dengan mereproduksi semua detail gambar objek. Konon, dalam lukisan Jan van Eyck, semua spesies tumbuhan yang muncul dapat dikatalogkan berkat banyaknya detail.

Perspektif matematika Italia, bagaimanapun, adalah pemenang besar seni Barat di era modern dan, dari abad ke-16, realisme menandai lukisan Eropa. Seni Baroque adalah seni yang sangat realistis karena, meskipun (cukup) terkenal sebagai seni yang ditinggikan dan sangat emosional, ia juga mendapat tempat. untuk representasi realitas: orang tua dengan keriput, wajah ompong, anak-anak dengan kaki kotor, masih hidup buah ditangkap dengan luar biasa realisme…

Kembali ke asal-usul realisme artistik

Seni realis mendominasi kancah seni Barat hingga pertengahan abad ke-19, ketika jeda pertama dengan seni "tradisional" muncul.. Impresionis, arus estetika, dan, kemudian, fauves, mempertanyakan apa, sejak abad kelima belas, telah ditetapkan sebagai dasar seni "baik" yang tak terbantahkan.

Maka, avant-garde abad ke-20 merupakan semacam kembali ke asal-usulnya. Seniman avant-garde, dalam keinginan mereka untuk menjauhkan diri dari seni akademik dan resmi, mencari cara-cara baru untuk berekspresi, dan menemukannya dalam penghancuran "realisme"; artinya, perspektif, proporsi, koherensi komposisi. Singkatnya, imitasi ketat dari kenyataan.

Diketahui adalah kasus Picasso, yang gambarnya sering mengingatkan pada miniatur Mozarabic, atau kubus yang, mirip dengan apa Orang Mesir lebih dari dua milenium sebelumnya, mematahkan visi objek yang realistis dan mereproduksinya secara mutlak subyektif.

Hiperrealisme dan arus realistis baru

Seringkali, perbedaan arus dan ekspresi seni saling merespon. Kami telah menyebutkan di pendahuluan bagaimana gerakan realis abad ke-19 merupakan tanggapan terhadap Romantisisme dekade sebelumnya. Nah, saat ini kami menemukan dalam panorama artistik arus yang mengangkat realisme bergambar ke batas yang tidak terduga; kami merujuk pada apa yang disebut arus hiperrealis.

Hiperrealisme lahir pada akhir abad ke-20, sebagian sebagai tanggapan terhadap kecenderungan konseptual dan abstrak dari seni plastis.. Arus ini membawa peniruan alam ke ekspresi maksimalnya, yang mengubah lukisannya menjadi reproduksi fotografis (sebenarnya disebut juga fotorealisme). Ketajaman komposisinya sedemikian rupa sehingga seringkali membuat penonton kewalahan; Tentu saja, tidak ada kekurangan pencela, yang menyebutnya sebagai peniru sederhana dari kenyataan.

Pertanyaannya adalah: haruskah seni menyalin alam, seperti argumen orang Yunani kuno dengan mimesis mereka, atau apakah ia memiliki "kewajiban" untuk menyumbangkan sesuatu yang baru? Jika kita mulai dari dasar bahwa tiruan tidak pernah merupakan reproduksi persis dari yang asli (karena selalu melewati saringan artis), mungkin yang harus kita tanyakan pada diri sendiri adalah apakah "seni realistis".