La scultura del Laocoonte ei suoi figli: caratteristiche, analisi e significato.

La scultura Laocoonte e i suoi figli È una delle opere più rilevanti della tradizione dell'Antichità Classica e appartiene stilisticamente al periodo ellenistico. Attribuito ad Agesandro (o Hagesandro), Arenorodo e Polidoro de Rodas, fu probabilmente scolpito tra il 170 e il 150 a.C. c.

Poiché permangono dubbi sulla sua datazione, non si sa con certezza se l'opera in questione sia il pezzo originale o se fosse Si tratta di una copia in marmo di un originale in bronzo, poiché la pratica delle copie in marmo era profondamente radicata nell'antichità. Roma.

Indipendentemente da questo fattore, Laocoonte e i suoi figli È considerato uno dei grandi pezzi dell'antichità classica insieme al Venere di Milo, il Vittoria di Samotracia, il Discobolo di Myronron e il Toro Farnese. Facci sapere le ragioni della sua fama universale.

Analisi

Il gruppo scultoreo Laocoonte e i suoi figli

Ha suscitato l'interesse del mondo sin dalla sua scoperta nel XVI secolo. Esprime il cambiamento di sensibilità artistica che ha caratterizzato il periodo ellenistico, poiché lascia dietro di sé l'equilibrio, l'austerità e la serenità del periodo classico.

La scena

La scena è ispirata alla mitologia greco-latina, ed è narrata nel Eneide di Virgilio, così come in altre fonti letterarie.

Il mito narra che, durante l'assedio di Troia, gli Achei avevano offerto ai Troiani un enorme cavallo di legno in segno di buona volontà. Sinone, in combutta con suo cugino Ulisse, cercò di persuadere Priamo a riceverlo. Laocoonte, sacerdote del tempio, si accorse subito della falsità delle sue parole ed esortò i Troiani a rifiutare l'offerta.

Per dissuadere Priamo, il sacerdote propose di sacrificare un toro agli dei, nella speranza che il cavallo venisse bruciato. Tuttavia, gli dei desideravano ardentemente la distruzione di Troia e inviarono due grandi serpenti marini che uccisero Laocoonte e i suoi figli.

I Troiani interpretarono l'evento come un segno che il cavallo era sacro. Fiduciosi in quello che sembrava un disegno favorevole degli dei, aprirono le porte della città, solo per scoprire più tardi di Laocoonte aveva avuto ragione, perché nel ventre di quel gigantesco cavallo si nascondeva l'esercito... acheo.

Caratteristiche

Laocoonte e i suoi figli È una scultura scolpita in marmo bianco e raggiunge un'altezza di 2,42 metri. Si tratta di un gruppo scultoreo con tre figure umane (un adulto più grande, barbuto e muscoloso, insieme a due bambini piccoli o giovani) e due enormi serpenti. Le figure del gruppo sono disposte in a visivo piramidale.

Questo pezzo rappresenta il momento esatto in cui i serpenti marini si sono avvolti attorno al corpo del sacerdote troiano e dei suoi due figli. Seguendo i tratti caratteristici dell'arte ellenistica, l'opera mostra grande dinamismo e virtuosismo.

Lontano dalle solite posture del periodo classico, in cui predominano i corpi a riposo, questo gruppo scultoreo esprime la tensione dinamiche tipiche dei corpi in battaglia: la contorsione dei muscoli, le vene che spuntano, i volti afflitti, l'istante di disperazione.

Il naturalismo introdotto nell'arte dai Greci, cioè il principio di imitazione della natura, ha fatto un passo Oltre a ciò, ha raggiunto il culmine della febbre mentre si fissa su un istante effimero per renderlo eterno come se fosse un'istantanea di pietra.

Risalta l'espressività dei volti, lasciandosi alle spalle la serenità del passato per rendere conto della sofferenza umana. A tal proposito, lo storico dell'arte Ernst Gombrich osserva che:

Il modo in cui i muscoli del tronco e delle braccia mostrano lo sforzo e la sofferenza della lotta disperata, l'espressione di dolore sul volto del sacerdote, la il contorcersi impotente dei due ragazzi e il modo di paralizzare questo istante di agitazione e movimento in un gruppo permanente, hanno da allora ammirazione.

I due serpenti svolgono anche una funzione dal punto di vista plastico. Essi, attraverso gli anelli con cui circondano i personaggi, danno unità al gruppo scultoreo in una grande massa barocca.

Laocoonte non è più un prete. Spogliato delle sue vesti (che giacciono sotto il suo corpo), è un uomo, un padre che, con la stessa sorte dei suoi figli, li vede morire ingiustamente. Se Laocoonte non merita la punizione che gli dèi gli danno per aver detto la verità, tanto meno la meritano i suoi figli.

Nella rappresentazione non viene trascurato il lavoro psicologico sui personaggi. Laocoonte esprime il terribile dolore di dover affrontare sia la morte dei suoi figli, che rivolgono a lui il loro sguardo come per chiedere aiuto, sia la propria morte.

Ogni personaggio affronta un momento diverso dell'attacco: mentre Laocoonte e uno dei giovani appaiono in trappola mortale, uno dei bambini sembra avere una possibilità di sfuggire al martirio. La scena non è finita, rimane aperta. Forse è un occhiolino a una delle versioni del mito, secondo la quale un fratello riesce a sopravvivere. Forse no.

Tutto questo non è altro che la conferma del abbandono degli dei. Lo sguardo di Laocoonte, inutilmente, cerca un segno dal cielo; ha la bocca socchiusa, ma non come chi grida, ma piuttosto come chi si arrende all'inesorabile fortuna con tutta la dignità di cui è capace. L'orrore non lo priva della sua umanità.

La congiunzione di questi elementi costituisce un principio fondamentale dell'arte del periodo ellenistico: il pathos, cioè l'espressione dell'emozione, della sofferenza e del sentimento.

Senso

Il lavoro sembra eterogeneo, contorto, teso, in movimento. Uno spirito barocco domina la scultura. Il lavoro non si chiude, non finisce, siamo privati ​​del risultato. Laocoonte e i suoi figli si contorcono nell'eterno martirio, ricordandoci il doloroso costo di inimicarsi i potenti con la denuncia della Verità; ricordandoci anche la natura inesorabile della morte.

Poiché questa è una delle scene più drammatiche e crudeli della miologia greca, il ricercatore Ernst Gombrich si chiedeva nel suo libro Storia dell'arte (scritto intorno alla metà del XX secolo), se la motivazione per fare questo lavoro fosse nella denuncia di come l'uomo coraggioso che, come un profeta, proclama la verità, soccombe ingiustamente; o se la motivazione fosse, piuttosto, nell'opportunità di fare sfoggio di virtuosismo.

Gombrich finisce per rispondersi lui stesso: molto probabilmente il carattere morale del soggetto avrebbe avuto poca importanza. nella sua concezione, poiché, in quel momento storico, l'arte aveva perso il suo legame con la magia e religione.

Forse l'interesse sarebbe allora nell'esplorazione artistica stessa, nella valutazione dell'arte come oggetto autonomo, a cui il contenuto ti offre una scusa per trovare la bellezza in mezzo all'orrore.

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Scoperta e impatto

Desiderosi di conoscere l'Antichità Classica, i dotti del Rinascimento avevano letto con grande interesse le storie dello scrittore romano Plinio il Vecchio. Da lui, e grazie al suo libro Storia naturale, avevano sentito parlare dell'esistenza di un grande gruppo scultoreo che Plinio aveva visto nel palazzo dell'imperatore Tito, intorno al 70 d.C. c.

Sapevano che questo pezzo rappresentava la scena di Laocoonte e dei suoi figli e, attraverso molti esercizi, immaginavano come avrebbe potuto essere quella magnifica opera, per la quale Plinio esprimeva un'ammirazione senza pari. Quello che non avrebbero mai immaginato è che la scultura sarebbe stata trovata da loro, e che avrebbero potuto vedere con i propri occhi l'aspetto di quel capolavoro dell'arte ellenistica.

Il gioco Laocoonte e i suoi figli è stato scoperto il 14 gennaio 1506 in una vigna romana di proprietà di Felice de Fredis da un contadino. Era suo Michelangelo Buonarroti, uno dei primi testimoni comparsi nello scavo, che ha confermato la corrispondenza tra la vicenda di Plinio il Vecchio e il pezzo ritrovato.

Per volere di papa Giulio II, ben presto il gruppo scultoreo fu trasferito nel Cortile Ottagonale del Belvedere in Vaticano. e, con il passare del tempo, si trovava nel Museo Pío-Clementino, sebbene fosse in potere di Napoleone Bonaparte tra il 1799 e il 1816.

Questa scoperta provocò un grande impatto su quella generazione che, fino ad allora, si era ispirata ai modelli apollinei dell'arte classica. L'ammirazione che quest'opera suscitò si fece sentire nell'arte rinascimentale, che presto si sarebbe spostata verso il manierismo e il barocco.

Laocoonte... fu inserito nell'elenco dei tesori d'arte custoditi nella città papale, al quale attirò innumerevoli visite fin dal momento in cui fu esposto per la prima volta nel XVI secolo.

L'opera è stata studiata e utilizzata come modello da artisti come Miguel Ángel Buonarroti, Rafael, Juan de Bolonia, Tiziano, Baccio Bandinelli, Francesco Primaticcio e altri. Più tardi, anche altre generazioni avrebbero ceduto al suo fascino: Rubens ed El Greco nel XVII secolo, William Blake all'inizio del XIX secolo e persino Max Ernst nel XIX secolo. XX. Dalla sua ricomparsa non sono mancate le ipotetiche incisioni, copie, versioni, parodie e ricostruzioni.

E non solo nelle arti plastiche ha lasciato la sua influenza. Il gruppo scultoreo Laocoonte e i suoi figli divenne oggetto ricorrente delle più interessanti discussioni fisiologiche ed estetiche dei secoli a venire. Tanto che lo scrittore Gotthold Ephraim Lessing scrisse un trattato intitolato Laocoonte o ai limiti della pittura e della poesia.

Laocoonte e i suoi figli rimane oggi un riferimento eterno.

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