10 curiosità su opere d'arte famose

Un vero amante che si atteggia a Vergine, il furto più famoso della storia, un autoritratto in un barattolo d'olio... La storia dell'arte è piena di aneddoti e, in realtà, niente è come sembra. Successivamente, presentiamo un elenco con alcune delle più succulente curiosità su famose opere d'arte, spiegato in dettaglio.

10 curiosità su opere d'arte famose

Ecco 10 curiosità che nascondono alcune delle opere d'arte più famose della storia.

1. Il quadro più famoso del mondo

Decisamente, la Gioconda di Leonardo da Vinci è una delle opere che riceve più visitatori. Vi siete mai chiesti perché? Ed è che questo tavolino non è sempre stato così popolare. Infatti, prima del 1911 le persone che visitavano il Louvre quasi non se ne accorgevano.

Ma accadde che, la mattina di martedì 22 agosto 1911, si accorsero che la Gioconda non era al suo posto. È scomparso. E così fu per non meno di due anni; Fu individuato solo nel dicembre 1913, quando fu scoperto l'autore della famigerata rapina: Vincenzo Peruggia.

Peruggia aveva lavorato al Louvre e sapeva benissimo come venivano appesi i quadri. Inoltre, aveva in suo possesso una veste da operaio, che indossò per scomparire. Ricordiamo che stiamo parlando del 1911 e che, quindi, non esistevano telecamere di sicurezza che potessero registrare il furto. Così lunedì 21 agosto, giorno di chiusura del museo, Peruggia rispose con calma La Gioconde, lo appese sotto il braccio e lasciò il Louvre, nascondendolo precedentemente sotto il cappotto dell'operaio. Nessuno se ne accorse... fino al giorno successivo.

La notizia del furto si è diffusa a macchia d'olio. Guillaume Apollinaire finì in carcere accusato della rapina, e anche il suo collega Pablo Picasso faceva parte della lista degli indagati. I giornali alimentavano pettegolezzi e leggende. Quando il quadro fu ritrovato in un piccolo albergo di Firenze, dove Peruggia aveva chiamato l'antiquario Alfredo Geni per vendergli l'opera, la Gioconda Era già un vero mito. Un mito la cui fama (giustificata o meno) è cresciuta solo fino ad oggi.

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2. L'urlo che non è un urlo

Teniamo tutti a mente la spettacolare tela L'urlo, del pittore norvegese Edvard Munch: davanti a un paesaggio che sembra sciogliersi, una strana figura si porta le mani al volto e urla. Giusto? Beh no. Sì, c'è una figura Ha un aspetto strano, come una maschera mortuaria o una mummia, e si porta le mani al viso... ma non urla.

In realtà, il nome del dipinto si riferisce alla scena che ha ispirato il dipinto. Lo stesso Munch lo descrive così nel suo diario: “Stavo camminando lungo un sentiero con due amici; il sole è tramontato. Improvvisamente il cielo si è tinto di rosso sangue, mi sono fermato e mi sono appoggiato a uno steccato stanco morto: sangue e lingue di fuoco si annidavano sul blu scuro del fiordo e della città. I miei amici continuarono e io rimasi fermo, tremando di ansia. Ho sentito un urlo infinito che ha attraversato la natura…”

Cioè il grido che dà il nome al quadro è il potente grido della natura, spesso distruttiva, che scuote il pittore e lo fa barcollare. Certo, una visione molto diversa del lavoro che è diventato popolare.

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3. il cadavere blasfemo

Nel 1601 Michelangelo Merisi, meglio noto come Caravaggio, ricevette una commissione per la chiesa di Santa Maria della Scala a Roma. Devi dipingere un quadro che rispecchi il transito della Vergine, attorniata dagli apostoli. Detto fatto. Caravaggio prende il suo pennello e alcuni modelli, e realizza una tela monumentale, dove appare Maria sdraiata e gli apostoli che la custodiscono e ne piangono la morte.

Fin qui tutto sembra a posto. Ma sappiamo già che Caravaggio è stato uno dei grandi naturalisti del Barocco, che prendeva i suoi modelli dai quartieri più poveri di Trastevere. Caravaggio ci mostra sulla tela personaggi volgari, cenciosi e sporchi; Inoltre, la figura distesa della Vergine sembra un cadavere appena prelevato dall'obitorio. Infatti, alcune voci suggerivano che, in effetti, il pittore avesse preso a modello per Maria una prostituta annegata nel Tevere (il che, venendo da Caravaggio, potrebbe essere perfettamente vero).

Finiamo! Quella era una presa in giro decoro ecclesiastico, che richiedeva regole nella rappresentazione di personaggi sacri. Come previsto, il lavoro è stato rifiutato. Per fortuna non tutti la pensavano allo stesso modo. Uno stupefatto Rubens ha avuto la fortuna di vedere l'opera e ne è rimasto assolutamente affascinato. L'artista convinse il Duca di Mantova ad acquistare la tela, che attualmente possiamo ammirare al Museo del Louvre.

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4. Clara Peeters scatta una foto... in un barattolo d'olio

È normale che i pittori si autoritraggono nelle loro opere. È un'usanza abbastanza diffusa fin dal Rinascimento; ad esempio, Botticelli ha incluso il suo ritratto tra la folla dei suoi Adorazione dei Magi (1475-76), e Bosch fece lo stesso nel suo Giardino delle delizie (1503-15), anche se, per correttezza, dobbiamo dire che l'identità di quest'ultimo non è confermata.

Clara Peeters (1594? -?) è stata una pittrice fiamminga famosa per le sue squisite nature morte. In molte di esse ha inserito la propria immagine, riflessa sulla superficie di alcuni oggetti. È il caso di una delle nature morte che conserva il Museo del Prado, datata 1611, e che mostra una tavola con deliziose prelibatezze (biscotti, pane e frutta secco), un vaso con fiori, un bicchiere di vino e una lattina d'olio dove, se guardiamo bene, possiamo scorgere il volto dell'artista, riflesso nella metallo.

Il virtuosismo di Clara è evidente in questi dettagli, poiché non è facile ritrarsi sulla superficie curva di un oggetto. L'artista controlla perfettamente gli effetti di luce e la distorsione che le sinuosità dell'olio possono provocare nel ritratto. Se vai al Prado, puoi provare a scoprirlo.

5. Il volto delle polemiche

Chi è la donna ritratta da Goya in duplice copia, una vestita con abiti orientali e l'altra completamente nuda? Ci riferiamo, ovviamente, ai famosi Majas, attualmente conservato al Museo del Prado e che un tempo apparteneva alla collezione privata di Manuel Godoy, Primo Ministro di Carlos IV.

Nell'inventario del palazzo Godoy, le tele appaiono consegnate come dipinti "zingari", senza ulteriori precisazioni.. La controversia iniziò quando la stessa Inquisizione convocò Goya a testimoniare sui dipinti e sulla persona che li aveva commissionati. Cominciarono a scorrere fiumi di inchiostro. Era il volto della famosa duchessa d'Alba che sembrava sfidare lo spettatore (e anche sensuale)?

Questa versione era la più accettata dalla leggenda popolare; Tuttavia, la duchessa d'Alba era già molto malata al momento in cui furono realizzati i dipinti. Potrebbe essere, quindi, che il ritratto fosse qualcun altro? Forse Pepita Tudó, l'amante di Godoy all'epoca? Il confronto dei tratti del Majas con i ritratti confermati di Pepita mostra una straordinaria somiglianza. D'altra parte, il Majas erano in possesso di Manuel Godoy; sembra del tutto logico che il ministro volesse avere un ritratto erotico del suo amante.

Nonostante le supposizioni, non è stato ancora possibile confermare chi sia la donna che posa civettuola ed elegante su un divano. Forse è meglio così, visto il mistero del Majas È una delle sue maggiori attrazioni.

6. Velázquez ritrae la sua famiglia

Velázquez ha dipinto il suo Adorazione dei Magi durante la sua permanenza a Siviglia, quando era ancora nella bottega di Francisco Pacheco. Fu proprio sua figlia, Juana, che Velázquez sposò nel 1618. L'opera, dipinta l'anno successivo, è, al di là della rappresentazione dell'Epifania, segno di fedeltà e di amore familiare.

Ed è quello Velázquez ha catturato i lineamenti di sua moglie Juana nel volto della Vergine Maria. Non solo quello; si sa che il Bambino Gesù era, in realtà, la sua figlioletta Francisca, nata appena pochi mesi prima. Lo stesso Velázquez sarebbe la giovane figura in primo piano, mentre il re più anziano sarebbe un ritratto di suo suocero e insegnante, Francisco Pacheco. Qualcosa, invece, molto usuale nel barocco: la fusione del sacro con la quotidianità, che avvicinava enormemente i personaggi biblici alla gente.

7. Il “terzo seno” di Angelica

Nonostante sia oggi un pittore molto apprezzato, la verità è che Jean-Auguste-Dominique Ingres ha avuto molti detrattori durante la sua vita. L'artista aveva la reputazione di disegnare anatomie impossibili; la critica del momento era innescata dalla sua grande odalisca (1814), che si diceva avesse "diverse vertebre extra".

È vero che le figure di Ingres non sono anatomicamente perfette. Hanno un languore quasi gotico che li rende più vicini al mondo dei sogni che alla realtà tangibile.. Tuttavia, questo fa parte del fascino del suo lavoro.

Alcuni suoi contemporanei non la pensavano allo stesso modo, come abbiamo già visto. Un altro dei suoi dipinti più famosi, Roger libera Angelica (1819), suscitò le sue stesse accese critiche Odalisca. Guardiamo la data: 1819, l'apice della rabbia neoclassica in Francia. La figura di Angelica, incatenata ad una roccia e salvata da Ruggero da morte certa, sfoggia sul suo collo… un terzo seno! O, almeno, così volevano vederla i contemporanei del pittore. La confusione nasce dal rigonfiamento sporgente che la giovane mostra sotto il mento e nella rotondità del collo. Potrebbe essere che Angelica abbia presentato un tumore? Chi lo sa…

8. Un'amante reale nel ruolo della Vergine

Nel Dittico di Melun (1450), entrambe le parti del quale sono attualmente conservate in diversi musei, Jean Fouquet rappresenta la Vergine che offre il seno al Bambino Gesù per essere allattato, in una nota iconografia COME Galaktotropousa (Madonna del latte). Questo tipo di rappresentazione era abbastanza comune fin dai primi secoli del Medioevo, ma Jean Fouquet vi dà una svolta e rappresenta una Vergine di suggestivo erotismo.

María è vestita secondo la moda del tempo; la sua fronte è rasata, così come le sue sopracciglia. La sua pelle è candida e morbida, e i suoi seni (in realtà solo uno, visto che l'altro è scoperto) sono racchiusi in un reggiseno blu. Un elegante mantello di ermellino le ricade sulla schiena… La bellezza terrena e l'evidente erotismo di questa Madonna sono un vero shock per lo spettatore. E se prendiamo in considerazione la leggenda che assicura che la modella altri non sia che Agnès Sorel, la favorita del re Carlo VII di Francia, tutto diventa ancora più complicato. Una vera amante che interpreta la Vergine Maria!

Non è stato possibile confermare l'identità della dama, ma si scopre che uno dei committenti del dittico, che compare rappresentato sull'altro tavolo, era l'esecutore testamentario di Agnès, morta giovanissima, a ventotto anni, presumibilmente avvelenato. Vuoi più coincidenze? La data di esecuzione del dittico corrisponde a quella della morte del favorito. Trai le tue conclusioni.

9. la famiglia deve essere unita

Napoleone commissionò al celebre pittore neoclassico Jacques-Louis David la creazione di una tela colossale per immortalare la sua ascesa al potere. David ha catturato il momento in cui Napoleone, già incoronato, impone a sua volta la corona a sua moglie, la regina Giuseppina. È una visione grandiosa di non meno di 667 x 990 cm, ed è attualmente al Museo del Louvre.

Tra la folla che assiste all'incoronazione, possiamo vedere, in un palco prominente, la madre del Gran Corso, che contempla con ammirazione il figlio. Ma la verità è che, in verità, María Letizia Ramolino non aveva partecipato alla cerimonia, a causa di alcuni dissapori familiari (si dice che la madre non approvasse il matrimonio del figlio con Giuseppina...). Napoleone non esitò a chiedere a David di includere sua madre tra i partecipantiPerché che immagine darebbe alla gente se rendesse pubblici i suoi guai familiari? Il Photoshop dell'epoca.

10. Avignone è a Barcellona

Il famoso dipinto di Picasso è stato considerato Le dame di Avignone come il primo dipinto interamente cubista. Tuttavia, la composizione è ancora in qualche modo sperimentale. Picasso tenta soluzioni formali che, sì, sono un chiaro precedente per il cubismo che verrà dopo.

Il dipinto ritrae cinque prostitute... di Avignone, in Francia? NO; Via Avinyó (Avignone), a Barcellona. Ricordiamo che in quegli anni (1907) il giovane Picasso si era stabilito a Barcellona. Pertanto, il nome del dipinto può essere fuorviante, soprattutto considerando che l'artista visse in seguito in Francia. Se mai passi da Barcellona, ​​​​assicurati di visitare la strada in questione; Si trova nel cuore del cosiddetto Quartiere Gotico, una zona con molto fascino e molti gioielli artistici da scoprire.