Gustav KLIMT e le sue 5 opere più importanti

Gustav Klimt (1862-1918) è uno dei referenti all'interno del movimento modernista della secessione viennese, essendone anche cofondatore e primo presidente. UN Pittore simbolista di origine austriaca caratterizzato dalle sue peculiarità, dal suo prestigio e per essere uno dei pittori più decorativi grandi del XX secolo, sviluppando il proprio stile, carico di erotismo, eclettico, pieno di fantasia e ricchezza.

In questa lezione di unPROFESOR.com ti offriamo quali sono i opere più importanti di Gustav Klimt e le caratteristiche fondamentali del suo stile artistico.

Indice

1. Caratteristiche delle opere di Gustav Klimt
2. L'Auditorium del Vecchio Burgtheater: un'opera di Gustav Klimt
3. Pallade Atena (1898)
4. Medicina (1900-1901), opera molto importante di Kimt
5. Adele Bloch-Bauer (1903-1907), la migliore opera di Klimt
6. Il bacio (1907-1908), una delle opere più importanti di Klimt

• Klimt era pittore decorativo
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  dedicato all'abbellimento di edifici con rilievi e scene e personaggi storici. Un'estetica che ha portato ai suoi dipinti su tela, diventando a esponente dell'uguaglianza tra le arti decorative e le belle arti.
• Era uno dei fondatori della Secessione viennese, nel 1897, essendo scelto presiente per la sua personalità ribelle e pionieristica. La sua fama internazionale come il più famoso pittore dell'Art Nouveau contribuì al successo iniziale della Secessione, ma anche al suo declino quando la lasciò nel 1905.
• Anche se al momento è l'opera d'arte è iconica e molto popolare, all'epoca parte delle sue opere erano considerate oscene per la loro alto contenuto erotico.
• Il suo lavoro è molto personale e unicoAncora oggi la sua Fase Aurea è caratterizzata dall'uso di lamine d'oro e d'argento nello stile dei mosaici bizantini.

Tra le opere più importanti di Gustav Klimt c'è L'Auditorium del Vecchio Burgtheater (1888-89), gli inizi della carriera pittorica di Klimt.

Questa fu una delle commissioni più importanti dell'inizio della carriera di Klimt. Il consiglio comunale di Vienna ha chiesto al pittore di dipingere alcuni quadri del vecchio Burgtheater, l'opera cittadina, costruita nel 1741 e demolita in quell'anno 1888.

Klimt ha scelto di catturare la disposizione dei palchi dell'opera, una scelta un po' originale, ma significativa dal punto di vista architettonico. Un lavoro di stile accademico, tipico di I primi lavori di Klimt e in cui l'influenza di Hans makart.

Un altro aspetto di interesse è il dettaglio e virtuosismo di Klimt introducendo nell'opera i ritratti di tutte quelle persone che gli hanno chiesto di inserirli nelle scatole. Lo spettacolo non è quindi solo un ricordo di come era il teatro, ma delle élite politiche, culturali ed economiche della città: più di 150 persone in totale. Tra il pubblico figurano il Primo Ministro austriaco, il sindaco di Vienna, il, il chirurgo Theodor Billroth, il compositore Johannes Brahms e l'amante dell'imperatore, l'attrice Katherina Schratt.

Sebbene i secessionisti avessero come principio la rottura con le tradizioni artistiche precedenti, il loro rapporto con il passato non era così semplice. Così, sia lui che altri membri del secessionismo furono ispirati da Figure e storie mitiche e allegoriche greco-romane e di altre civiltà antiche.

In questo caso, Klimt reinterpreta la figura della dea greco-romana dai colori tenui e con una tendenza all'astrazione, stile a cui si unirà quando abbandonerà il secessionismo. In quest'opera Klimt offre un'immagine potente e imponente di Atena, che mostra la dea avvolta da una nebbia e con un aspetto androgino. La veste con un abito militare che la identifica come guerriera e protettrice della città di Atene, qualità maschili, mentre mostra i suoi capelli lunghi e fini come segno del suo lato femminile. In mano tiene una figura nuda di Nike, rappresentazione della vittoria.

In quella nebbia a rappresentazione dell'onirico, collegando il lavoro con il lavoro di Sigmund Freud. Quindi, l'opera sarebbe l'incarnazione dell'ideale di una donna potente, oggetto del desiderio maschile, così come della donna che anela a vestirsi da uomo per raggiungere uno status di potere.

Nel 1894, il Ministero della Cultura incaricò Klimt di dipingere il nuovo Sala Grande dell'Università di Vienna. Il lavoro di Klimt consisteva nel dipingere tre tele monumentali sui temi rispettivamente della filosofia, della medicina e della giurisprudenza. Quando Klimt iniziò a dipingere le tele nel 1898 aveva già aderito alla Secessione e abbandonato il naturalismo. Delle tre opere, Medicina è stata la tela che ha generato più polemiche.

Medicinale mostra a Igea, la mitologica figlia del dio della medicina, situato nella parte centrale inferiore della tela e identificato da un serpente e dal vetro di Lete. Sopra Igea si erge un'alta colonna di luce, alla cui destra si erge una rete di figure nude intrecciate con lo scheletro della Morte. Dall'altra parte della colonna di luce galleggiava una donna nuda il cui bacino era inclinato in avanti, mentre sotto i suoi piedi galleggiava un bambino avvolto nel tulle. Questa composizione ha generato una moltitudine di critiche accusando Klimt di realizzare un'opera pornografica, senza fare riferimento ad alcun argomento medico. L'atteggiamento di rifiuto con cui furono accolte le opere di Klimt indusse il pittore a riacquistare le tre opere nel 1905.

Il lavoro di Klimt mostra il ambiguità della vita umana, che rappresentano contemporaneamente nascita e morte. Il rifiuto dell'opera di Klimt dimostra come, nonostante i grandi passi avanti che la Secessione aveva compiuto negli anni Fin dalla sua fondazione, il movimento non era riuscito a invertire gli atteggiamenti conservatori nei confronti dell'arte moderna a Vienna.

Per Klimt, questo era tutto un'umiliazione definitiva e un rifiuto pubblico, qualcosa per cui non espose a Vienna. per cinque anni dopo il 1903, e si dimise dagli incarichi ufficiali, accettando solo di assumere incarichi privato. Questi tre dipinti, come molte delle opere di Klimt, furono confiscati dai nazisti e cremati nel maggio 1945. all'interno di Schloss Immendorf, il castello della Bassa Austria dove erano stati conservati, dalle truppe delle SS in ritiro.

Questo è uno dei Le opere più famose di Klimt per essere uno dei casi di furto d'arte più noti tra quelli compiuti dai nazisti. Adele Bloch-Bauer, la moglie del banchiere e magnate dello zucchero viennese Ferdinand Bloch-Bauer, era una delle sue muse preferite, fungendo da modello per molti altri dipinti, tra cui la sua famosa Giuditta I (1901). Sebbene si dicesse che Klimt fosse coinvolto sentimentalmente con molte delle donne che dipingeva, l'esatta natura della sua relazione con Adele Bloch-Bauer è sconosciuta.

In questa tela a dissoluzione della realtà che sfonda al l'astrazione più pura. Pertanto, sebbene Klimt rappresenti Adele Bloch-Bauer seduta, è quasi impossibile distinguere la forma della sedia o separare le forme dei suoi vestiti dallo sfondo. Klimt era in gran parte indifferente alla rappresentazione del personaggio del suo modello, per non parlare della posizione e del contesto. L'utilizzo di foglia oro e argento Mostra l'alto valore e la qualità dei gioielli che Adele indossa, così come la profondità dell'amore di suo marito, che ha commissionato il dipinto.

L'opera è inquadrata all'interno del La "fase d'oro" di Klimt del primo decennio del Novecento, in cui usò decine di motivi dorati e toni metallici nei tuoi dipinti per aggiungere sontuosità e lusso alle sue opere. Una tecnica che si collega ai mosaici bizantini della Basilica di San Vitale a Ravenna, Italia, che Klimt visitò nel dicembre 1903. Molti di questi mosaici utilizzano uno sfondo piatto d'oro simile e raffigurano l'imperatrice bizantina Teodora. La rappresentazione di Klimt del girocollo indossato da Adele Bloch-Bauer in questo ritratto è ispirata a questi mosaici. Gli storici dell'arte indicano anche influenze egiziane sulla forma degli occhi e sull'abbigliamento di Bloch-Bauer, mentre le spirali ricordano i disegni dell'antica Micene e della Grecia classico.

Poiché i Bloch-Bauer erano ebrei, i beni di Ferdinando furono saccheggiati dai nazisti dopo l'annessione dell'Austria e della Cecoslovacchia occidentale nel 1938. I nazisti installarono il dipinto nella Galerie Belvedere in Austria. Ferdinand morì nel 1946, ma non prima di aver consegnato ai nipoti i suoi dipinti confiscati, tra cui questo e altre cinque opere di Klimt. Tra questi c'era Maria Altmann. Ha intentato una causa nel 2000 per recuperare i dipinti.

Il caso ha avuto un'enorme copertura mediatica ed è arrivato davanti alla Corte Suprema degli Stati Uniti, con i dipinti restituiti alla famiglia Bloch-Bauer nel 2006. Quel giugno, Altmann vendette quest'opera al collezionista di cosmetici e magnate americano Ronald S Lauder per 135 milioni di dollari, un prezzo record pagato per qualsiasi dipinto. Lauder ha consegnato il dipinto al Neue Galerie di arte tedesca e austriaca a New York, dove è attualmente esposto.

Il bacio è uno dei Le opere più sensuali e popolari di Klimt, e probabilmente la sua opera più riprodotta. È anche uno dei dipinti chiave del cosiddetto La "fase d'oro" di Klimt, una fase che si estende indicativamente dal 1903-09, ed è considerata un ottimo esempio di Pittura Art Nouveau.

L'opera rappresenta una coppia che si abbraccia ai margini di un prato, rappresentata dal luminoso motivo floreale, come una sorta di trapunta stesa sotto i loro corpi. La costruzione della composizione suggerisce a alto grado di familiarità con il movimento Arts and Crafts. Così, il motivo a tegole piatte del prato e l'abbigliamento delle figure ricordano il tessuti prodotti da William Morris alla fine del XIX secolo.

L'uso di materiali da foglia oro e argento mostra l'alto grado di specializzazione raggiunto da Klimt, ricordando i codici miniati medievali, sebbene sia molto più prezioso e più affine all'arte bizantina, come i campi d'oro per i mosaici che aveva visto a Ravenna nel 1903.

Inoltre, mentre Morris e le fonti medievali utilizzano materiali preziosi per esaltare la Parola di Dio o la grande letteratura, Klimt Li usa per santificare la natura delle relazioni umane e il legame tra amanti, un tema chiave nell'Art Nouveau. Quindi, il bacio incarna a visione universale e senza tempo dell'amore romantico.

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• Cardona, F.L (2016) Gustav Klimt, editori
• Nieto Yusta, C, (2014) Klimt. L'artista dell'anima, Libsa