Il realismo nell'arte: caratteristiche, origini ed esempi

L'arte è un'espressione intrinsecamente umana. Proprio per questo, e per la straordinaria diversità culturale che è sempre esistita, ogni epoca e ogni comunità ha esercitato la creazione artistica in modi diversi, adattando l'arte alle proprie esigenze di espressione e comunicazione.

L'arte non ha sempre cercato di imitare la realtà; non solo nelle avanguardie del XX secolo ha conosciuto un notevole allontanamento da esso, ma non ha nemmeno troviamo realismo nell'espressione artistica di civiltà come l'antico Egitto o l'Occidente medievale. Tuttavia, ci sono state culture e momenti storici in cui l'imitazione della natura era la cosa più importante, e l'idea era completamente subordinata alla rappresentazione della realtà.

Come è emerso il realismo nell'arte? Qual è stata la tua evoluzione? In questo articolo cercheremo di tracciare un percorso attraverso le diverse manifestazioni artistiche e il loro grado di realismo.

Cos'è il realismo nell'arte?

È importante distinguere tra due concetti: il realismo come tendenza artistica e il realismo come caratteristica di un'opera d'arte.

. Così, mentre il primo è un movimento plastico e letterario limitato ai decenni che vanno dal 1840 al 1880, il realismo in termini di caratteristica di un'opera d'arte ha a che fare con il grado di realismo che l'opera presenta, vale a dire: prospettiva, proporzione, volumi, spazio, eccetera

In questo modo non tutte le opere realistiche appartengono alla corrente del Realismo, così come un'opera incorniciata in questo movimento non deve presentare caratteristiche realistiche (sebbene quest'ultima non sia la più usuale).

Caratteristiche del Realismo come corrente artistica del XIX secolo

Il movimento del realismo sorse in Francia e rappresentò una chiara risposta al suo predecessore, il romanticismo. In questo modo, mentre quest'ultimo si ispirava a temi leggendari e portava le emozioni umane al loro parossismo, Il realismo ha proposto una svolta radicale e ha rivolto il suo sguardo alla realtà circostante di tutti i giorni. Questa visione realistica dei soggetti diventa, con il Naturalismo (il figlio "oscuro" del realismo), una sordida esplorazione degli inferi e delle situazioni più oscure dell'umanità. Alcuni dei più importanti rappresentanti pittorici di questa corrente sono Jean-François Millet e, in ambito letterario, Émile Zola, considerato il padre del Naturalismo.

Quindi, abbiamo che Realismo e Naturalismo, in termini di correnti artistiche del XIX, esplorano temi legati alla vita quotidiana e allontanarsi da motivi che non si basano su un'osservazione empirica dell'ambiente dell'artista. Ecco perché sia ​​l'uno che l'altro (soprattutto il Naturalismo) rappresentano spesso un'acida denuncia della precarietà sociale venutasi a creare con la Rivoluzione Industriale.

D'altra parte, il realismo come caratteristica di un'opera d'arte è legato, come abbiamo già detto, alle sue caratteristiche formali. Con questo esempio sarà abbastanza chiaro: un'opera rinascimentale che vanta una prospettiva matematica e rispetta il volumi di figure è un'opera formalmente realistica, ma non è affatto circoscritta alla corrente Realista del XIX secolo

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Da quando esiste il realismo nell'arte?

Già nelle prime manifestazioni artistiche (la cosiddetta arte rupestre) troviamo caratteristiche che potremmo considerare realistico. Perché, nonostante nel bisonte di Altamira e nei cavalli rappresentati nelle grotte di Lascaux (Francia) non troviamo alcuna indicazione di prospettiva o un autentico desiderio di rappresentare una scena reale, troviamo dettagli insoliti nella rappresentazione del animali.

Nonostante ciò, non si può ancora parlare di arte realistica, poiché le pitture rupestri In generale presentano una schematizzazione evidente e sarebbero piuttosto riconducibili ad un'arte concettuale. In realtà, a grandi linee, l'arte dell'umanità non è mai stata strettamente realistica fino all'avvento del Rinascimento, con l'eccezione, ovviamente, dell'arte greca e romana.

In Egitto ritroviamo un'arte eminentemente concettuale: si tenta di esprimere concetti e idee, e anche scene le attività quotidiane seguono convenzioni marcate che nulla hanno a che vedere con una rappresentazione mimetica della realtà circostante. Nell'arte dell'antico Egitto le scene sono organizzate in fasce orizzontali, e manca un ordine realistico degli elementi della rappresentazione.. Inoltre, sono state scelte le parti più significative di ogni elemento, quindi il volto è stato rappresentato di profilo, gli occhi e il busto davanti e le gambe di lato. Questo non obbediva a nessuna realtà ed era subordinato esclusivamente al desiderio di rappresentare le parti più riconoscibili di ogni elemento.

Cioè, gli egiziani hanno "plasmato" la realtà a modo loro. Gli artisti della Valle del Nilo seguivano rigorosamente un sistema di scala legato all'importanza dell'individuo rappresentato. Così, nella stessa scena e sullo stesso piano, troviamo alcune figure molto più grandi di altre. Questa differenza dimensionale non è dovuta ad alcun tentativo di prospettiva, ma piuttosto è legata alla (tra l'altro, molto rigida) gerarchia delle Egiziani: un dio sarà sempre rappresentato molto più grande di un faraone, questo sarà sempre molto più grande di sua moglie e dei suoi figli, eccetera

Questa rappresentazione concettuale sarà recuperata nell'arte medievale, come vedremo in seguito. Ma tra l'arte delle antiche civiltà e il medioevo vi fu una breve parentesi di arte realistica: l'arte greca e l'arte romana, di cui parleremo in seguito.

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La parentesi “realista”: Grecia e Roma

L'arte greca arcaica era strettamente correlata al modo di rappresentare i popoli dell'est, in particolare l'Egitto. Tuttavia, verso il VI secolo a. C. qualcosa ha iniziato a cambiare. È il cosiddetto periodo greco classico, in cui si incoraggia un tipo di rappresentazioni plastiche più coerenti con la realtà.

Il crescente interesse dei Greci per l'anatomia umana origina una produzione scultorea che imita rigorosamente la natura. è il mimesi greca, il tentativo di catturare la realtà così com'è, seguendo quindi criteri di proporzione, volume e simmetria.

Tuttavia, pur catturando anatomie tremendamente realistiche in marmo e bronzo, non dimentichiamo che, allo stesso tempo, queste opere obbedivano a ciò che intendevano come "bellezza ideale". In altre parole, sebbene anatomicamente perfetti, gli dei e le dee nella scultura greca rappresentano prototipi, non persone concrete e identificabili.

Per fare questo bisogna attendere Roma, dove l'individualizzazione raggiunge vette insospettate attraverso il ritratto. D'altra parte, gli affreschi rinvenuti a Pompei, soprattutto quelli corrispondenti al cosiddetto secondo e quarto Stile pompeiano, mostrano un realismo che non si ritroverà nella pittura occidentale fino al XV secolo.

Questi dipinti sono rimasti nascosti per secoli, sepolti dai resti della cenere prodotta dall'eruzione del Vesuvio. Paradossalmente, il disastro ha permesso di conservare i resti praticamente intatti fino alla scoperta delle rovine nel XVIII secolo. La sorpresa degli scopritori fu enorme, perché davanti ai loro occhi si mostrarono dipinti di squisita qualità e di un realismo ancora più sorprendente.

Infatti, negli affreschi del cosiddetto secondo stile pompeiano, sono raffigurati attraverso una finestra fittizie prospettive architettoniche molto elaborate, che sembrano davvero "aprire" uno spazio dentro Parete. La stessa tecnica fu usata molti secoli dopo da Masaccio nel suo affresco del Trinità, dalla fiorentina Santa Maria Novella, che stupì i suoi contemporanei perché sembrava aprire un varco nel muro della chiesa.

plastica medievale

Il lavoro di Masaccio era molto innovativo per l'epoca; Pensiamo che dai tempi degli affreschi pompeiani non si era più tentato di creare uno spazio di così spiccato realismo. L'arte medievale che seguì gli ultimi anni dell'Impero Romano è, in generale (non possiamo soffermarci qui su tutti gli stili e le manifestazioni) schematica ed eminentemente concettuale.

Allo stesso modo degli egizi, gli artisti medievali non rappresentavano spazi ed elementi reali, ma piuttosto esprimevano, attraverso la pittura e la scultura, una serie di concetti e idee. Elementi come la simmetria e il volume si perdono in questo tipo di lavoro., ma non, come molti hanno sostenuto (e purtroppo sostengono tuttora) perché "non sapevano dipingere", ma perché il loro obiettivo nel rappresentare queste opere non era quello di imitare la natura.

Ci sono molti argomenti sull '"inespressività" romanica; inespressività che non è tale, come si può subito apprezzare se si contemplano attentamente alcuni dei rilievi che si sono conservati. Perché sebbene l'arte plastica romanica (e l'arte medievale in genere) sia eminentemente concettuale (come l'arte plastica egizia), non è vero che manchi di espressione. Il problema è che la loro forma di espressione non è la nostra, quindi molti dei modi in cui gli artisti romanici avevano per catturare sentimenti ed emozioni non corrispondono al nostro linguaggio attuale.

D'altra parte, molte delle opere d'arte del romanico sono cariche di dettagli, che possono manifestarsi nella caduta del le pieghe di una tunica (schematiche, ma spesso molto dettagliate) o nei bordi che decorano una tovaglia degli Ultimi Cena.

Il raggiungimento della prospettiva

All'inizio del Quattrocento Filippo Brunelleschi segna una pietra miliare nella storia dell'arte stabilendo il procedimento della prospettiva matematica o lineare. Poco dopo Alberti trascrive nella sua opera le nuove teorie di Brunelleschi di pictura (1435). Da quel momento in poi l'arte occidentale sarà costruita su questi precetti, che saranno considerati la base della "buona" pittura.

COSÌ, Durante tutto il XV secolo e parte del XVI secolo, il Rinascimento italiano cercò di riprodurre la prospettiva lineare nelle sue opere pittoriche.. Questa prospettiva si ottiene stabilendo un punto di fuga, da cui emergono tutte le linee che costruiscono lo spazio del quadro. Questo produce un'illusione ottica che dà al cervello la sensazione di profondità.

Il cosiddetto Rinascimento fiammingo convive con il Rinascimento della penisola italiana, un altro dei grandi rivoluzioni della pittura che, in questo caso, furono compiute dagli artisti delle Fiandre nel Settecento. XV. Questi “primitivi fiamminghi” davano profondità alle loro opere attraverso la successione dei piani e, Soprattutto, hanno posto una pietra miliare nel realismo pittorico riproducendo tutti i dettagli del oggetti. Si dice che, nei dipinti di Jan van Eyck, tutte le specie vegetali che compaiono possano essere catalogate grazie alla profusione di dettagli.

La prospettiva matematica italiana, tuttavia, fu la grande vincitrice dell'arte occidentale dell'era moderna e, a partire dal XVI secolo, il realismo segnò la pittura europea. L'arte barocca è un'arte eminentemente realistica perché, pur avendo (abbastanza) fama di arte esaltata e fortemente emotiva, riserva anche un posto per la rappresentazione della realtà: vecchi con le rughe, facce sdentate, bambini con i piedi sporchi, nature morte di frutta colte con straordinaria realismo…

Ritorno alle origini del realismo artistico

L'arte realista dominò la scena artistica occidentale fino alla metà del XIX secolo, quando apparvero le prime rotture con l'arte “tradizionale”.. Impressionisti, correnti estetiche e, successivamente, fauves, metteva in dubbio quello che, fin dal Quattrocento, si era posto come fondamento indiscutibile della "buona" arte.

Le avanguardie del Novecento costituiscono, quindi, una sorta di ritorno alle origini. Gli artisti d'avanguardia, nel loro desiderio di prendere le distanze dall'arte accademica e ufficiale, cercano nuovi modi di espressione e li trovano nella distruzione del "realismo"; cioè la prospettiva, la proporzione, la coerenza compositiva. In una parola, la rigorosa imitazione della realtà.

Noto è il caso di Picasso, i cui disegni ricordano spesso le miniature mozarabiche, o i cubisti che, in modo simile a quanto Gli Egiziani più di due millenni prima, ruppero la visione realistica degli oggetti e li riproducevano in maniera assoluta soggettivo.

L'iperrealismo e le nuove correnti realistiche

Spesso le diverse correnti ed espressioni artistiche si rispondono a vicenda. Abbiamo già accennato nell'introduzione come il movimento realista del XIX secolo sia stato una risposta al romanticismo dei decenni precedenti. Ebbene, attualmente troviamo nel panorama artistico una corrente che eleva il realismo pittorico a limiti insospettati; ci riferiamo alla cosiddetta corrente iperrealista.

L'iperrealismo nasce alla fine del XX secolo, anche come risposta alla tendenza concettuale e astratta delle arti plastiche.. Questa corrente porta alla sua massima espressione l'imitazione della natura, che trasforma i suoi quadri in riproduzioni fotografiche (si chiama infatti anche fotorealismo). La nitidezza delle composizioni è tale che spesso è davvero travolgente per lo spettatore; Certo, non mancano i detrattori, che lo definiscono un semplice imitatore della realtà.

La domanda è: l'arte dovrebbe copiare la natura, come sostenevano gli antichi greci con la loro mimesi, o ha un "obbligo" di contribuire con qualcosa di nuovo? Se partiamo dal presupposto che un'imitazione non è mai una riproduzione esatta della cosa reale (poiché sempre passa attraverso il setaccio dell'artista), forse quello che dovremmo chiederci è se "art realistico".