Arte contemporanea: cos'è, caratteristiche e movimenti principali

Oggi viviamo in un'epoca caratterizzata dalla velocità. Non solo le mode appaiono e scompaiono in un batter d'occhio, ma si diffondono anche nel mondo velocità della luce, grazie all'ascesa di tecnologie come Internet, applicazioni mobili e reti sociale. L'arte contemporanea, ovviamente, non può essere compresa al di fuori di questa realtà.

Nonostante dalla seconda metà del XX secolo non si possa più parlare di movimenti artistici in quanto tali, ci sono una serie di pattern che caratterizzano l'arte contemporanea, e che andremo ad analizzare in questo articolo.

cos'è l'arte contemporanea?

L'arte contemporanea è considerata quelle manifestazioni artistiche comprese nella seconda metà del XX secolo e all'inizio del XXI. La stessa parola “contemporaneo” comporta una continua scadenza e rinnovamento, poiché, ovviamente, tra cent'anni non potremo continuare a chiamare l'arte attuale “arte contemporanea”.

L'arte contemporanea si basa sull'inesistenza di movimenti solidi e rappresentativi, come lo erano gli “ismi” di fine Ottocento e inizio Novecento. COSÌ,

l'arte contemporanea è chiaramente figlia del suo tempo, poiché rappresenta l'assoluta libertà di creazione. Possiamo quasi descrivere una tendenza specifica per ogni artista esistente. È il trionfo dell'individualità contro la comunità.

Anche così, e forse paradossalmente, possiamo distinguere una serie di caratteristiche comuni, di cui parleremo nella prossima sezione.

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Caratteristiche generali dell'arte contemporanea

A grandi linee, possiamo elencare 4 caratteristiche essenziali dell'arte che chiamiamo contemporanea. Vediamoli di seguito.

1. L'uso delle nuove tecnologie

Sebbene in genere ogni nuova manifestazione artistica vada di pari passo con un'innovazione tecnica, è vero che, in Nel caso dell'arte contemporanea, l'innovazione è una caratteristica fondamentale per supportare la sua stessa definizione. Ad esempio, nella gestazione dell'arte fiamminga nel XV secolo, la pittura a olio, inventata in quel periodo, era molto importante; ma non si può dire che questa nuova tecnica abbia costituito qualcosa di essenziale nella nascita di questo nuovo stile.

Tuttavia, possiamo affermare che le nuove tecnologie hanno molto a che fare con la formazione dell'arte contemporanea. Da un lato la fotografia e il cinema, che sono stati alla base di molte delle creazioni delle prime avanguardie del Novecento; per un altro, tecniche e reti digitali, essenziali per comprendere l'arte attuale.

Pertanto, uno degli elementi più importanti che caratterizzano l'arte contemporanea è l'uso e lo sfruttamento delle nuove tecnologie emergenti che, tra l'altro, ha dato origine del nome di una delle correnti artistiche più attuali (e anche più eterogenee) della fine del XX secolo e dell'inizio del XXI secolo: New media art o arte del nuovo media.

2. Viralità e consumo di massa

Un'altra delle caratteristiche che stanno alla base dell'arte contemporanea è la sua viralità e l'ascesa del consumo di massa o del consumo di massa. Non possiamo comprendere l'arte attuale senza collegarla alla velocità della comunicazione e all'accesso del pubblico alle creazioni artistiche. Questo è un fatto che ha cominciato a farsi notare all'inizio del XX secolo, con la generalizzazione di giornali e riviste e con la crescita della società dei consumi; tuttavia, non è fino alla seconda metà del secolo e, soprattutto, all'inizio del XXI secolo, quando questo fenomeno è aumentato grazie a Internet, ai dispositivi mobili e alle reti sociale.

Questa straordinaria viralità, mai vista prima, rende facile per la creazione di un artista viaggiare per il mondo in poche ore (a volte minuti). Inoltre, gli alti livelli di consumo che l'umanità vive oggi provocano un maggior “bisogno” di arte da parte del grande pubblico, oltre che un maggiore accesso.

3. Lo sviluppo delle “sottoculture”

Alla fine dell'Ottocento, e per la prima volta nella storia dell'arte, compaiono diverse correnti artistiche simultanee conosciute come “ismi”. Da allora in poi, la proliferazione delle correnti estetiche avanzò con velocità crescente, al punto che, all'inizio del '900 troviamo avanguardie che si sovrappongono nel tempo.

Questo multiculturalismo e simultaneità di espressioni artistiche ha raggiunto il suo apice a metà del XX secolo con la proliferazione di chiamate "sottoculture", vale a dire gruppi sociali con proprie espressioni culturali che differiscono notevolmente da quelle accettate dal "ufficialità". È il caso, ad esempio, dei graffiti e dell'arte urbana.

4. La progressiva relativizzazione dell'arte

Ultimo ma non meno importante, troviamo una relativizzazione (quando non banalizzazione) dell'arte, iniziata all'inizio del '900 con le prime avanguardie e proseguita fino ai giorni nostri. giorni.

Nel corso della storia, i movimenti artistici sono stati guidati da un'idea di bellezza. Ovviamente questa idea è variata nel corso dei secoli ed è stata molto diversa a seconda della cultura che la emette. Tuttavia, il fenomeno della negazione artistica, cioè di l'inesistenza di un'estetica-guida, è cosa assolutamente recente.

Forse i primi a stabilire la negazione dell'arte e, quindi, di un'estetica, furono i dadaisti, un gruppo di intellettuali disincantati che si affermò come movimento nel 1916. Il movimento Dada non è stato, ovviamente, la prima avanguardia, ma è stato il primo a negare in modo violento e assoluto la creazione artistica.

Qualche anno prima i futuristi proponevano un'estetica, un ideale di bellezza, in questo caso basato sulla velocità e sul progresso. Erano trasgressori nella forma, ma in nessun caso negavano l'esistenza dell'arte. Parlavano infatti della "bellezza di un'auto da corsa a tutta velocità". IL dadaistiTuttavia, hanno rotto con tutto l'ideale. Senza saperlo, stavano gettando le basi della futura arte contemporanea.

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L'era della “postmodernità”

L'arte contemporanea fonda il suo discorso non sulla trasgressione (questo era già stato fatto dalle avanguardie), ma la rottura con il concetto stesso di creazione e autore. Vengono poste domande sulla paternità, sulla validità del punto di vista dell'artista, sull'originalità e sul valore stesso dell'opera d'arte. Questo è ciò che è stato chiamato “postmodernità”.

Questa rottura con le formalità artistiche lo fa entrare in una franca contraddizione, poiché, contemporaneamente a mettono in discussione la validità di gallerie d'arte, fondazioni, artisti, ecc., usano tutto questo per legittimare Legittimare, perché? Perché nell'era postmoderna qualsiasi oggetto può essere considerato un'opera d'arte, motivo per cui ha bisogno di un'istituzione con sufficiente autorità e prestigio che lo avalli come tale.

Alcuni dei movimenti dell'arte contemporanea

Di seguito esamineremo alcuni dei movimenti più importanti dell'arte contemporanea, dalla sua comparsa negli anni '60 ad oggi.

1. La "pop art"

Emerso negli anni '60 da artisti importanti come Andy Warhol, "pop art" o arte popolare reinventato oggetti di consumo quotidiano e li ha trasformati in oggetti d'arte. Pertanto, qualsiasi elemento quotidiano poteva essere considerato un'opera d'arte e, inoltre, e grazie alle migliori tecniche di riproduzione, qualsiasi casa poteva permettersi di accedervi. Era l'alba dell'arte come oggetto di consumo.

2. L'"arte op"

La denominazione è l'abbreviazione di optical art, cioè arte ottica. Il termine è stato coniato dalla rivista Rivista del tempo nel 1964, e ha fatto riferimento a gli artisti che giocavano con le illusioni ottiche per dare energia alle loro creazioni. Sebbene la "op art" abbia avuto il suo massimo splendore negli anni '60, possiamo trovare la sua genesi nei precedenti movimenti d'avanguardia, specialmente nel surrealismo. Basti ricordare Dalí e le sue “immagini-paranoiche”, come le chiamava lui stesso, che facevano scorgere all'occhio elementi che, in linea di principio, non erano rappresentati nel dipinto.

3. arte "psichedelica".

La ricchezza creativa degli anni '60 del XX secolo si manifesta in tutti questi movimenti che hanno acquisito a grande impulso in questi anni di manifestazioni, il movimento hippie e la nascita del controculture.

Nello specifico, la cosiddetta arte "psichedelica" ha molto a che fare con il boom del consumo di sostanze allucinogene come l'LSD (infatti questa tendenza è chiamata anche arte "lisergica" in "onore" di questa droga sintetica), e la sua estetica riflette gli stati alterati di coscienza prodotti dal suo consumo. Così, l'arte "psichedelica" presenta frattali e colori vividi e brillanti, nonché effetti ottici e fosfenici (sensazione di vedere macchie di luce quando la retina è adeguatamente stimolata).

4. L'arte del corpo

Si tratta della creazione artistica che utilizza il corpo umano come supporto. Pertanto, i modelli estetici si formano attraverso la pittura, il piercing o il tatuaggio, ed era particolarmente popolare negli anni '70.

5. i graffiti

Il decennio per eccellenza dei graffiti sono stati gli anni '80. È un'arte completamente gratuita (e, il più delle volte, illegale) quella utilizza superfici pubbliche per la loro espressione. Si tratta generalmente di composizioni di parole con un messaggio, ma troviamo anche dipinti figurativi di alta qualità. Di solito, queste rappresentazioni sono realizzate utilizzando la tecnica dell'aerosol.

6. Arte “povera”.

Alla fine degli anni '60 sorse un movimento di artisti italiani che rivendicava il arte realizzata con materiali “poveri”, cioè di uso quotidiano ea basso o nullo costo. L'artista "povera" creava le sue opere con legno, argilla, foglie, tessuti, rocce e altri materiali che, in genere, si potevano trovare in natura o nel paesaggio urbano.

7. iperrealismo

Contrariamente a quanto molti credono, l'arte contemporanea non si basa esclusivamente su linguaggi completamente nuovi. Ad esempio negli ultimi anni il cosiddetto iperrealismo, espressione artistica che imita la realtà con precisione millimetrica, in maniera assolutamente fotografica.

8. nuova arte multimediale

È l'arte che si avvale delle tecnologie più avanzate per svilupparsi e per accedere al pubblico. Il mezzo preferito di questi artisti è, ovviamente, Internet. Lui new media art o arte dei nuovi media interagisce con lo spettatore, si appropria di opere esistenti e crea le sue creazioni in collaborazione con altri artisti. Alcuni esempi sono l'arte interattiva e il metaverso.